tag:blogger.com,1999:blog-46548775967288562002024-02-18T19:50:10.591-08:00REVISTA DE CULTURA QVORVMRevista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.comBlogger95125tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-8538359680408749192009-12-30T00:21:00.000-08:002010-01-01T03:59:05.552-08:00QVORVM 5 - Sumario y Créditos<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXEdbA82gRxOnG4rsqr9mkfdoF0dMtMqvjg2HAsQnysURljYbzE2dahKAzccpRzZ6yaoHtHRXMfBhJVMevzA6KxepRgipMVj_RHQImZWmKHMulk3Uxrr1sjaORTR8cZq688tjHM2MwS9NO/s1600-h/Portada+Qvorum+5.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 240px; DISPLAY: block; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420942100589036418" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXEdbA82gRxOnG4rsqr9mkfdoF0dMtMqvjg2HAsQnysURljYbzE2dahKAzccpRzZ6yaoHtHRXMfBhJVMevzA6KxepRgipMVj_RHQImZWmKHMulk3Uxrr1sjaORTR8cZq688tjHM2MwS9NO/s400/Portada+Qvorum+5.jpg" /></a><br /><br /><div><div><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-family:trebuchet ms;font-size:130%;"><strong><span style="color:#333399;">SUMARIO</span></strong> </span><br /><br />Declaración Institucional de Santander como Capital Europea<br />de la Cultura en 2016.<br /><br /><a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2009/12/el-personaje.html"><span style="color:#000099;">EL PERSONAJE</span> </a><br />Encuentro con Paloma O’Shea. Entrevista por Ana Rodríguez de la Robla.<br /><br /><a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2009/12/aqui-y-ahora.html"><span style="color:#333399;">AQUÍ Y AHORA</span></a><span style="color:#333399;"><br /></span><em>Con Ricardo Gullón. Desde aquel lejano Santander hasta el final</em>, por Manuel Arce.<br /><em>Ser escritora y dama en el norte</em>, por Rebeca le Rumeur.<br /><em>Margarita Xirgu: al exilio desde Santander</em>, por Jesús Cabezón.<br /><em>2.866</em>, por Javier Fernández Rubio.<br /><em>El columnismo en Cantabria</em>, por Enrique Álvarez.<br /><br /><a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2009/12/hora-critica.html"><span style="color:#000099;">HORA CRÍTICA</span></a><br /><br /><strong>Literatura<br /></strong>Reseñas de libros, por José Manuel Cabrales, Gonzalo Álvarez Perelétegui, Fernando Llorente, Regino Mateo, Vicente Gutiérrez, Ana Rodríguez de la Robla, José Manuel González Herrán y Mario Crespo.<br /><br /><strong>Música</strong><br /><em>El Festival Internacional de Santander y el mito del eterno retorno</em>, por Regino Mateo.<br /><em>Samson et Dalila</em>, por Roberto Blanco.<br /><em>Regreso del binomio ópera-cine</em>, por Roberto Blanco.<br /><br /><strong>Arte</strong><br /><em>Un museo privado</em>, por Fernando Zamanillo.<br /><em>La feria de arte en tiempos de crisis</em>, por Marta Mantecón.<br /><em>La creación en el fuego</em>, por Lidia Gil.<br /><br /><strong>Cine</strong><br /><em>El cine que nos viene: tres propuestas cinematográficas para el próximo trimestre</em>, por Javier Collantes.<br /><br /><strong>Teatro</strong><br /><em>La encarnación de la memoria</em>, por Francisco Valcarce.<br /><em>Sonata de Bergman</em>, por Alberto Iglesias.<br /><br /><strong>Danza</strong><br />El Festival de Lucía, por María Luisa Martín-Horga.<br /><br /><a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2009/12/fiat-lux.html"><span style="color:#000099;">FIAT LUX</span></a><span style="color:#000099;"><br /></span>Creación. Inéditos:<br /><em>Poemas</em>, por Rosario de Gorostegui.<br /><em>Noche zamorana</em>, por Carlos Villar.<br /><br /><a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2009/12/ciudad-de-lejos.html"><span style="color:#000099;">CIUDAD DE LEJOS</span></a><span style="color:#000099;"><br /></span><em>Ariadne auf Naxos en el Euskalduna (ABAO),</em> por Roberto Blanco.<br /><em>Interiores de un emperador: Adriano en Londres</em>, por Ana Rodríguez de la Robla.<br /><em>Cy Twombly en la Tate Modern</em>, por Yolanda Novoa.<br /><em>ENGLISH TRANSLATIONS. Santanderinos en el Instituto Cervantes de Londres</em>, por Jesús Alberto Pérez-Castaños.<br /><em>Turandot en el Euskalduna (ABAO),</em> por Roberto Blanco.<br /><br /><a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2009/12/breverias.html"><span style="color:#000099;">BREVERÍAS</span></a><span style="color:#000099;"><br /></span><br /><a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2009/12/punto-de-encuentro_29.html"><span style="color:#000099;">PUNTO DE ENCUENTRO</span></a><br /><em>Rebelión de las flores: Mil Rosas en Santander</em>, por Ana Rodríguez de la Robla.<br /><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Dirección y coordinación: Ana Rodríguez de la Robla<br /><br />Autores y colaboradores: Alberto Iglesias, Ana Rodríguez de la Robla, Carlos Villar, Fernando Llorente, Fernando Zamanillo, Francisco Valcarce, Gonzalo Álvarez Perelétegui, Javier Collantes, Javier Fernández Rubio, Javier Lamela, Jesús Cabezón, Jesús Alberto Pérez Castaños, José Manuel Cabrales, José Manuel González Herrán, Lidia Gil, Manuel Arce, María Luisa Martín-Horga, Mario Crespo, Marta Mantecón, Rebeca le Rumeur, Regino Mateo, Roberto Blanco, Rosario de Gorostegui, Vicente Gutiérrez, Yolanda Novoa<br /><br />Arte en revista: Jesús Alberto Pérez-Castaños (portada y cabeceras de secciones).<br /><br />Edita: Ayuntamiento de Santander.<br /><br />Contacto: <a href="mailto:REVISTA.QVORVM@terra.es">REVISTA.QVORVM@terra.es</a><br /><br />ISSN: 1888-0347<br /><br />Impresión: Gráficas J. Martínez<br /><br />Textos e imágenes propiedad de sus autores. Reservados todos los derechos de reproducción sin mediar la citación correspondiente.<br /><br />Los colaboradores de QVORVM hacen suyo el adagio romano <em>cuique suum</em>, de manera que se manifiestan enteramente responsables de sus propias opiniones, excluyéndose así que esta revista se haga cargo por ellos de las ideas vertidas en sus textos. </span></span></div></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-61606489740856972882009-12-30T00:08:00.000-08:002009-12-31T12:57:38.100-08:00EL PERSONAJE<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJ9PjsMHpHErsHfXfFeWFT9nJGbJR2NGA6BVtfLZIorB1lFrwovl8SRoI80nhmtnAyTTLiQqleQ2iiZ5GA5SqTJPJSEb5lzr0x0DLYbyINbcMRY2WeRnc1GsOF6DPXiWmc_yhSrh65QbxY/s1600-h/EL+PERSONAJE.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 293px; DISPLAY: block; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5421506705071577234" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJ9PjsMHpHErsHfXfFeWFT9nJGbJR2NGA6BVtfLZIorB1lFrwovl8SRoI80nhmtnAyTTLiQqleQ2iiZ5GA5SqTJPJSEb5lzr0x0DLYbyINbcMRY2WeRnc1GsOF6DPXiWmc_yhSrh65QbxY/s400/EL+PERSONAJE.JPG" /></a><br /><div align="center"><span style="font-size:180%;">***</span></div><br /><strong><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:130%;color:#333399;">PALOMA O’SHEA</span> </span><br /></strong><br /><span style="font-family:trebuchet ms;"><strong><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">“La vida musical española está viviendo<br />el mejor momento de su historia”</span><br /></span></strong></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><br /><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0ZorRQPM4eapsKBmGH1U036Vg-64F_Bn9tJewdwxAMhlfxoXxUZTFukaKdQx5JN3TEh2P3F7-d3cEEN6fjW6EDHeVnSdt63MgWVO6Jz4BawFBsO1hlo3Qe3VRce7UKBymo7ytsk3ZU0fZ/s1600-h/D%C3%B1a+Paloma+foto+Meninas.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 274px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420938985450833778" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0ZorRQPM4eapsKBmGH1U036Vg-64F_Bn9tJewdwxAMhlfxoXxUZTFukaKdQx5JN3TEh2P3F7-d3cEEN6fjW6EDHeVnSdt63MgWVO6Jz4BawFBsO1hlo3Qe3VRce7UKBymo7ytsk3ZU0fZ/s320/D%C3%B1a+Paloma+foto+Meninas.jpg" /></a><span style="font-size:85%;"></span></p><br /><p><span style="font-size:85%;">texto: ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA</span></p><p><span style="font-size:85%;">fotografía paloma o'shea: archivo de PALOMA O'SHEA</span><br /><br /><em><span style="color:#333399;">Ha convertido el mecenazgo musical en un trabajo. O al menos así le gusta calificarlo a esta vizcaína Hija Adoptiva de Santander, Presidenta de la Fundación Albéniz. Lejos quedaron los años de la infancia, primero en Orozco, en la finca de sus abuelos, y más tarde entre Poitiers y Bilbao, dedicados al piano: una carrera musical que se agostó prematuramente por su matrimonio y la asunción de la vida familiar. En su lugar, tal vez a modo de artística revancha, creó a comienzos de los años 70 el Concurso de Piano que lleva su nombre y que acaba de cumplir su XVI edición, absorbiendo toda su dedicación. Frente a voces discordantes de compositores e intérpretes que han buscado su carrera profesional fuera de nuestras fronteras denunciando situaciones difíciles de sostener, la visión de O’Shea del panorama musical en España es enormemente optimista. Sus manifestaciones no dejan dudas al respecto.</span></em><br /><br /></p></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;">La música es una manera de entender el mundo, un lenguaje de comunicación con él, pero no el único. ¿No le parece que el músico está en ocasiones demasiado encerrado en sí mismo, alejado de otras manifestaciones culturales y que ello le da una visión fragmentada que repercute en la interpretación musical?<br /></span><br />Para practicar la música, incluso a un nivel medio, hay que ejercitarse más que para destacar en la gimnasia de alto rendimiento. Quiero decir con eso que los músicos tienen poco tiempo para otras cosas, incluida la familia, la lectura y lo que podemos llamar las necesidades espirituales básicas. Pero, por otra parte, cualquier persona sensible sabe encontrar en la música una herramienta magnífica para contrarrestar esas carencias.<br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;">Además de la música, ¿la conmueven a usted especialmente la pintura o la literatura? ¿Hay nombres de estas disciplinas que emocionalmente le apetezca destacar?<br /></span><br />Me interesan todos los aspectos de la cultura. Otra cosa es, como le decía antes, que tenga tiempo para profundizar en ellos lo que yo quisiera. Pero no hago ningún viaje sin escudriñar qué cuadros puedo que ver y qué arquitectura puedo gozar allí donde llego, y me esfuerzo por ponerme al día de cuáles son las corrientes intelectuales del lugar. Y como yo, estoy segura de que lo hará también todo el que tenga una relación estrecha con la música.<br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;">Hablando de lenguajes… ¿qué le parece la necesidad expuesta por algunos intelectuales en forma de manifiesto de defender ese vehículo comunicativo que es el castellano?<br /></span><br />El castellano, como cualquier lenguaje, es patrimonio de quien lo habla. Todos los que posean ese patrimonio, sean de la nacionalidad que sean, deben de tener la ambición de emplearlo de manera tal que facilite la comunicación. Sin entrar en la riqueza de su literatura, el castellano lo hablan más de 500 millones de personas, de muchos credos y razas y es, por lo tanto, una herramienta de comunicación formidable. En los lugares donde hay más de una lengua, la situación se enriquece, pero también se hace más compleja. Veamos el ejemplo del Perú, donde el quechua representa parte de sus señas de identidad y, a veces, la lengua madre. Las autoridades peruanas deben proteger el quechua como acto de fidelidad a sus antepasados, pero deben promover el castellano como acto de fidelidad a sus descendientes.<br /><br /><span style="color:#333399;">El Encuentro de Música y Academia constituye un escenario de excepción en lo que se refiere a la posibilidad de escuchar música de cámara, llegando incluso hasta la contemporaneidad. ¿Por qué hay cierto miedo en España, a diferencia de una gran parte de Europa, a programar música contemporánea?</span><br /><br />En primer lugar, le diría que no hay tanta diferencia entre España y el resto de Europa en cuanto a la programación y recepción de música contemporánea. El fenómeno es el mismo en todas partes y no tiene que ver tanto con la música en sí como con la obligación de acierto inmediato que siente el programador. La música contemporánea no es clásica necesariamente. Lo que llamamos música clásica se ha convertido en tal con el paso del tiempo, al sobrevivir a un proceso implacable de decantación de unas obras y desecho de otras. A la hora de poner obras recién compuestas, todavía no cribadas, el programador tiene miedo de estar contribuyendo al proceso de desecho de esa misma música.<br /><br /><span style="color:#333399;">Hoy son numerosos los pianistas con una técnica incluso más que excelente, pero tal vez cabe hablar de pocos “genios”. ¿Qué es lo que lo explica?</span><br /><br />No creo que sea esa la situación. Los genios a los que usted se refiere se consagran como tales después de carreras muy largas. Le aseguro que en los viveros de la música hay ahora muchísimo más talento y más genios que nunca, salvo excepciones, naturalmente. Ahora bien, si lo que quiere usted decir es que un Rubinstein, un Richter o un Arrau son irrepetibles y ya no los tenemos, le daré la razón. Pero igual le digo que estamos disfrutando de varias generaciones en activo de pianistas igualmente irrepetibles. Pienso en Barenboim, en Zimmermman o en Schiff, pero también en otros más jóvenes como Volodos, Kissin, Nebolsin y tantos más. En última instancia, la situación actual no es muy distinta de la anterior y en modo alguno podemos decir que sea peor. La música de nivel excepcional está hoy mucho más socializada.<br /><br /><span style="color:#333399;">Cantabria puede parecer en ocasiones una tierra poco generosa con la música. No me refiero a la traca fugaz de los fastos estivales, sino a la falta de inversión en asuntos específicos: descuido en la enseñanza (ausencia de un ciclo superior), escaso impulso de iniciativas musicales (la soñada Orquesta de Cantabria, por ejemplo). ¿Usted cómo lo ve?</span><br /><br />Recuerde usted aquello que decía Kennedy: “no preguntes qué puede hacer el país por ti, sino qué puedes hacer tú por el país”. Yo no soy economista, pero estoy segura de que si calculáramos los recursos por individuo que las regiones dedican a la música, Cantabria, con su medio millón de habitantes, duplicaría la media española. Aun así, reconozco que no hemos llegado al mínimo suficiente y hay que hacer más, pero conviene ser justos en nuestras apreciaciones.<br /><br /><span style="color:#333399;">Al otro lado de la cerca, ha insistido usted repetidamente en la necesidad de que los músicos españoles jóvenes se esfuercen más. ¿Cuáles son, a juzgar por su reiteración, las carencias de los estudiantes de música en nuestro país?</span><br /><br />Creo que ya no se pueden plantear carencias generalizadas, como era el caso antes. En los últimos veinte o treinta años hemos tenido un desarrollo muy importante que nos ha situado en el grupo de vanguardia de la música en Europa. Yo no he cuestionado nunca el esfuerzo de nuestros músicos. Lo que sí he señalado más de una vez es que, para alcanzar el rendimiento que se exige hoy en el ambiente profesional de la música, hay que trabajar muchísimo.<br /><br /><span style="color:#333399;">En el “pastel” de la cultura institucional, la música y la literatura recogen poco más que las migajas, aun siendo probablemente dos de las actividades superiores entre todas las artes. ¿Necesitan la música y las letras un asesor de imagen y un marchante hábil?</span><br /><br />Dentro de la amalgama de la cultura, la música no tiene motivos de queja al compararse con la literatura, la arquitectura, la pintura, el teatro y demás artes. Se podrían quejar todas ellas al unísono, pero la música en particular creo que no. No olvidemos que las artes han florecido en civilizaciones que podíamos llamar satisfechas, en las que las necesidades primarias de supervivencia estaban más o menos resueltas. Es lógico que, del “pastel”, como usted dice, se dedique una porción mayor a atender el paro o la Seguridad Social que a cantar a Petrarca o a escuchar a Brahms.<br /><br /><span style="color:#333399;">¿En qué ciudad y escenario del mundo ha escuchado el concierto más inolvidable de su vida? Y no me diga que en el Encuentro de Santander.</span><br /><br />Pues sí se lo digo: en el Encuentro he presenciado conciertos inolvidables, porque la reunión de músicos consagrados con jóvenes empeñados en tocar bien produce una tensión musical incomparable. Pero, para hacer caso a su pregunta, le señalo otro concierto inolvidable: la actuación en el Festival de Salzburgo de la Joven Orquesta Gustav Mahler dirigida por Claudio Abbado. No se imagina usted lo que fue aquello y por la misma combinación de razones que señalaba antes: la sabiduría de Abbado al servicio de ochenta chicos de enorme talento y entusiasmo.<br /><br /><span style="color:#333399;">Evalúe brevemente el entorno de la música clásica en la actualidad y en España: oportunidades profesionales parra los músicos, condiciones de grabación, recepción por parte de la audiencia, concepción y contenidos de las temporadas y programaciones musicales…</span><br /><br />Considerada en su conjunto, la vida musical española está viviendo el mejor momento de su historia; los ciclos de conciertos y de óperas no tienen nada que envidiar a los de otros países, la red de auditorios nos sitúa igualmente en la vanguardia, tanto por calidad de las infraestructuras como por su concentración; las orquestas han florecido en nuestras ciudades cuando en el resto de Europa la tendencia era a desmantelarlas; los compositores españoles de todas las generaciones compiten con éxito en el mundo de la contemporánea y, en cuanto a la educación, los conservatorios han dado un avance evidente y la aparición de Musikene en San Sebastián, la ESMUC en Barcelona y la Escuela de Altos Estudios Musicales de Galicia, junto con el prestigio internacional de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, está dando lugar a una espléndida red de centros superiores de especialización. Queda mucho por hacer, desde luego, pero hay que felicitarse también por lo mucho que hemos avanzado. </span>Unknownnoreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-27776021761386714002009-12-29T23:58:00.000-08:002009-12-31T13:09:19.632-08:00AQUÍ Y AHORA<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqItYtxSGhbnWO0uelSGvNotpO9MZLTonJiGfKf1E-1Y34hzStrGlMDcAs2B2FLkFO4EK-hyxaF9eG7YOaTRGTkWzJHnxHxAiWGZ4qpHimYztaduw_4Be5Y1eoLycFcqRdurEaYbkFVLbu/s1600-h/AQUI+Y+AHORA.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; DISPLAY: block; HEIGHT: 304px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5421509603480390050" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqItYtxSGhbnWO0uelSGvNotpO9MZLTonJiGfKf1E-1Y34hzStrGlMDcAs2B2FLkFO4EK-hyxaF9eG7YOaTRGTkWzJHnxHxAiWGZ4qpHimYztaduw_4Be5Y1eoLycFcqRdurEaYbkFVLbu/s400/AQUI+Y+AHORA.JPG" /></a><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;"><strong></strong></span></span></span><br /><div align="center"><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:180%;color:#000000;"><strong>***</strong></span></span></div><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;"><strong>Con Ricardo Gullón.<br />Desde aquel lejano Santander hasta el final</strong><br /></span></span><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:85%;"><strong>por MANUEL ARCE</strong><br /></span><br />Evocación de la figura de Ricardo Gullón en la memoria de Manuel Arce, desde sus años juveniles hasta la actualidad, ahora que se cumple el centenario de su nacimiento.<br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHf_6BR0-f8zXncce8vZfGlkQl5Dq5yqG0Se2CMNuVNUeDm-CTYMhXpLkqKi_AgA_3_C9cZPxqHNZ4tUO-DhqJ6tkEWQRYPUqisRVbH7rm0aasJpU5IaoNhmzBprYG48g15PGKRanjahtm/s1600-h/gullon+y+arce.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 217px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420936421085122770" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHf_6BR0-f8zXncce8vZfGlkQl5Dq5yqG0Se2CMNuVNUeDm-CTYMhXpLkqKi_AgA_3_C9cZPxqHNZ4tUO-DhqJ6tkEWQRYPUqisRVbH7rm0aasJpU5IaoNhmzBprYG48g15PGKRanjahtm/s320/gullon+y+arce.jpg" /></a><br /><span style="font-size:85%;">Detrás, de izda. a dcha.: Ricardo Doménech, Víctor García de la Concha, Ricardo Gullón y Manuel Arce. Delante, id.: Julio Neira y Darío Villanueva. En la casa de Manuel Arce, en Santander, 25-09-1983.</span><br /><br />A veces me preguntan por el Santander literario de los años 40 y 50. El Santander de la posguerra, de la cartilla de racionamiento, del incendio y de la época de la reconstrucción… Por el Santander de quienes se inventaron lo de la Escuela de Altamira, y también el Santander donde se publicaban revistas como Proel y La Isla de los Ratones. En una palabra: por el lejano Santander de los tiempos de Ricardo Gullón, que es como decir por el de nuestra juventud. No es necesario entrar ahora en el análisis de lo que fueron o significaron como producto intelectual todas aquellas actividades culturales. Lo que sí quiero afirmar es que, si la memoria –como asegura Américo Castro– sirve para “inmortalizamos hacia atrás”, aquellos tiempos de Proel y de La Isla de los Ratones son también un pasado que mi recuerdo custodia como el regalo que nos fue hecho por la amistad y la poesía.<br />Las imágenes que mi memoria guarda de Ricardo Gullón se remontan al otoño del año 45. La tarde de un domingo. En esta época los poetas de Proel hacían tertulia en “La Mundial”, una cervecería situada en los barracones construidos, después del incendio del 41, sobre la calzada de la calle Somorrostro. Entre el Banco de España y el edificio de Correos. En esta tertulia fue donde conocí a Ricardo Gullón (“Le Pére Gullón”, como le llamábamos cariñosamente; nunca supe si llegó a enterarse). Los habituales contertulios eran entonces<br />Enrique Sordo, José Hierro, Julio Maruri (quien me llevó a la tertulia), Carlos Salomón, Pity Cantalapiedra, Marcelo Arroita-Jáuregui, Leopoldo Rodríguez Alcalde y Guillermo Ortiz. Desde ese día, cada domingo por la tarde, la tertulia de “La Mundial” fue cita obligada para mí. Estaba contento de tener nuevos amigos y de que la dinámica de sus gustos y de sus hábitos también condicionara mi nueva manera de perder el tiempo. Era joven y, como es natural, estaba íntimamente convencido de que la juventud no era otra cosa que una especie de condena transitoria -inevitable y cruel- que sólo servía como argumento de nostalgia y recreo de las personas mayores. Había que esperar a ser mayor para liberarse de tal condena. Recuerdo que cuando leí por primera vez ese magistral endecasílabo de Quevedo que dice: “Tu edad se pasará mientras lo dudas”, ni siquiera sospeché que con el tiempo, además de su poética belleza, tal verso también sería la expresión de una irreversible y tremenda realidad. Un despiste de juventud.<br />Sin embargo, ser el más joven del grupo tenía sus ventajas: te perdonaban los despistes. La diferencia de edad con la mayor parte de los contertulios no era excesiva. Aunque en el caso de Gullón resultaba muy notoria. Yo tenía entonces 17 años y Ricardo Gullón -un señor mayor que usaba sombrero gris de ala baja, a lo Humphrey Bogart, y ejercía de fiscal de la Audiencia– ¬contaba ya con 37; estaba casado y era padre de dos hijas.<br />La autoridad intelectual de Gullón era indiscutible. El fiscal, aparte de hablarnos de Faulkner (leíamos entonces Santuario verdaderamente alucinados) y descubrirnos a los novelistas ingleses contemporáneos, ejercía sobre todos nosotros, con su actitud moral y cívica, en una época tan difícil, tan intolerante, y tan llena de heridas recientes, un positivo magisterio. Ricardo Gullón era ¬–lo fue hasta su muerte- un republicano ejemplar. Un ser humano tolerante y comprensivo. Un auténtico demócrata.<br />Recuerdo que por esta época -febrero del 47–, Gullón escribía un ensayo sobre la poesía de Jorge Guillén. Yo no era nada guilleniano en aquellas fechas. Y Ricardo Gullón, llevado por su activo proselitismo a favor del poeta de “¡Oh, luna, cuánto abril/, qué vano y dulce el aire!”, me fue dejando, capitulo a capítulo, sus escritos sobre el autor de Cántico. Para mí supuso una revelación descubrir lo “bien hecho que estaba el mundo” de Guillén. Mis conceptos estéticos, entonces en plena formación, se enriquecieron sustancialmente. Deslumbrado por tan súbito descubrimiento, le pedí a Ricardo Gullón que me dejara Cántico -se trataba de un libro prohibido por la Censura- y lo copié. Hice una edición mecanográfica de dos ejemplares. José Hierro me advertía: “Manolín, ten cuidado. Ricardo es muy persuasivo. No caigas en sus garras estéticas”. A Pepe Hierro le gustaba muy poco mi repentino entusiasmo por el virtuosismo de Guillén. Me lo reprochaba a todas horas. Hasta el extremo de que -le había regalado unas corbatas el día de su santo-, cuando una semana después de su onomástica apareció su primer libro, Tierra sin nosotros, me obsequió con un ejemplar cuya dedicatoria decía: “A Manolín Arce, precoz enamorado, regalador de corbatas (preciosas) y envenenado de guillenismo, por obra y gracia del fiscal. Con una abrazo, Pepe. Santander, 23-3-47”.<br />La verdad es que la poesía de Guillén me llegó a gustar hasta el punto de saber de memoria muchos de sus poemas. Más de una vez le había recitado a Teresa -mi novia de 15 años- los versos de “El distraído”. Ese largo poema que empieza exclamando: “¡Qué bien llueve por el río!”… sin que por ello me dejara plantado.<br />Años más tarde, por alguna razón que desconozco, Gullón contaba: “Había yo escrito un modesto estudio sobre la poesía de Jorge Guillén y mi fervor guilleniano me impulsaba al proselitismo. Manolo Arce fue uno de los conversos; otros siguieron, pero hubo una excepción importante, la de Pepe Hierro, alérgico al virtuosismo e irreductible ante los primores de la gracia, condensación y rigor, que resistió sin flaquear un momento mis tentativas de persuadirle”. Cito estas palabras escritas por Ricardo Gullón, porque eran reflejo de las tendencias estéticas que nos preocupaban y sobre las cuales manteníamos ardorosos y polémicos debates: ¿La poesía deshumanizada? ¿O la poesía “fieramente humana” y llena de contenido social?<br />Al año de conocemos, Ricardo Gullón quiso que le dejara algunos de mis poemas. Con gran sorpresa para mí, eligió nueve canciones y tres sonetos. Dijo que los sonetos se los iba a mandar a Victoriano Crémer, a León, para que los publicara en la revista Espadaña. Y que las canciones se las entregaría a Pedro Gómez Cantolla para la revista Proel. Así que, apadrinado por Ricardo Gullón, mi bautismo poético se efectuó sobre las páginas de Espadaña en 1948. Mi única colaboración en Proel -las nueve canciones- fue en el número Primavera y Estío de 1947 aparecido a finales de 48, impreso en un papel de tan ínfima calidad, y tan lleno de erratas, que sólo llegó a manos de quienes colaborábamos en sus páginas. La edición tuvo que destruirse.<br />El primer número de La Isla de los Ratones apareció en mayo del 48 y el último en 1955. Ricardo Gullón sólo colaboró una vez -en el número 18- con un breve estudio sobre la pintura de Benjamín Palencia. La revista dejó de publicarse, pero las colecciones de La Isla de los Ratones (iniciadas en 1949 con Las cosas como son de de Gabriel Celaya), continuaron editándose durante treinta y siete años. Como no podía ser menos, Ricardo Gullón propició como asesor la aparición de diversos títulos por él recomendados. Y también fueron publicadas algunas de sus obras. En 1961 apareció en la Colección “Narración y Ensayo” su libro Balance del surrealismo. Un libro que reúne estudios sobre Baudelaire, Rimbaud, Lautreamont, Apollinaire y Antonin Artaud. En 1967 se publicaron Las secretas galerías de Antonio Machado, y finalmente, en 1986, La Isla publica el libro de Juan Ramón Jiménez y Zenobia Camprubí, titulado Poemas y cartas de Amor, que lleva un extraordinario estudio preliminar de Ricardo Gullón.<br />Debo decir que fue para mí un honor, como miembro del Jurado del Premio de las Letras Príncipe de Asturias de 1989, presentar al mismo la candidatura de Ricardo Gullón. Y que obtuve, como recompensa, la enorme emoción de redactar las breves líneas que resumían la motivación de Premio, con estas palabras: “El Jurado decide conceder el Premio Príncipe de Asturias de las Letras 1989 a don Ricardo Gullón, quien a lo largo de toda una vida apasionadamente dedicada al estudio de nuestras letras, ha logrado que su trabajo investigador trascendiera del ámbito propio de la crítica para convertirse, desvelador del misterio de la creación artística del hombre, en una personalísima y auténtica creación literaria, a través de la cual ha sabido dar a conocer en numerosas Universidades de los Estados Unidos la moderna Literatura español. Oviedo, 14 de abril de 1989”.<br />En esta ocasión me acompañaron, como miembros del Jurado, Gonzalo Torrente Ballester (Presidente), Luis María Anson, Carlos Bousoño, Carmen Conde, Miguel GarcÍa Posada, Carmen Martín Gaite, Soledad Puértolas, Antonio Vilanova y Emilio Alarcos Llorach (Secretario)<br />Durante los meses que estuve de Concejal en el Ayuntamiento de Santander solicité, y fue aprobado, el nombramiento de Hijo Adoptivo de la Ciudad para Ricardo Gullón (había vivido dieciséis años en ella). El 21 de noviembre de 1990, en el solemne acto presidido por el Alcalde don Manuel Huerta, Ricardo Gullón, al final de sus emocionadas palabras de agradecimiento hizo alusión a la muerte: “El tiempo pasa. Cincuenta años después y aquí estoy, ligeramente más viejo que entonces, pero ciertamente más cerca de la salida. Pero no temo esa salida, porque la vida que Dios me ha dado la he vivido en plenitud”.<br />También le hicieron miembro de la Real Academia Española. Recuerdo que aquel 12 de febrero de 1991, cuando en el Tanatorio madrileño de la M-30 velábamos los restos de Ricardo Gullón, pensaba en aquel verso de Quevedo, "Tu edad se pasará mientras lo dudas", que además de bello, quería advertimos de la efímera realidad de un tiempo que sólo conduce a la muerte.<br /><br /><br /><strong><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">Ser escritora y dama en el norte</span><br /></span></strong><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por REBECA LE RUMEUR</strong></span></p><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0aDySNUo7l-c_qiK2K9Dx_A_YhQBHlcqgfKLloYk14ca7wwIOc9CST9BnPlMLeIaOiBhQe3fhk6vquglYWglXwqWPG6zG-DHznT7OKwK0m6QklcBFbmabKlB54eASX8D9o5lHTQdl_yaB/s1600-h/Concha+Espina+fot.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 293px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420936852766063138" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0aDySNUo7l-c_qiK2K9Dx_A_YhQBHlcqgfKLloYk14ca7wwIOc9CST9BnPlMLeIaOiBhQe3fhk6vquglYWglXwqWPG6zG-DHznT7OKwK0m6QklcBFbmabKlB54eASX8D9o5lHTQdl_yaB/s320/Concha+Espina+fot.jpg" /></a>Concha Espina fue una mujer singular. Lo hubiera sido en cualquier tiempo, pero más lo fue en el suyo, donde divorciarse, volar en aeroplano o escribir eran tareas exclusivas de varones. Ser escritora y dama en el Santander de comienzos del XX fue el reto que Concha Espina asumió, y logró llevarlo a cabo con el tesón que aún respira en su legado literario.<br />Si Virgina Woolf hubiera nacido en Santander tal vez hubiera llevado el nombre de Concha Espina. A fin de cuentas, no es tan frecuente que una mujer nacida en 1869 dedique su vida a escribir. Por aquella época Santander se parecía a esa ciudad que muestran las viejas postales en blanco y negro. Menéndez Pelayo daba un sorbo al café cuando Pérez Galdós sacaba el reloj de su pequeño bolsillo del chaleco, Pereda mojaba la pluma en la tinta para seguir escribiendo sobre su mesa recia y montañesa. La ciudad era un crucigrama de calles por nacer donde los escritores que luego les darían nombre paseaban tranquilamente sin saber que pronto, sus piernas se convertirían en estatuas.<br />Concha Espina es la representación norteña de la vocación literaria. La vocación literaria es una luz interior que se enciende. Normalmente sus destellos afectan a individuos con cierta sensibilidad. Esa luz produce un efecto en la persona que siente infinitos deseos de escribir. El gran enemigo de la vocación está muchas veces cerca del individuo (o es él mismo). Casi siempre deseamos para nuestros seres queridos una vida segura, por eso cuando alguien que ha sentido nacer esa vocación en su interior se atreve a decir tímidamente: “quisiera ser escritor”, desata un huracán de comentarios ajenos y soplidos responsables que casi siempre logra apagar el pequeño fulgor. Además, en el camino de la escritura hay dos problemas fundamentales: el aprendizaje y la constancia. Muchos buenos escritores perecen en el proceso de instrucción porque no asumen el duro golpe a su vanidad. Otros se pierden entre el ajetreo bullicioso de los días. Concha Espina salvó todos estos obstáculos. Su formación se limita a la educación que recibían las “señoritas bien” de Santander, asistió a un colegio de monjas francesas pero su pasión literaria se debe al sabio vicio de la lectura. Sus referentes literarios son los maestros del siglo XIX, entre sus favoritos están Chateaubriand, Victor Hugo, Zola, Balzac y Dostoievski. Sus primeras poesías aparecieron en 1904 en un periódico de Santander, El Atlántico. Tras leer sus poemas, Marcelino Menéndez Pelayo advirtió cierto talento y recomendó a la futura escritora que probara con el género narrativo. En 1909 publica su primera novela: La niña de Luzmela. Es una narración primeriza. Se trata de un cuento romántico, casi infantil, similar a La Cenicienta, en el que encontramos una historia de amor con personajes maniqueístas, sin apenas profundización psicológica, con una prosa exaltada, poética y febril. Sin embargo, a pesar de la ingenuidad, es una obra magnética. La estructura está bien construida, el salto de un capítulo a otro está hecho con la suficiente habilidad para que el lector se adhiera fácilmente a la intriga. “Los defectos, excesos rumbos y relumbres de la indiana” como escribió Gerardo Diego, se deben a una pluma apasionada, que palpita junto con el lector a medida que se desarrolla la historia. Es una escritora del rapto novelesco. En cierto sentido, la escritura de Concha Espina podría ser comparable a una mujer que, a punto de dormirse en la cotidianidad de su vida, escucha música en la lejanía. Abre el balcón y la noche cerrada de estrellas delata un baile cercano. Intrépida y atrevida, la mujer salta del balcón y se presenta en el baile descalza y con el camisón de seda. Debido a su inoportunidad, prontitud y pasión muy pocos caballeros de chaqué son capaces de admirar la belleza que hay en esa imperfección estilística. Porque bajo esos pies descalzos y ese cuerpo semidesnudo está la verdad del baile. La mujer que se deja llevar por la música sin tener en cuenta el castrante corsé de la formalidad.<br />Sin embargo, en el trayecto literario de Concha Espina hay una gran evolución. La escritora afianza sus conocimientos y fija sus ambiciones. De una novela tierna y romántica como La niña de Luzmela pasamos a La esfinge maragata o La rosa de los vientos, obras cumbre de su literatura. Como sus maestros del realismo, Concha Espina hace una gran labor de documentación. Se dice que cuando llegó a las minas de Riotinto para escribir El metal de los muertos, no encontró más hospedaje que la habitación trasera de un casino donde la noche anterior había muerto un acróbata del circo chino.<br />El paisaje montañés que aparece en la obra de la escritora es fascinante. El universo íntimo de la casa prevalece sobre toda su creación. La casona grande y oscura, cuna de largos linajes asoma con el peso de su lentitud y frialdad pero se convierte en un lugar vivo y cálido con los dramas de los personajes. La ficción consigue dar ligereza y espontaneidad a espacios sobrios y estáticos. La reescritura de Cantabria es uno de los grandes logros de Concha Espina. La escritora convirtió su pueblo en ficción y como resultado se produjo un acto casi mágico: el pueblo de Mazcuerras quiso cambiar su nombre por el de Luzmela, en honor a la escritora. Pocos iniciados saben que transformar la realidad en ficción, (y viceversa) siembre ha sido un complicado ejercicio de alquimia.<br />Dicen que fue la primera mujer en volar. Al parecer había un intrépido aviador en Santander, Juan Pombo Ybarra, que tenía un aeroplano. El 11 de septiembre de 1916, Concha le acompañó a la Albericia y juntos sobrevolaron el cielo de la región. Es difícil saber si fue la primera mujer en subir a un avión pero de lo que podemos estar casi seguros es que fue la primera en escribir una poesía durante el vuelo.<br />En un poema autobiográfico titulado “Yo”, Concha dice que cuando era joven siempre había esperado la llegada de un gran amor. Nada más casarse se fue a Chile donde nacieron dos de sus hijos. Su matrimonio fracasó y fue una de las primeras mujeres de la época en separarse. Después de su estancia en Chile, regresó a Santander y se encontró con una ciudad provinciana que ponía en tela de juicio su vida. Tras publicar La niña de Luzmela trasladó su residencia a Madrid. Allí crió a sus hijos y escribió la mayoría de sus obras. Todos los miércoles convocaba en su casa de la calle Goya una tertulia donde iban personajes célebres de la época. En verano regresaba con sus hijos a Cantabria. Veraneaba en Comillas desde donde iba frecuentemente a Mazcuerras. El camino entre los dos pueblos lo hacía en un carro tirado por caballos.<br />Ganó el Premio de la Real Academia con La esfinge maragata y con En tierras de Aquilón, el Premio Nacional de Literatura con El altar mayor, fue tres veces candidata para el Premio Nobel y en una ocasión lo perdió por un solo voto. Recibió la medalla de la orden de las Damas Nobles de María Luisa. En 1927 fue nombrada hija predilecta de Santander. Ese año se inauguró la fuente que hoy contemplamos en los jardines de Pereda, en Santander; al acto asistieron los reyes, Alfonso y Victoria Eugenia. No sé si es realidad o ficción pero alguien me contó que Concha Espina había introducido una carta secreta dentro de la fuente para que se leyera un siglo más tarde.<br />Al igual que Borges, Concha Espina se quedó ciega los últimos años de su vida. No quiso renunciar a escribir, por eso elaboró un sistema de plantillas para continuar con su labor literaria. Siempre es extraño constatar las hermosas contradicciones que nos ofrece la vida: una escritora que da a luz a una obra extensa, que llama a su pueblo Luz-mela, termina sus días en la oscuridad de la ceguera. Sin embargo, el resultado de su vida ha iluminado como El Faro de Virgina Woolf el paisaje literario de Cantabria.<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;"><strong>Margarita Xirgu:<br />Al exilio desde Santander<br /></strong></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por JESÚS CABEZÓN<br /></strong></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy_6qA2CSXdHC2CXIC5Owq9xbMZLxOZ2nwtA0TzN7UpHYCv2_hA5_S-lxNPS1rWU0kBkZ9YsHnYUglYwj_RJT2UArNq2Ke6Cubj5O0905a3y2Qj1mbvXc2i_Ho40C-KpXRvWmsacn-yET9/s1600-h/lorcaxirgu.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 184px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420937083986609026" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjy_6qA2CSXdHC2CXIC5Owq9xbMZLxOZ2nwtA0TzN7UpHYCv2_hA5_S-lxNPS1rWU0kBkZ9YsHnYUglYwj_RJT2UArNq2Ke6Cubj5O0905a3y2Qj1mbvXc2i_Ho40C-KpXRvWmsacn-yET9/s320/lorcaxirgu.jpg" /></a>Los lazos de Margarita Xirgu con Santander son evidentes por su especial vinculación con Galdós y su obra, pero también por partir, precisamente desde el puerto santanderino, en un viaje que habría de llevarla, sin ella saberlo, al exilio.<br />El 18 de junio de 1933, en el Teatro Romano de Mérida, Margarita Xirgu (Molins de Rey, 1888 – Montevideo, 1969) interpretaba, junto con Enrique Borrás, la Medea de Lucio Anneo Séneca, en la versión que escribió para esa ocasión Unamuno, con dirección de Cipriano Rivas Cheriff y escenografía de Sigfrido Burman. Al estreno asistieron Manuel Azaña, presidente de la República y Fernando de los Ríos, ministro de Estado.<br />“Margarita Xirgu ha convertido Medea en un ser vivo que se apodera de nosotros en cuerpo y alma”, dijo Unamuno. Fue el comienzo del Festival de Teatro Clásico de Mérida, que ha cumplido este año su 75 aniversario. La fusión de las compañías de Margarita Xirgu y de Enrique Borrás se acordó en el verano de 1919 en Santander, donde se encontraba la actriz haciendo una de sus habituales giras de verano.<br />En el repertorio de “la Xirgu” figuraron estrenos de obras de Alberti (El adefesio, Fermín Galán), de Casona (La sirena varada, La dama del alba), de Valle Inclán (Divinas palabras, El yermo de las almas), de Oscar Wilde (Salomé), de Bernard Shaw (Santa Juana), y obras también de Galdós, Benavente, Ángel Guimerá, Pirandello, Ibsen, Santiago Rusiñol, Marquina, Lorca...<br />En el verano de 1914, en su finca del Sardinero en Santander, don Benito Pérez Galdós le ofrece a la actriz el estreno de su obra Santa Juana de Castilla, en la que estaba trabajando y que se estrenó finalmente el 8 de mayo de 1918 en el Teatro de la Princesa en Madrid. Se conservan testimonios fotográficos de aquel encuentro en la finca San Quintín en Santander. Galdós, que apenas salía de casa, asistió al teatro todos los días que la obra se representó en Madrid. De la admiración entre ambos surgió la amistad entre el escritor y la actriz, que siempre visitaba a don Benito cuando llegaba a Madrid.<br />La relación de Margarita Xirgu con el texto Marianela de Galdós comienza en la primavera de 1916, cuando los hermanos Álvarez Quintero comentan a la actriz que tienen concluida la adaptación a los escenarios de la novela galdosiana. En su momento Galdós había logrado que Valle Inclán se interesara en el proyecto de adaptar Marianela al teatro, pero pasado el tiempo Valle renuncia al proyecto y es entonces cuando Galdós encarga la adaptación a los hermanos Álvarez Quintero. “Fue don Benito en Santander –muy cerca, por cierto, de los lugares en que se desenvuelve la acción de Marianela– quien le brindó la obra a Margarita Xirgu, la actriz de la emoción”, declararon en ABC los autores sevillanos.<br />En carta del 7 de septiembre de 1916 Margarita le escribe a Galdós: “Estoy contentísima de poder estrenar su Marianela; crea usted que me proporciona una de las alegrías más grandes de mi vida”. Galdós, que había escrito la novela en 1878, asistió a un ensayo general de la adaptación en octubre de 1916. Aquella tarde sería inolvidable para don Benito, que tenía entonces 74 años, estaba casi ciego y su salud era bastante precaria. Al terminar el ensayo abrazó a la actriz y la dijo que había hecho una Marianela mejor que la que él había inventado. El escritor también asistió a su estreno en el Teatro de la Princesa en Madrid el 18 de octubre de 1916 y se desplazó a Barcelona cuando la compañía de Margarita Xirgu reapareció en el teatro Novedades con la misma versión. Igualmente con la presencia del autor de la novela, aquella versión teatral se representó en el teatro del Casino de Santander los días 22, 26 y 27 de agosto de 1917 y en Torrelavega el 6 de septiembre de ese mismo año. De Galdós estrenaría también la Xirgu El abuelo en el Teatro Español de Madrid en 1932.<br />En 1921 entró a formar parte de la compañía de Margarita Xirgu el actor Pío Fernández Murieras, hasta entonces tramoyista en el Teatro Pereda de Santander. Dijo de ella que era “genial actriz, buena y generosísima”. Fue despedido de la compañía y en 1924 comenzó su carrera de recitador y activista cultural.<br />La Xirgu, junto con Rivas Cheriff, modernizó la escena española en sus montajes de los clásicos del siglo de oro, eliminando el exceso de elementos realistas. Apoyó a los nuevos autores españoles y se adaptó al melodrama, a la tragedia y a la comedia. De Federico García Lorca, a quien conoció un año antes, estrenó en 1927, en plena Dictadura de Primo de Rivera, Mariana Pineda, con decorados de Dalí; en 1930 La zapatera prodigiosa; en 1934 Yerma; en 1935 llevó a los escenarios Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores; y reestrenó, también en 1935, Bodas de sangre, con escenografía de José Caballero. En 1945, nueve años después de ser escrita, ya muerto Lorca, estrenó La casa de Bernarda Alba en el teatro Avenida de Buenos Aires, cuando recibió el manuscrito de la obra de la familia del autor.<br />El 30 de enero de 1936, Margarita Xirgu y Federico García Lorca se separan. Unos días antes Margarita puso en escena en el Teatro Arriaga de Bilbao La dama boba y juntos habían participado en un recital poético en la sociedad El Sitio de Bilbao en homenaje a Jorge Manrique, conservándose la última fotografía que se hicieron los dos aquel día. “En Santander -comentaría después Margarita Xirgu- hicimos La dama boba y Yerma. Pero Federico no asistió a aquellas representaciones. No quiso acercarse al mar por el que habíamos de alejarnos y se despidió de mí en Bilbao, repitiéndome una vez más que en abril iría a reunirse conmigo”. Habían quedado en encontrarse más tarde en México. El poeta sale hacia Madrid y Margarita desde Santander inicia un viaje hacia Cuba con su compañía en el buque alemán “Orinoco”, para realizar una gira de seis meses por diferentes países de América Latina. Allí la sorprendió la Guerra civil española y lo que inicialmente era una gira se convirtió en un exilio hasta su muerte. Vivió en Chile, Argentina y Uruguay, donde residió sus últimos veintidós años.<br />Además de dirigir y protagonizar la puesta en escena de los clásicos españoles Rojas Zorrilla, Tirso de Molina, Cervantes, Lope de Vega, Fernando de Rojas y de los autores que había estrenado en España, incorpora a su repertorio obras de Shakespeare, Giraudoux, Moliere, Goldoni… Cuando se entera de la tragedia del asesinato del poeta en Granada dice: “No he podido creer en su muerte. Me aferro a la ilusión de que Federico vive porque vive en mi esperanza… Federico, continuaremos juntos…”. Xirgu colaboró con Guillermo de Torre cuando la editorial Losada quiso publicar la obra completa de Lorca, localizando copias de las obras que conservaban intérpretes que habían formado parte de sus compañías teatrales. Las primeras Obras Completas de Lorca se publicarán en 1939.<br />En 1940 Margarita conoce en Chile su procesamiento por el Tribunal de Responsabilidades Políticas del gobierno del General Franco, quien le confiscó sus bienes y la condenó al exilio a perpetuidad. En 1949 quiso volver a España, pero un grupo de falangistas, con el rencor de González Ruano a la cabeza, frustraron ese regreso, acusando a la Xirgu de forma insidiosa por su forma de hacer teatro, por los autores que escogía y por un pasado que vincularon a autores acusados de marxistas, entre ellos García Lorca.<br />En 1945 estrenó en Buenos Aires El malentendido de Albert Camus en versión de Aurora Bernárdez y Guillermo de Torre. Tres días después, el gobierno del General Perón prohibió que continuaran las representaciones. “Mi gratitud por la Xirgu -escribió Camus- no conoce límites y no sólo porque sea la primera actriz que me ha tendido la mano… ha dado lo primero de Lorca, de Alberti… y se ha atrevido a representar a Séneca”.<br />En 1950 fue nombrada directora de la Escuela de Arte Dramático de Montevideo y directora de la Comedia Nacional de Uruguay. Enrique Diosdado, Amelia de la Torre, Walter Vidarte y Alberto Closas se formaron con ella.<br />No tuvo un compromiso político concreto aunque sí un apasionado compromiso democrático, vital y teatral y se mantuvo fiel a sus amigos: Lorca, Alberti, Rivas Cheriff, Azaña… En 1988 la Generalitat de Cataluña repatrió sus restos que descansan en su pueblo natal, Molins de Rey.<br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;"><strong>2.866</strong></span><br /></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por JAVIER FERNÁNDEZ RUBIO</strong></span><br /><br />Una historia para ser rescatada del olvido: la de Matilde Zapata, víctima de los coletazos de la Guerra Civil, de cuya muerte se cumplen ya setenta años.<br />La noche que medió del 26 al 27 de agosto de 1937 fue más noche que nunca. Cuentan los que lo vivieron que la ciudad de Santander adquirió el aire hipnótico del sonambulismo. Copada por las tropas italianas, los habitantes aguardaban su entrada -después de que miles de personas huyeran horas antes por mar- con el aliento contenido por el miedo, el alborozo o la simple incertidumbre. Vae Victis! ¡Ay de los vencidos!<br />El paisaje de una ciudad en guerra y en el que se había declarado el “sálvese quien pueda” era desolador. Por las calles podía encontrarse de todo, abandonado o destruido en la huida. Había tiradas por las calzadas pistolas y armas largas y nadie pensaba ya en resistir. El alma de una ciudad derrotada en donde los derrotados insomnes vagaban ebrios por sus calles, entregados a desesperados y últimos goces, figuras sacadas de una tragedia griega esperando el cuchillo del degüello o como héroes shakesperianos la aparición del sol para enfrentarse a su destino.<br />En aquellos tiempos trágicos e inmisericordes se forjó y perdió la apuesta Matilde Zapata, una mujer olvidada y a la que algún día se tendrá que hacer justicia. Horas antes de que cayera la noche, Matilde intentó huir en barco pero fue interceptada como tantos otros por el buque Almirante Cervera. Presa, volvió a Santander para vivir sus últimas semanas de vida, antes de perderla frente a la pared de un camposanto, fusilada.<br />José Ramón Sainz Viadero, bajo el patrocinio de la Asociación de la Prensa de Cantabria, dio a la imprenta un libro ejemplar que recoge la semblanza biográfica y los mejores artículos de una mujer que hizo del periodismo su forma de intentar mejorar las condiciones de la clase trabajadora, de la mujer y de la infancia en tiempos de cólera. Se titula Las páginas femeninas de Matilde Zapata.<br />La aparición de la mujer en la escena política, social y pública en general experimentó un importante salto adelante en los años 30. Fueron los años del voto femenino y de la emancipación de la conciencia femenina, que tuvo en mujeres como Consuelo Berges, Matilde de la Torre y Matilde Zapata ejemplos inasequibles al desaliento y muy combativos. En frente, todas ellas no tuvieron solo la tradición secular de una España políticamente hecha trizas, con una Iglesia que ejercía su magisterio más allá del púlpito, sino también una España en donde las clases sociales, los partidos y los grupos antisistema se unían en lo que único en donde nunca tuvieron problemas para entenderse: el machismo.<br />Es en este contexto, de combate social, político y de conciencias, en que Matilde Zapata intervino con una acción hondamente ética y un punto suicida. Nacida de padres andaluces y extremeños, su progenitor fue conserje de la Escuela de Náutica. Desde joven, junto a su querencia por las cosas de la mar, desarrolló inquietudes culturales, que le condujeron al periodismo y al que fuera su marido, el malogrado Luciano Malumbres, muerto por un pistolero falangista en la calle Martillo de Santander.<br />El periodismo fue para Zapata una forma de lucha. Vinculada su vida al periódico vespertino La Región, que dirigía Malumbres, han llegado hasta hoy su entrevistas y sus columnas incendiarias en donde, ora defendía su credo de izquierdas, ora zahería el atavismo que mantenía bajo la bota a la mujer. Ejerció seis años el periodismo en la época convulsa del paritorio republicano y no vio más luz al final del túnel que la que le conducía al pelotón de fusilamiento.<br />Conferenciante en el Ateneo Popular, en donde introdujo a la otra Matilde, De la Torre, diputada por Oviedo, Zapata inició su carrera política en Juventudes Socialistas, de las que fue vicepresidenta y creadora del Grupo Infantil Socialista, en donde se encuadraría un jovencísimo, adolescente más bien, Eulalio Ferrer. Éste cuenta muy bien las dotes oratorias, su estilo también oratorio de escribir y el carácter de Matilde Zapata, quien siempre rechazó el uso de la violencia como arma política, que era, a la sazón, algo tan extraño como ser multado por exceso de velocidad en las 500 millas de Indianápolis.<br />Entrevistó a Hildegart Rodríguez, Victoria Kent, Matilde de la Torre, una Consuelo Berges que firmaba con el nombre de la dacha de Tolstoi, Iasnaia Polaina, y a otras muchas figuras del feminismo militante, del que ella formaba parte como una más.<br />Junto a su esposo, vivió las agresiones callejeras a éste, las amenazas de muerte y la violencia sectaria. El hombre que mató a Luciano fue perseguido por la calle y asesinado por jóvenes socialistas. En esta vorágine de violencia asistió a la viudez y a las críticas al ser designada auxiliar bibliotecaria municipal. Nada de lo que hiciese era indiferente.<br />Con la enervación de la situación política dio el salto del PSOE al PCE. Era ya la guerra civil, en la que participó desde su tribuna periodística y que le granjearía finalmente la condena a muerte en juicio sumarísimo.<br />Huida a Asturias del cerco en barco, como quedó dicho, en el vapor Chita más concretamente, acabó en un calabozo de la Prisión Provincial, tras el apresamiento por el Almirante Cervera. Aquí empezó a fraguarse la aureola de leyenda que aún la envuelve en algunos círculos. Parece seguro que fue torturada en Santander y pronunció su alegato final frente al consejo sumarísimo ante el que compareció en el instituto Santa Clara. Fue condenada a muerte sin cometer delito alguno. Ese fue el colofón del sumario que llevaba su nombre, el 2.866. Por ser periodista fue fusilada en el cementerio de Ciriego el 28 de mayo de 1938. Después de su muerte, aún fue multada con 20.000 pesetas.<br />La historia de Matilde Zapata no concluye aquí, sino que se ramifica. Su hermano Antonio fue el español que más tiempo pasó en las cárceles de Franco. 26 años preso. El sobrino político de Matilde, yerno de Antonio Zapata, fue Veridiano Rojo, quien también conoció la cárcel y fue, ya con la democracia, muchos años presidente de la Asociación de Vecinos de Cueto.<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;"><strong>El columnismo en Cantabria</strong></span><br /><br /><strong><span style="font-size:85%;">por ENRIQUE ÁLVAREZ</span><br /></strong><br />Reflexiones de Enrique Álvarez, novelista leonés afincado en Santander, sobre los articulistas de los medios de prensa de Cantabria.<br /><br />Apenas podrá dudarse de que Cantabria cuenta en la actualidad con su buena nómina de escritores. Hay poetas, numerosos poetas, y me abstengo de mencionar a nadie por razones bien obvias. Hay también narradores (Luis Alberto Salcines sólo conoce a uno, pero es seguro que cualquier observador algo atento podría citar a más de cinco, por referirme únicamente a los que publican sin autoengaño). Y hay escritores de teatro (yo, que no estoy especializado, conozco al menos a dos de gran calidad), sin que tampoco faltan los ensayistas, aunque este género es más complejo y muy difícilmente acotable.<br />Pero aún nos quedan los columnistas, los que escriben de forma habitual en los periódicos, no como redactores o reporteros sino como articulistas literarios. ¿Por qué nadie se ocupa nunca de ellos? Acaso sea útil que, ya que no lo hacen los estudiosos ni los antólogos, algún opinador como yo publique una pequeña glosa sobre el particular.<br />Me parecen muy notables las columnas, creo que diarias, que Juan G. Bedoya publica desde hace no mucho tiempo en nuestra región. Es una lástima que se limite a cuestiones de actualidad política, porque su prosa es tajante y certera, aún con los excesos de subjetivismo y con su punto de grosería intelectual (no tan palpable, empero, como en sus artículos sobre religión de El País).<br />Mayor mérito tienen, aunque también menos lectores, los muy largos artículos de Fernando Merodio, que hace del derrotismo político y de la melancolía filosófica una pieza literaria semanal de gran envergadura intelectual y literaria.<br />De igual longitud y mérito son los de Juan Carlos Zubieta Irún, polo opuesto al anterior, en cambio, por el contenido: siempre asuntos de urbanidad y ética, tratados con rigor y objetividad de sociólogo, si bien con una prosa que está pidiendo a gritos un poco más de concisión.<br />De brillantes hay que calificar muchas de las columnas que desde Lamasón envía puntualmente a la capital Alberto Gatón Lasheras, que no teme a jardines ni a camisas de once varas, y en las que sólo peca a menudo por cierto afán didáctico y exhibicionismo culturalista.<br />Tal exhibicionismo es la manía incurable de J. A. Pérez del Valle, que también envía artículos desde la provincia, teñidos últimamente de una suave melancolía existencial y de un espíritu contemplativo de buena ley.<br />El arte de hablar de uno mismo en la columna periódica sin parecer narcisista lo domina muy bien Mario Crespo López, un articulista de veras comprometido con la causa de la Cultura y, a la vez, comedido y oportuno en cualquier circunstancia, y que se expresa en una prosa extraordinariamente correcta.<br />Pero, ya en este terreno de lo cultural, la palma se la lleva Ana Rodríguez de la Robla, si bien, más que palma o pluma, lo suyo es bisturí, por lo acerado, incisivo y nada provinciano de sus críticas, de escritura perspicua, aunque no exenta, sino todo lo contrario, de densa erudición, y a la que los años otorgarán el punto de serenidad y benevolencia que aún le falta.<br />Buena prosa hay también en los artículos, serenos e ilustrados, de Manuel Ángel Castañeda, aunque los de materia política me parecen en exceso afectados por la obsesión de la equidistancia. Razón por la que, en dicho campo, prefiero los de Javier Doménech, a quien sin embargo le ocurre una desgracia muy común a los buenos escritores y opinadores que no son columnistas: que cuando los temas se agotan, uno empieza a decir siempre lo mismo y el lector acaba por enfriarse. Y es que, en literatura, hasta la misma verdad llega a aburrir.<br />Aunque en franjas muy lejanas del espectro ideológico, Alejandro Sánchez Calvo y José Luis Sánchez de Movellán, deben ser citados como dos articulistas rotundos pero realmente equilibrados y enjundiosos. Ambos mejorarían, no obstante, si lograran limitar su número de caracteres, como mejorarían los del psiquiatra y escritor Rafael Díaz Manrique si, por el contrario, los prodigara más.<br />Y no conviene terminar este artículo sin un reconocimiento a la novedad que El Mundo Hoy en Cantabria ha traído al columnismo cántabro, en especial con su sección “Al este del oeste”, donde han empezado a brillar con luz nueva escritores como Díez Manrique, González Fuentes, Alberto Santamaría (cuando no le ofusca su maniqueísmo político), Vicente Gutiérrez Escudero (excelentes sus pequeñas colaboraciones) o Gonzalo Calcedo, que ha demostrado, para sorpresa de propios y extraños, que es algo más que un fecundo e inspiradísimo cultivador del cuento a la americana.<br />Sé que me dejo en la mesa los nombres de otros columnistas cántabros actuales merecedores de nota, pero esto artículo sólo pretende ser una primera calicata. Ello dirá. </span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-81562555785456288062009-12-29T22:56:00.000-08:002009-12-31T13:28:55.110-08:00HORA CRÍTICA<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyT1yIFmSzxP0-95tfe9lRBcgIgOTw9Glff_jjTEhkNWzJIEADb1_ZKiCF_KGPZpsjWbo6kAnEg0M56ZgS_70oayNc0holc1d8502iD6JXx15O3nAg-hrOvU1qk9WV5LikiWLJIijiVNHU/s1600-h/HORA+CRITICA.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; DISPLAY: block; HEIGHT: 254px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5421512393098980274" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyT1yIFmSzxP0-95tfe9lRBcgIgOTw9Glff_jjTEhkNWzJIEADb1_ZKiCF_KGPZpsjWbo6kAnEg0M56ZgS_70oayNc0holc1d8502iD6JXx15O3nAg-hrOvU1qk9WV5LikiWLJIijiVNHU/s400/HORA+CRITICA.JPG" /></a><br /><div align="center"><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:180%;color:#333399;"><strong>***</strong></span></span></div><div><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">LIBROS </span><br /><br /><span style="font-size:130%;">Narrativa</span><br /><br /><span style="font-size:130%;">Gonzalo CALCEDO: Cenizas. Pre-Textos, Valencia, 2008. Premio Manuel Llano, Gobierno de Cantabria.</span></span><br /></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1sUrgmMpIJi_GfD5wMvYwEHtAGxhPV-13HMkcF26-ul-yeWVumGYBYFAGbTs_TkpOXzlRfcV24sptTgmicveHuHzJEZA1yMNxdEhz7mlBaocZPNWZSDt3eJ2eCyOFvsWsOsbNfNUHvmLR/s1600-h/Calcedo.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 206px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420920545440948306" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj1sUrgmMpIJi_GfD5wMvYwEHtAGxhPV-13HMkcF26-ul-yeWVumGYBYFAGbTs_TkpOXzlRfcV24sptTgmicveHuHzJEZA1yMNxdEhz7mlBaocZPNWZSDt3eJ2eCyOFvsWsOsbNfNUHvmLR/s320/Calcedo.jpg" /></a><span style="font-family:trebuchet ms;">No hace mucho reseñábamos aquí el último libro de cuentos de Gonzalo Calcedo –Temporada de huracanes (Menoscuarto, 2007)– y ya tenemos otro título suyo, galardonado esta vez con el Premio Manuel Llano. Ello confirma el profundo oficio que ha adquirido el autor en el campo de la ficción breve, hasta el punto de contar en su poder con los principales concursos dedicados a esta especialidad en España. Además, quienes hayan seguido su trayectoria creativa, no tendrán dificultad en identificar de inmediato en los seis relatos reunidos en Cenizas los elementos esenciales de la “factoría Calcedo”.<br />Son estos la narración planteada en tercera persona desde una voz imparcial y objetiva; la ambientación en entornos urbanos no hostiles, pero sí deshumanizados; personajes afectados por la soledad y una cierta desorientación vital, a menudo inmersos en un matrimonio rutinario; la atención a pequeños detalles que al final de la trama se revelan como esenciales para el devenir de los protagonistas; expresado todo ello con estilo contenido, cercano al minimalismo de Carver y otros cuentistas norteamericanos con los que habitualmente se viene emparentando la escritura de Calcedo.<br />El texto que da título al volumen es “Cenizas”, eficaz expresión de la soledad que afecta al protagonista, un dibujante que vive aislado en la vieja casa familiar de la costa; la visita de su mujer –de la que vive separado desde hace tiempo– permite ir recordando la tragedia doméstica que poco a poco parece que podrán superar. Se trata de un relato que muestra esa apertura final a la esperanza, presente ya en las mejores piezas de Temporada de huracanes, como “El hombre que charlaba con las ardillas” o “A dos mil metros de altura sobre el nivel de mar”.<br />Resultan especialmente atractivos “Todas las camareras” y “Dinero, dinero, dinero”, protagonizados ambos por solitarios y desencantados cincuentones; el primero es un agente de seguros que se ve atraído por la camarera que le sirve habitualmente el desayuno en la cafetería cercana, hasta que su compañero de trabajo, trepador y ambicioso, provoca un pequeño incidente que se salda con el despido de la mujer y la desolación aún mayor del protagonista principal. En el otro, Pereira –¿discreto homenaje al inolvidable personaje del italiano Antonio Tabucchi?– es un veterano broker cada vez más arrinconado entre los jóvenes tiburones que trabajan en su firma de inversiones, sobre todo a partir de su último fracaso especulativo; su refugio en la azotea del rascacielos donde se encuentra el despacho adquiere un notable carácter simbólico, en tanto que el desenlace introduce un guiño humorístico insólito en la literatura de Calcedo.<br />La insatisfacción matrimonial preside otros dos cuentos: en “Época de tigres”, Judith –que acaba de discutir con su marido– encuentra en la tienda de la esquina hecho una ruina física al primer amante de su juventud; él apenas la reconoce, pero ella siente por un instante reverberar la antigua atracción. Y está muy bien construida la equívoca relación entre Eloísa –cuyo esposo está en viaje de negocios– y el marido de su mejor amiga durante la explosiva cena de matrimonios que han organizado esa noche (“A la sombra del mandarín”). Un tanto simple me parece el planteamiento de “Emboscada”, basado en los reproches que recibe un veterano donjuán por parte de la hija de una de sus amantes, cuyo marido pasó hondas penalidades a causa de aquella lejana relación.<br />Con todo, el mayor peligro que acecha a la escritura de Gonzalo Calcedo proviene quizá de su propia facilidad creadora, que le ha hecho dueño de un mundo propio, sí, pero que también le lleva a repetir un tipo de relato y de expresión que a veces cae en un cierto amaneramiento, no solo por la repetición de situaciones, sino –lo que es peor a mi juicio– por un barroquismo estilístico que dificulta la comprensión de algunos párrafos y priva al lector de esa frescura que tanto se agradece en esta modalidad literaria: véanse ejemplos en las páginas 68 y 127. Explorar otras tendencias y temas podría ser una opción interesante para quien –por esta línea– ha alcanzado ya la consagración dentro de la ficción breve en España.</span></div><br /><p><span style="font-family:trebuchet ms;"><strong><span style="font-size:85%;">por JOSÉ MANUEL CABRALES</span></strong><br /></span></p><br /><p><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Javier MONTES: Los penúltimos. Pre-Textos, Valencia, 2008.</span> </span></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><br /><br /></p></span><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSYECjKzLN8fnzry66aboXbd0NdHGyxjxmzIOIFXIXjYtwB6XrXMmXhUCAwb-bVgSIPdJQkD2tia9cLEGYzhb92oEz51Ax9Jqg7uYPITU4HHAdBHgvNoT2fNOKWZAUsVEbLVWiEPD1RaEO/s1600-h/LOS+PENULTIMOS.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 214px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420921513064733250" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhSYECjKzLN8fnzry66aboXbd0NdHGyxjxmzIOIFXIXjYtwB6XrXMmXhUCAwb-bVgSIPdJQkD2tia9cLEGYzhb92oEz51Ax9Jqg7uYPITU4HHAdBHgvNoT2fNOKWZAUsVEbLVWiEPD1RaEO/s320/LOS+PENULTIMOS.jpg" /></a>Por mucho que los tiempos cambien y las modas caduquen, nunca deberíamos olvidar el primer principio que ha de seguirse a la hora de buscar y de juzgar la verdadera literatura —la buena de verdad—, y ese principio no es otro que el de que los grandes libros son aquellos que tratan de los grandes temas universales y de todos los tiempos, si no de una manera original, al menos sí con cierta gravedad y con hondura. Dos rasgos que hemos observado que faltan en Los penúltimos, de Javier Montes, una novela sobre dos temas importantes, la soledad y el amor, pero cuyas infinitas posibilidades de desarrollo ha desaprovechado el autor para terminar escribiendo una novela superficial. Sobre todo porque los personajes principales, Julia y Pedro, no sobrevuelan la estatura del tópico y parecen estar construidos a base de cartón piedra. Julia, una mujer para quien los hombres no tienen nombre porque son un simple número, se mueve únicamente por un instinto de puro hedonismo, basado en la reducción del tema del amor al puro éxtasis sexual. Incluso cuando el sentimiento amoroso hace asomo, Julia se dedica a drogar a los hombres que va seduciendo, con el fin de evitarse complicaciones.<br />Si en un principio Pedro parece un personaje de diferente textura, o al menos elaborado con más hondura, termina siendo tan superficial como el de Julia. Pedro queda fascinado por ella, pero no es capaz de mostrarle abiertamente sus sentimientos, ni siquiera en ese final de la novela, tan oscuro y ambiguo. Ambos personajes nunca se preocupan por plantearse la persecución de algún tipo de proyecto vital mínimamente serio, ni están movidos por otro afán, sobre todo en el caso de Julia, que el mero disfrute hedonista del presente. Y Pedro resulta patético, no sólo por su permanente falta de arrojo a la hora de comunicarse con Julia, sino por esa desidia y apatía en la que parece estar permanentemente encerrado. De modo que nos encontramos con una mujer que no quiere comprometerse en una relación amorosa seria (pese a que Pedro, al contrario que el resto de sus conquistas, parece terminar siendo algo más que un número para ella) y con un pobre hombre que quiere hacerlo pero que no es capaz.<br />Por otro lado, el estilo de novela es facilón, con una prosa despersonalizada, por gris y repleta de lugares comunes. No sabemos si Los penúltimos es la primera novela de Javier Montes (nada dice al respecto la solapa), pero nos encontramos ante un escritor que, como tantos, aún carece de una huella digital propia.<br />Las anécdotas son vacuas y los diálogos inanes, propios todos de la pluma de un escritor no maduro. El desaliño estilístico alcanza puntos memorables en los que se alía con la confusión semántica: “(...) se echaría encima el cansancio y se notarían molidos y como lelos en medio de la gente que felicita y pregunta y empezaba ahora a llegar a los camerinos” (p. 72), y así hasta un sinfín de expresiones vulgares (“beber a las tantas”, “requetevisto”, p. 123) en las que el coloquialismo ocupa con descaro y osadía el lugar de la cuidada elaboración que exige cualquier novela que tenga la pretensión de alcanzar un mínimo vuelo literario. Como ejemplo, el que sigue: “Cuando Pedro cumplió once años se puso muy difícil. Y se volvió insoportable a los doce. Sus padres no se hacían con él, y a sus hermanos no los dejaba vivir” (p. 83). También son frecuentes las expresiones inaceptables, como “Le rebrilló un poco demasiado el pasador de la corbata” (p. 112), y constantes las banalidades y vacuidades semánticas: “Se quedó bajo el agua –de repente abrasada- sin pensar en nada, sólo mirando para sonsacar al baño su secreto. Pero el baño no tenía secretos: ése era a lo mejor el secreto” (p. 46), contadas además de un modo absolutamente descuidado “(...) así sentado a ras de suelo, con él de pie y mirando desde arriba, quedaba en desventaja y como más forzado a dar explicaciones” (p. 179).<br />Después de la lectura de esta novela, se aconsejaría recibir un buen baño de literatura clásica a fin de no perder del todo la perspectiva de las lecturas realmente importantes y referenciales.<br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>Por GONZALO ÁLVAREZ PERELÉTEGUI</strong></span><br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Cuento</span><br /></span><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Alberto IGLESIAS: Dragón. Merienda en el tejado, Santander, 2008.</span></p><p></p><p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiLVIWtKsa9B-yUNpv7FACMYay4R403zep38x4ghal_vZAkbEK9TINRnUcCfcfTmyVCbQM8_Dz5riXc02XVXhM2EBa_gs8YHVsDqbzBytAdSKKWfh-LEXftPQKBFi74tiXg8DFgQm-geyi/s1600-h/dragon_portada.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 219px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420922542315572098" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiLVIWtKsa9B-yUNpv7FACMYay4R403zep38x4ghal_vZAkbEK9TINRnUcCfcfTmyVCbQM8_Dz5riXc02XVXhM2EBa_gs8YHVsDqbzBytAdSKKWfh-LEXftPQKBFi74tiXg8DFgQm-geyi/s320/dragon_portada.jpg" /></a>El pasado mes de marzo los lectores recibimos el regalo de un cuento. Fue un detalle de “Merienda en el Tejado”. El cuento se titula Dragón, y su autor es Alberto Iglesias. Alberto Iglesias es un producto culturalmente natural/naturalmente cultural cántabro, cuyos derivados han pasado tempranamente todos los controles de calidad en los laboratorios de la poesía, de la interpretación teatral, de la dirección de escena, de la literatura dramática –una parte destinada a niños y jóvenes- y de la literatura, sin más.<br />Preside el cuento una cita de Catulo, que es anticipo poético de cuanto poéticamente cuenta Alberto Iglesias: cada día, tras la noche, el sol -el deseo- renueva la luz de nuestro ser y recupera la fuerza de nuestro estar en el mundo, hasta que el deseo -luz y vigor- se extinguen, y ya todo es noche, sueño sin sueños.<br />A página seguida, en la dedicatoria Alberto Iglesias pone cuerpo y espíritu -carne y sangre- a la metáfora: la mujer es quien enciende las luces que se apagan y repone las fuerzas que languidecen. Ella es fuerza y luz. Ella es sol. Y también luna, tenue antorcha, energía delicada, que matiza en la noche los sueños de un sueño vital, de un apagón lleno de luces, como el agua para Tales y el aire para Anaxímenes están llenos de dioses. Es la mujer tierra con estrellas.<br />Pero antes algo llama la atención: en la portada no figura el nombre del autor. Junto al nombre de la editorial, el título: Dragón. No el dragón o un dragón. Los artículos los exige la gramática, la sintaxis del discurso. El título es sustancia sin aditivos. Sólo Dragón. Sólo un nombre. No tanto el de una especie mitológica, como el de un personaje, tan fantástico como los humanos, pero, por más humano, más fantástico. Como si Alberto Iglesias no quisiera, mejor, no necesitara manifestarse como autor en la portada, sin poder evitar aparecer en el lomo del libro, sólo asomar. Como si no tuviera claro si él es alguien que habla de un personaje: Dragón, o él es un personaje de quien habla alguien: Dragón. Para decirlo con palabras escritas por Juan Antonio González Fuentes, autor del prólogo: “(Alberto Iglesias) ha abierto para todos nosotros el espacio del decirse en forma de cuento”. Pero si ha abierto ese espacio para nosotros es que, diciéndose, nos dice. De nuevo el prologuista: “…todos somos un dragón azul…”.<br />Puede ser. Pero no todos somos Dragón. No a todos nos mueve el deseo. O sí, pero no el deseo en estado puro. El deseo que no se confunde con la ambición, con la codicia, con el egoísmo. No a todos nos impulsa el deseo que dirige la mirada al corazón de los demás, “la oscura luz que alumbra cada vida”, en la que nos vemos mirando al otro. El deseo que se guía por las razones del gusto y no por el gusto de las razones, por lo general caprichos. El deseo que aviva el fuego en el frío del invierno. El deseo que pone melodía en el silencio y la soledad del bosque sin hojas. El deseo que atraviesa la noche colgado del sol. El deseo que es amor, que se vive en el sueño y se sueña despierto. Y que es sensualidad. Y es sexualidad, poesía de la experiencia y del silencio, comunicación y conocimiento. El deseo que es realidad transida de ensueños. El deseo que se desea. El deseo, en fin, cuyo objeto es la belleza, ese lugar de jubileo para peregrinos alucinados. Ese es el deseo que habita en el corazón de Dragón, desde donde vuela sobre cada una de las líneas del cuento de Alberto Iglesias.<br />La belleza que ocupa ese espacio abierto por Alberto Iglesias para nosotros, el sueño que anida en la realidad, es un ser que, nacido del deseo, es materia del sueño; un ser que, por ser de cuento, es posible, por más que poco probable; un ser, cuya posibilidad basta para pintar a un dragón de azul y humanizarlo en Dragón; un ser que más alimenta la ilusión, embelleciendo el ahora, que maciza la engañosa esperanza del mañana. El ser, en fin, de una princesa. No podía ser otro el objeto del deseo de Dragón.<br />La princesa de Dragón es como el Godot al que esperan Estragón y Vladimir sin que Godot llegue nunca (Beckett). O como Tar, esa meta que persiguen Fando y Lis sin que a Tar nunca se llegue (Arrabal). Con una diferencia: Dragón tiene dos alas: una la del deseo para llegar hasta la princesa, más que sea en forma de sombra; otra la de la ilusión para que la princesa le llegue, más que sea en forma de suspiro. El dragón azul que es Alberto Iglesias, actor, autor y director de escena, homenajea al teatro transgrediéndolo, transformando una de sus manifestaciones, la del absurdo, la del sobrevivir sin esperanza, en cuento fantástico, el de un vivir con ilusión. Rinde, pues, tributo al cuento -La Bella y la Bestia-, también transgrediéndolo: a la princesa no se le cae la diadema por tender sábanas blancas al sol, mezclada con otras mujeres. Quizá porque sólo Dragón la ve princesa. Como transgrede el mito al que se acoge en una hermosa versión del de Narciso, en el que la mirada reflejada no es la del apego por sí mismo, sino la del amor incondicionado: un rayo de sol dibuja el rostro de la princesa en el espejo de agua en el que se mira Dragón.<br />Sí, rezuma lirismo el cuento, de principio a fin, como apunta Juan Antonio González Fuentes. Es poesía “de verdad”. Es el cuento una sucesión ininterrumpida de imágenes, metáforas, comparaciones, oximorones, que suman belleza. Ella mueve la pluma de Alberto Iglesias. Ella conmueve las alas de Dragón. Ella remueve la sensibilidad del lector. La poesía es un zumo del alma pasada por el exprimidor del lenguaje. Dragón es la copa en la que Alberto Iglesias ha vertido un zumo con el sabor agridulce de la melancolía y el color azul de la ilusión. Los lectores lo bebemos a sorbos: quince sorbos, quince latidos, quince suspiros, quince versos de arte mayor -del mayor arte-, que componen la sinfonía poética que es Dragón, avalados libreto y partitura por poetas como Lord Byron o Catulo, y por músicos como Chopin o Debussy.<br />Belleza poética, mucha y de la buena, hay también en la copa donde los lectores mojamos los labios de nuestro propio deseo. La edición de Merienda en el Tejado reviste la belleza con la delicada elegancia de las ingenuas y sugerentes ilustraciones de Anna Mer, en las que la levedad del azul y del gris da cobijo a la feliz convivencia de melancolía e ilusión.<br />Dragón se mece en la melancolía, no se enfanga en la nostalgia de quién fue o pudo ser. Dragón degusta sueños, no se atraganta con imposibles quimeras. Dragón alimenta ilusiones, no es un iluso. Dragón sabe que se puede vivir sin que el deseo se cumpla, pero que no se debe vivir sin deseo. Sabe que su cumplimiento es el fin del deseo: la transgresión del deber de vivir.<br />Alberto Iglesias también lo sabe. Y algún que otro lector. Por ejemplo, este.<br /><br /><strong><span style="font-size:85%;">por FERNANDO LLORENTE</span><br /></strong><br /><br /><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">Poesía </span></span><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;"></span></p><span style="font-family:trebuchet ms;"><p><span style="font-size:130%;color:#333399;">Certámenes Literarios “José Hierro” 2008. Obras de Jesús Ángel Soberón, Marta González Luque, Eneko Vilches y Yolanda Fuertes. Ayuntamiento de Santander, 2008.</span><br /><br />Son tres los factores que a mi juicio avalan la identidad de un certamen artístico dirigido a los jóvenes creadores. La permanencia en el tiempo sería uno de esos factores, al que habría que acompañar de su capacidad para desvelar talentos y su empeño en continuar creciendo y descubriendo. Queda fuera de toda duda, y alcanzada ya en este 2008 la vigésimo séptima edición, que los certámenes de poesía y relato breve “José Hierro” convocados por el Ayuntamiento de Santander cumplen el primero de los requisitos, y que han superado modas literarias, debacles presupuestarias, picos y valles de interés, para continuar siendo una bocanada de aire fresco en la creación literaria de Cantabria. Queda fuera de duda también la capacidad reveladora del certamen, si tenemos en cuenta que un número importante de los poetas y narradores cántabros que continúan publicando y que han ido asentando sus voces dentro y fuera de nuestras fronteras regionales amanecieron a la luz pública en el marco de los Hierro. Sirvan de ejemplo nada exhaustivo las referencias, creo que inexcusables, de Alberto Santamaría en la poesía y de Gonzalo Calcedo en la narrativa.<br />Pero me interesa resaltar en esta modesta crónica de los Premios José Hierro 2008 el tercer factor, la capacidad para crecer, de darse cuenta de los nuevos lenguajes que van calando entre la creación joven y permitir así un salto cualitativo para nuevos nombres que tendrán así su primer paso al público y un impulso para continuar su senda vocacional. Y en este sentido quiero decir que si ya los premiados de 2007 me parecieron reveladores, interesantes y con una clara proyección, la edición presente insiste en ese camino con dos premiados, Jesús Ángel Soberón en la modalidad de poesía y Marta González Luque en la de relato breve, a los que será necesario prestar mucha atención de aquí en adelante. Y eso sin olvidar que los dos accésit, Eneko Vilches en poesía y Yolanda Fuertes en relato, nos han ofrecido propuestas sólidas y prometedoras.<br />En lo que se refiere a los premios de poesía, me ha gustado mucho el poemario presentado por Soberón, Historias del mundo flotante. Se nutre de una amplia y asimilada base cultural que, muy cercana a las poéticas norteamericanas vigentes y a sus intruductores (jóvenes introductores) en la poesía española, fluye como un discuro lírico de versos amplios, que no eluden la musicalidad pero la trabajan disimulada, en voz baja, que generan un sabio entramado de cotidianidad, imaginación, ironía, implicación, desapego, violencia verbal a veces, que muchas veces obliga a la reflexión, a la segunda lectura, sin perder nunca una sensación de frescura que abre sin duda el camino hacia la lírica para los lectores más jóvenes, que les permite apropiarse del lenguaje del poeta, al mismo tiempo que revela una mirada novedosa al lector más asentado. Me ha gustado el ritmo pausado, basado en una suerte de pies métricos, que aporta solemnidad al discurso de tantos poemas (“Breve apunte sobre el problema de la representación”, “El desasosiego en las costas de Malibú”). Y precisamente en los pocos debes que aprecio en el poemario estarían un par de piezas en las que a mi juicio el discurso conceptual llega a ocultar el rítmico generando una lectura en exceso farragosa. Pese a esas pequeñas caídas de tono, sin duda un premio merecido y con futuro.<br />El accésit en la modalidad de poesía correspondió, como hemos dicho a Eneko Vilches por Humo del duelo. Se trata de un poemario más amable, más previsible, en el que se abunda en el tono lírico donde se imponen el frío, la oscuridad, el desamor, la ausencia, el silencio, sobre un fondo medido, trabajado y eficaz de poemas redondos en los que de pronto despuntan importantes fogonazos (“Te entrego noches infinitas / yo pensé: cobijo. Tu dijiste / brazos”). La musicalidad marcada, el tono elegíaco y tantas figuras afortunadas serían las fortalezas de la propuesta de Vilches. El exceso de algunas imágenes un tanto incoherentes con la poesía practicada podría ser la sorpresa menos afortunada. Como fuere, si Aleixandre hubiera leído estos versos en su Velintonia, sin duda hubiera exclamado la loa deseada por tantos durante tanto tiempo: “Hay poeta”.<br />Centrándonos en los relatos breves, he leído con gran gusto Vietnam, la narración por la que Marta González Luque ha obtenido el premio. Integra de alguna manera ese punto de reflexión y fantasía característico de los grandes cuentistas latinoamericanos con la sensación de vacío con la que la tradición del cuento norteamericano abre su mirada a la sociedad. Los personajes, sumergidos en una realidad virtual que les hace sentirse dentro de la Guerra de Vietnam y que acaban extraviando su sentido del mundo, pueden leerse como una alegoría de una sociedad que se despersonaliza y vive a través de las pantallas. Pero al margen de significaciones, el relato, contado en primera persona, mantiene un pulso vivaz con el lenguaje, está perfectamente estructurado y conduce hacia un final inesperado fiel a las convenciones del género. Se centra en frases cortas y cortantes, que articulan un lenguaje muy adecuado al protagonista/narrador y que rehúye deliberadamente los excesos retóricos, estableciendo una comunicación directa y feliz con el lector que sólo viene enturbiada por un par de, supongo que inevitables, lugares comunes.<br />El accésit fue para Yolanda Fuertes García por Historia de Abraham Schultz. Desde una narradora externa, nos abre camino hacia un mundo narrativo más, digamos, europeo, con una narración más descriptiva, que utiliza con más profusión las posibilidades estéticas del lenguaje, en ocasiones con una sorprendente y feliz sabiduría (“En otras ocasiones le hubiera molestado el ruido mecánico y ajeno”) para crear un clima de desasosiego, un tanto turbio, en el que el personaje viaja por Alemania en un tren que traquetea a un tiempo por un viaje interior y por un territorio que el lector recrearía como gótico, expresionista o incluso fantasmal.<br />Veintisiete ediciones son prueba de madurez suficiente. Pero si otra se hiciera necesaria, una excelente cosecha de 2008 nos ha permitido conocer cuatro voces importantes.<br /><br /><strong><span style="font-size:85%;">por REGINO MATEO</span><br /></strong><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Pureza CANELO: Dulce nadie. Hiperión, Madrid, 2008.<br /></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9U1eTBU2f2mQkxMJ0ajnZq_AJXFP5uMtp6lvwOHlJfQDicat-GlqnTi09b5CWephuP9or0lf-EwBFIgzV7mGpqdJ0meyF3SquiEM1qJTLI1u1ZfcPi6pSiUcO5U9N5m5vwKkTH7FMrMyO/s1600-h/dulce+nadie.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 197px; DISPLAY: block; HEIGHT: 287px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420923385462690322" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9U1eTBU2f2mQkxMJ0ajnZq_AJXFP5uMtp6lvwOHlJfQDicat-GlqnTi09b5CWephuP9or0lf-EwBFIgzV7mGpqdJ0meyF3SquiEM1qJTLI1u1ZfcPi6pSiUcO5U9N5m5vwKkTH7FMrMyO/s320/dulce+nadie.jpg" /></a>Dulce nadie nos ofrece una visión de la vida ya consolidada. Es un poemario repleto de conclusiones, dudas y amplias zonas de vacío y ausencia. En ese territorio su autora se detiene a reflexionar sobre sus experiencias vitales en la búsqueda desesperada de una verdad. Y es así como sintetiza una visión desoladora de la vida y de la muerte. Su autora afirma en la solapa del libro: «Dulce nadie es un poemario de soledad rotunda, donde cruzan los tres vértices del triángulo de mi existencia: el desamor por tantas cosas, la ausencia materna y el egoísmo humano que nos invade. (…) El verso se decanta, la palabra se adelgaza con rictus de despedida e invita insistentemente a desaparecer, sin opción de volver atrás, de ese lugar llamado mundo». Hay un claro ejercicio de destilación en el que los versos se desnudan más que en libros anteriores, y eso hace, en su caso, que su mensaje se esencialice. Todo ello a través de versos cortos, ágiles y contundentes, de lectura cómoda y fluida.<br />Si analizamos cronológicamente la obra poética de Pureza Canelo advertiremos en su poesía un proceso -intencionado o no- de depuración y refinamiento que alcanza su mayor intensidad -y también su desesperación más desgarrada- en Dulce nadie.<br />También aquí plantea la negación dialéctica de la escritura a través de su propia afirmación: la célebre paradoja de cantar el hecho de que no sirve para nada cantar. En su anterior libro publicado, No escribir, éste fue un tema central. En Dulce nadie aparece otra vez esta reflexión sobre la escritura misma del poema; su utilidad y su sentido en el mundo. Pero en esta ocasión se advierten momentos en los que la autora parece encontrar en la poesía una alternativa a la soledad y al desamor, aunque también hay momentos en los que se percibe todo lo contrario; la inutilidad absoluta del verso: “Inventamos / el viaje // No fue verdad / pintar”. De ese modo tan exasperado Pureza Canelo se abraza a la poesía para desaparecer con ella: “conmigo / aprendió el compás / de esfumarse / de no ser” Una negación presente en poemarios anteriores pero esta vez cantada desde una voz despojada de adornos y decorados.<br />Es inevitable preguntarse si este libro es una despedida definitiva o si se trata de nuevo de un recurso poético que agudiza el efecto devastador de su vacío existencial. De todos modos, se aprecia una culminación aún abierta; una exaltación sin desenlace pero que suena ciertamente -como sucede en su anterior libro No escribir- a despedida. Haya o no abandono definitivo de la escritura, tras la lectura de Dulce nadie uno presencia un colapso, un estado crítico de angustia y pesimismo, una especie de catarsis que conmociona y estremece.<br />“El remo vuela”, sentencia en uno de sus versos. Sí. El remo vuela y no empuja ninguna embarcación, como cuando el lápiz escribe palabras en el aire, inútilmente, o como cuando se escribe en el aire con la vida y el viento va y la borra. Escribir es olvido. Sí, el remo vuela.<br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por VICENTE GUTIÉRREZ ESCUDERO</strong></span><br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Manuel ARCE: Antología Poética. 1947-1954. Icaria, Barcelona, 2008.</span> </span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-GQ_9xYI9AeMobTufuA_G-M7RvfaRQxlIrK0Et91G5n7yKvOskyQZN1rQl9mNbmS4hPvEKlJHp9CWnTGg2q09yLG9trHYe-wJp6Y1u5rU7nJbYzOEfFqeHWSHXbQl8-f7JIWYrbefq59K/s1600-h/PORTADA+ARCE.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 199px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420923942979252850" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-GQ_9xYI9AeMobTufuA_G-M7RvfaRQxlIrK0Et91G5n7yKvOskyQZN1rQl9mNbmS4hPvEKlJHp9CWnTGg2q09yLG9trHYe-wJp6Y1u5rU7nJbYzOEfFqeHWSHXbQl8-f7JIWYrbefq59K/s320/PORTADA+ARCE.jpg" /></a>He aquí que Manuel Arce “se ha dejado hacer” una antología poética, y se ha asomado así de nuevo a su primera juventud, a su veintena, o más precisamente, al periodo que medió entre sus diecinueve y sus veintiséis años. En realidad, Manuel Arce lleva ya tiempo con la vista puesta atrás. Según sabemos, de sus nutridos e interesantísimos archivos personales (fotográfico, epistolar, documental) está tomando aliento para ir trazando poco a poco un volumen de memorias –Papeles de una vida recobrada es su título, siquiera momentáneo– que podemos ya prever como fundamental para la Historia de la Cultura de la España del medio siglo (XX, por supuesto). Un pequeño avance de esas memorias se publicó en el número segundo de la Revista QVORVM, dando en él noticia de las relaciones entre varias de las voces literarias y artísticas del momento a través de la narración de una peculiar anécdota personal, a caballo entre lo cómico y lo trágico. En ese texto lo versal tenía un peso innegable, y no es de extrañar, si atendemos a su cronología: se trataba de los que podríamos calificar como “fugaces” años poéticos de Manuel Arce, que transcurrieron básicamente entre 1947 (fecha de los poemas que alumbrarían su primer libro, Llamada) y 1958 (en que apareció su primera Antología Poética, editada por José Antonio Cuevas)<br />Decía, entonces, que Manuel Arce “se ha dejado hacer” una nueva antología poética, lo que sin duda es importante concesión. Regresar a los versos juveniles es todo un reto a los ochenta años, reto que no puede acometerse sin red ni sin cuidado. En este sentido, la selección que aparece en la editorial Icaria –Antología poética, 1947-1954–, de la mano de Juan Antonio González Fuentes, aunque con expresa revisión de Manuel Arce, es una selección breve y cautelosa, circunscrita básicamente a tres poemarios: el ya mencionado Llamada (1949), Sombra de un amor (1952) y Biografía de un desconocido (1954). Desde la lectura de estos poemas nos acercamos a un Arce que no nos resulta extraño pero sí más expuesto, dado que ese es el carácter natural del verso: desnudar, evidenciar lo que la obvia superficie oculta. Así pues, desde su poesía podemos acceder a un Manuel Arce veinteañero preocupado por el paso del tiempo (“Vida”), para quien el otoño es la obsesión que materializa ese transcurrir y su consecuente decadencia (“Llegada del otoño”), un tema que le preocupa especialmente en Llamada; asistimos a las huellas del enamoramiento y el afecto en el joven corazón (“La carta”), a la vez que a un cierto dolor por el entorno circundante (“Elegía por todos”), como temas predominantes en Sombra de un amor; y se nos hace partícipes, también, de referencias literarias (“Carta abierta a Walt Whitman”) y de preocupaciones estéticas, que abarcan desde su particular uso del verso (alternancia del verso rimado, con especial dedicación al soneto e incluso a estrofas populares, y el verso libre) a su particular concepción de la poesía como género de observación, específicamente sencilla en vestidura por la cotidianidad de su objeto. En Biografía de un desconocido esta preocupación se hace notable, y lo metapoético se funde con lo temporal, en una suerte de identificación entre verdad, atención, poesía y presente: “Pertenece/ ya a mis ojos./ Tañe mi aliento/ enloquecidamente:/ es ya mi canto, mi existencia./…/ Si canto cosas que contemplo/ es porque tienen mi presente”. El poeta que no atiende a la contemplación de la vida es interpelado con ironía: “Quieres llenar tu verso/ de refulgentes oros; saber que estás quemando/ un algo misterioso/…/ y pides a Dios ardien-/ temente, oh doloroso/ mendigo lo que día/ a día ven tus ojos”.<br />Tras la edición facsímil del conjunto de números de La Isla de los Ratones que publicó Visor en 2006, esta antología poética viene a remover las aguas de ese pasado que Manuel Arce contemplaba –sus “lanchas humedecidas de noviembre”– con ojos de poeta: bien abiertos.<br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA</strong></span><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Carlos SALOMÓN: Obra Poética. Gobierno de Cantabria / Fundación Gerardo Diego, Santander, 2008.</span><br /></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirLBGKISdgumuOVfPQUj3HMwPKkOitKzVjShsW7GC-QN3sIJidfauamdrcHQ_H8a8R5QAjw6gWsDMTzi2X8CKJmltj8Yx71XoP8nYkoSBCmnY0MiwAgenXFW4_lPhzdq59a6qsoPvjrEKU/s1600-h/salomon.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 226px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420924352823526722" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirLBGKISdgumuOVfPQUj3HMwPKkOitKzVjShsW7GC-QN3sIJidfauamdrcHQ_H8a8R5QAjw6gWsDMTzi2X8CKJmltj8Yx71XoP8nYkoSBCmnY0MiwAgenXFW4_lPhzdq59a6qsoPvjrEKU/s320/salomon.jpg" /></a>Esta antología recoge toda la obra poética publicada de Carlos Salomón. Los libros que recorre son, por este orden: La orilla, La sed, Las luces, Firmes alas transparentes, Región luciente, La brevedad del plazo y un último bloque denominado Poemas varios que recopila una serie de sonetos aparecidos en la célebre Antología publicada en 1968 por Pablo Beltrán de Heredia. Se publican además las portadas originales de cada uno de estos libros y se incluye una nota bio-bibliográfica que el propio Carlos Salomón escribió y entregó a Pablo Beltrán de Heredia para su Antología una semana antes de su muerte, ocurrida el 2 de octubre de 1955. Esta nota también fue incluida en la edición de esta misma antología por parte de Manuel Arce en su colección “La isla de los ratones”, en 1969. Aparecen también a modo de prólogo los criterios de la edición que aclaran, entre otras cosas, cuestiones relacionadas con la publicación de poemas de las que existen versiones modificadas.<br />Creo que debemos celebrar la publicación de esta antología aunque hayan tenido que pasar más de 50 años para que un proyecto como éste se hiciera realidad. Sería injusto condenar al olvido a uno de los más grandes poetas cántabros del siglo XX. Carlos Salomón, al igual que otros poetas como José de Ciria y Escalante, José Luis Hidalgo o Miguel Ángel de Argumosa falleció joven, lo que nos hace preguntarnos cuál hubiera sido su evolución poética. Casualmente la muerte fue uno de los elementos motivadores más recurrentes en toda su obra. No sabremos si esa obsesión por la muerte es fruto de una convicción poética o si se debe al desgraciado hecho de que ésta se le cruzara en el camino tan tempranamente. De todos modos escribió su gran poesía, y lo hizo bajo la perspectiva desoladora de la desaparición. Pero esa oscura presencia, en Carlos Salomón, se convierte en un amor universal por la vida. Para afrontar la muerte, para superar el acercamiento a ella, el poeta transita el amor, el paso del tiempo, el sufrimiento humano o la idea de Dios. A lo largo de esta antología se descubre a un poeta de voz amarga, que vuelve una y otra vez a la rima asonante, siendo el heptasílabo y el octosílabo las estructuras métricas más utilizadas, aunque también recurre, sobre todo en sus primeras obras, al eneasílabo.<br />Se trata de una antología imprescindible y oportuna pero en la que se echa en falta un prólogo más extenso, que profundice más en su obra. Por otro lado sería muy interesante la publicación de las obras de Carlos Salomón –tanto poéticas como narrativas- que aún hoy permanecen inéditas.<br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por VICENTE GUTIÉRREZ ESCUDERO</strong></span><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Lorenzo OLIVÁN: Antología Poética. Selección e introducción de Julio Neira. Editorial Veramar, Málaga, 2007</span>.</span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij2a7ViRli8MU6O1FZfGeO_HbYDXXS8JYhFpnaA3YEA3Dba9GjFtpoT3DZYLDI6md1K2FuWra602ddXRjm1WS1K6cS2TMuK1Uz3_9yeBdkIHCKKATVLUND7xSMbxi0gc-pjzXLDzgZjdsO/s1600-h/lorenzo.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 195px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420924631518493122" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij2a7ViRli8MU6O1FZfGeO_HbYDXXS8JYhFpnaA3YEA3Dba9GjFtpoT3DZYLDI6md1K2FuWra602ddXRjm1WS1K6cS2TMuK1Uz3_9yeBdkIHCKKATVLUND7xSMbxi0gc-pjzXLDzgZjdsO/s320/lorenzo.jpg" /></a> Lorenzo Oliván es uno de los poetas jóvenes más destacados del panorama nacional. Esta antología realiza un recorrido por lo esencial de su obra, una obra que, recordemos, abarca casi 19 años. En ella se incluyen poemas procedentes de sus libros, desde mi punto de vista, más importantes: Único norte, Visiones y revisiones, Puntos de fuga, Libro de los elementos y La noche a tientas.<br />El lector encontrará, por un lado, al Oliván de los aforismos y las greguerías -o el de los "fragmentos" e "instantáneas", como él prefiere llamarlos-; me refiero al Oliván de libros como Visiones y revisiones o El mundo hecho pedazos. Por otro lado -y en mayor medida- encontrará al Oliván de tono realista que indaga en la realidad profunda mediante un discurso poético elaborado, de una madurez expresiva admirable y un uso del heptasílabo y el endecasílabo magistral.<br />Creo que, tratándose de una antología de poesía, ha sido un acierto del antólogo el haber dado más protagonismo al segundo Oliván que al primero, pues el mismo autor ha declarado en una entrevista concedida a Ángel Manuel Gómez Espada en 2002 que “El poema busca otro tipo de verdad que no necesita de esos subterfugios. Detesto la poesía simplemente ingeniosa o brillante. El ingenio, bien visto en un aforismo, puede anular o atenuar la verdad de la poesía, así que intento que en mis versos no se cuelen esas impurezas, que en las distancias cortas soporto, como un poco de picante en una comida.” Eso sí, creo que sería conveniente la edición de una antología del Oliván de las greguerías y los aforismos.<br />De todos modos y en ambos casos estamos ante un escritor que busca la trascendencia simbólica a la realidad observada; bien desde el golpe de efecto, los dobles sentidos o las contradicciones, bien desde un discurso poético reflexivo en el que toma más protagonismo el pensamiento y que evidencia una total transparencia de la conciencia, poniendo de relieve una actitud crítica y ética ante la escritura y el mundo.<br />En efecto, la escritura del poema en Oliván se proyecta más allá de la simple observación de la realidad, para reflexionar y escarbar en ella; para, en ocasiones, darle la vuelta y encontrarle así el reverso. La realidad se presenta entonces no como algo inamovible, sino como algo en continua y misteriosa mutación, expuesto a la servidumbre de la oscuridad, capaz de aproximarnos efectivamente a lo enigmático, a una metafísica simpática. Se podría decir que la realidad, en su poesía, está en permanente tensión consigo misma.<br />Se trata pues, de una poesía mistérica pero asequible a la vez. Y creo que pocos son los poetas que alcanzan este “punto de equilibrio” entre oscuridad y razón. En ese sentido, en la entrevista realizada por Ángel Manuel Gómez Espada antes mencionada, Oliván dice algo muy interesante acerca de su propia poesía: “Estoy convencido de que lo esencial del poema (…) tiene más que ver con la intuición sonámbula que con la razón despierta” Yo, como lector, agradezco que el poeta sepa mostrarme a tientas, desde la pura intuición, el misterio de cada cosa y que me convide así a adentrarme en los aspectos irracionales del ser humano. Por su parte, Luis Antonio de Villena ha escrito a propósito de su premiado libro Puntos de fuga que “parte de un tono nítido, de origen realista, para entrar desde una cierta metafísica transparente o luminosa en el interior de las cosas.” Este hecho puede extenderse al resto de sus poemarios, pues en todos ellos invita al lector a ver de otro modo aquello que éste ve de forma cotidiana; a practicar un tipo de mirada desfamiliarizante respecto de aquello que le resulta familiar para adentrarse en sus múltiples misterios.<br />Como responsable de la selección, Julio Neira escribe una interesante introducción en la que realiza un análisis cronológico de la obra de Oliván y que parte de una lectura crítica e inteligente, observable no sólo en la elección antológica en sí sino además en el modo en que dispone un recorrido poético coherente, no un mero muestrario, del poeta. Asimismo, y es de agradecer, incluye en esta introducción algunas reflexiones del propio autor tomadas de diferentes poéticas y entrevistas que ayudan a entender más su poética.<br />Para aquellos que no conozcan el mundo poético olivaniano, esta antología puede ser la mejor forma de adentrarse por primera vez en él, y para aquellos que ya lo conozcan, una panorámica más de las muchas que podrían establecerse ante la incesante evolución de una obra poética tan amplia, intensa e indagadora. Tanto unos como otros podrán ejercitarse en ese ver de otro modo la realidad; acceder a lo real a través de esa nueva mirada que el poeta coloca, con mucha delicadeza, en nuestros ojos.<br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por VICENTE GUTIÉRREZ ESCUDERO</strong></span><br /><br /></span></p><br /><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:130%;color:#333399;">Estudios</span><br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">José Luis SÁNCHEZ NORIEGA: Mario Camus, oficio de director. Mario CAMUS: Apuntes del natural. Memorias con Arte, 5. Ediciones Valnera, Villanueva de Villaescusa, 2007.</span></span> <span style="font-family:trebuchet ms;"><br /></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTgfnuY6G9Q9KBFb5fp2rjN7IcM-vm1C6QpyThkI9TRyLbvMQrJW2yhzoxqK_vYwtztzaUmqcKdt0xZ2uR5pXejghw5zCx7QmdqMqyvhJLmLID3_DvVlQbzJnMbxSNl9AyrQLeRgrZJdLW/s1600-h/Camus+1.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 285px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420925098565603058" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTgfnuY6G9Q9KBFb5fp2rjN7IcM-vm1C6QpyThkI9TRyLbvMQrJW2yhzoxqK_vYwtztzaUmqcKdt0xZ2uR5pXejghw5zCx7QmdqMqyvhJLmLID3_DvVlQbzJnMbxSNl9AyrQLeRgrZJdLW/s320/Camus+1.jpg" /></a><span style="font-family:trebuchet ms;">Las “Memorias con Arte” que anualmente publica Ediciones Valnera ha dedicado su quinta entrega al cineasta santanderino Mario Camus, una de las figuras fundamentales de la cultura actual en Cantabria. En esta ocasión, el precioso estuche contiene los dos libros cuya ficha encabeza esta reseña, acompañados del DVD Madrid, capital cultural, que rescata un interesante documental que Camus dirigió para TVE en 1984. Según el planteamiento de esta serie, “Memorias con arte” pretende rescatar la peripecia vital de personajes representativos del arte en nuestra región, a través de sus propias evocaciones y del testimonio crítico de quienes han estudiado su obra. Tras los estuches dedicados a Eduardo Sanz, José Ramón Sánchez, Fernando Calderón y “Peridis”, este de 2007 está protagonizado por un director cinematográfico que es también un excelente escritor, acaso insuficientemente conocido en esta faceta de su talento. La entrega reúne muestras de ambas facetas (los textos de Apuntes del natural y las imágenes de Madrid, capital cultural), excelentemente acompañadas del estudio que firma Sánchez Noriega. Como este advierte, Mario Camus, oficio de director suple el encargo inicial que los editores habrían hecho al cineasta: en lugar de escribir sus memorias, Mario propuso “un libro de conversaciones donde se llevara a cabo un repaso de sus trayectoria de cuatro décadas”; el resultado de esas muchas horas de fecundo diálogo entre Camus y Sánchez Noriega, el más cualificado especialista en la obra de nuestro director, a quien dedicó su tesis doctoral, convertida luego en el libro Mario Camus (1998), son las 230 páginas que, organizadas en quince capítulos, pasan revista a su densa y ejemplar carrera; desde la infancia y adolescencia entre Santander y el Valle del Saja, los estudios en el colegio de La Salle, su temprana afición por la lectura (en la Biblioteca de Menéndez Pelayo) y por el cine (en la Sala Narbón, el Popular Victoria, el Cervantes, el Coliseum, el Cinema), el traslado a Madrid para estudiar Derecho, que pronto cambia por la Escuela Oficial de Cine, donde formará parte del núcleo germinal del Nuevo Cine Español: Saura, Martín Patino, Borau, Sueiro, Picazo, Summers, Olea, Cuadrado, Regueiro, Mercero… Ahí arranca su carrera, primero como coguionista de Los golfos, de Saura (1961) y luego sus primeras películas: Los farsantes y Young Sánchez, ambas de 1963. Lo que sigue es una de las más impresionantes trayectorias del cine español, al que Camus ha aportado títulos fundamentales: Con el viento solano (1965), Los días del pasado (1977), Fortunata y Jacinta (1980), La colmena (1982), Los santos inocentes (1984), La casa de Bernarda Alba (1987), La forja de un rebelde (1990), Sombras en una batalla (1993), La ciudad de los prodigios (1998), La playa de los galgos (2001), hasta la recentísima El prado de las estrellas (2007) o su próximo rodaje, Historias de la bahía… Ayudándose con los testimonios del director, pero también con su insuperable conocimiento de esa obra, el crítico va reconstruyendo la historia de aquellos rodajes, las vicisitudes de su producción, exhibición, recepción, acogida crítica…; salpicado todo ello con las lúcidas reflexiones -a veces, autocríticas- y las interesantes confidencias del protagonista, ilustrado con una valiosísima colección de fotografías -más de 120, en su gran mayoría inéditas hasta ahora-, y completado con el catálogo de su producción filmada (fichas técnica y artística, resumen argumental de cada una de sus películas).<br />Es ya un lugar común afirmar que Camus es, entre los cineastas españoles, quien más -y mejor- ha basado sus películas en textos de nuestra literatura, como demuestran varios de los filmes arriba citados; sin olvidar su participación como guionista en adaptaciones filmadas por otros: Luces de bohemia (1984), de M. A. Díez; Werther (1986) y Beltenebros (1991), de P. Miró. Pero también hay también mucha y buena literatura en algunas películas suyas, basadas en argumentos propios: Volver a vivir, Los días del pasado, La vieja música, Después del sueño, Sombras en una batalla, Amor propio, El color de las nubes, La playa de los galgos, además de ser espléndidas muestras de buen cine, están construidas sobre unos materiales narrativos (historias, asuntos, conflictos, escenarios, personajes) tan valiosos como los de las novelas de Aldecoa, Galdós, Cela o Delibes que en otras ocasiones ha adaptado; y lo mismo cabría decir de algunos guiones para otros directores, como el de El pájaro de la felicidad, de P. Miró, basado en un cuento suyo, recogido ahora en Un fuego oculto (2003).<br />Según testimonio de Carlos Saura, citado por Sánchez Noriega, la vocación inicial del cineasta santanderino fue más la literatura que el cine: “era por entonces, por encima de todo, un escritor de gran talento (....) yo estaba convencido de que llegaría a ser uno de los literatos más importantes de nuestra generación”. Aunque el tiempo no haya confirmado -hasta ahora- tal profecía, las muestras de su escritura recientemente publicadas están dando la razón al dictamen de Saura. Acabo de mencionar su libro Un fuego oculto, que rescata como cuentos catorce historias que no llegó a filmar; a ello se añaden estos Apuntes al natural, que rememoran episodios o anécdotas de su biografía: los amigos de la escuela en Vernejo; el aprendizaje del latín en Colegio de La Salle; las historias que cuenta un boxeador retirado, compañero de las comidas con su padre en el bar La Ferroviaria; los entrenamientos con el equipo colegial de baloncesto; su experiencia como figurante en una película “de romanos” en el Madrid de los años cincuenta; el heroico comportamiento de un compañero en el campamento de las Milicias Universitarias; el recuerdo del amigo desaparecido, Ignacio Aldecoa; la difícil escritura de un guión fallido; las visitas a un artista cántabro (Daniel Gil) injustamente olvidado… Y, alternando con esos relatos, unas breves estampas -entre líricas y fílmicas- que, como las viejas fotografías de un álbum, completan la evocación biográfica: la primera visión de un criminal encadenado y escoltado por la pareja de civiles (“las imágenes quedan para siempre como un mal sueño, como algo que será difícil de olvidar, que vivirá con uno toda la vida”); el pelotón de ciclistas trepando las empinadas cuestas en carreteras de segundo orden; la grabación que trae la voz del pariente emigrado en Caracas; las duras condiciones de rodaje en el verano andaluz; los elogios -tan sencillos como hondos- a alguna de sus películas por parte de Joseph L. Mankiewicz o Dick Bogarde… Textos que parecen anunciar o glosar las películas (filmadas o posibles) de un director cuya obra encarna de modo magistral esa compleja relación entre la literatura y el cine, entre la palabra y la imagen.<br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por JOSÉ MANUEL GONZÁLEZ HERRÁN</strong></span><br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Fray Luis DE LEÓN: De los nombres de Cristo. Edición, estudio y notas de Javier San José Lera. Prólogo preliminar de Fernando Lázaro Carreter. Galaxia Gutenberg / Círculo de Lectores. Barcelona, 2008.</span><br /></span><br /></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqFL2QGTYOo9S5zPAxiXH8GW28ylRkSw6Z4JGawL8YocIRVeMxUOaspXQE-luopwxXidPsB8aAqSbbjsIXK6VMNw3dS-ZfJL13W96XAwb4Zo8bx-qwjdFLJU0Sfd6zXciWoRhC7fipsk3y/s1600-h/Nombres+de+cristo.JPG"><span style="font-family:trebuchet ms;"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 196px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420925925304781202" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqFL2QGTYOo9S5zPAxiXH8GW28ylRkSw6Z4JGawL8YocIRVeMxUOaspXQE-luopwxXidPsB8aAqSbbjsIXK6VMNw3dS-ZfJL13W96XAwb4Zo8bx-qwjdFLJU0Sfd6zXciWoRhC7fipsk3y/s320/Nombres+de+cristo.JPG" /></span></a><span style="font-family:trebuchet ms;">Decía Azorín en el epílogo a su De Granada a Castelar que los grandes clásicos españoles son como viejos palacios abandonados en los que pocos se arriesgan a entrar, aunque muchos los ven desde fuera. Entrar en los clásicos sigue siendo una obligación, entrar arriesgando y con todas las consecuencias. En la edición y el estudio de los clásicos es donde debe dar sus frutos mejores, todavía hoy, la filología española.<br />Como es sabido, De los nombres de Cristo empezó a gestarse durante la estancia en prisión de Fray Luis –“honor de la lengua castellana”, según afirmó Lope de Vega–, tras ser procesado por la Inquisición a raíz de su traducción de El Cantar de los Cantares. Que De los nombres de Cristo, diálogo pleno de musicalidad acerca de las denominaciones con que se alude al Hijo por antonomasia en los textos sagrados, es un clásico de la Literatura Española, a nadie cabe la menor duda. Desde Cervantes y Lope de Vega, a Menéndez Pelayo, la admiración por la obra no deja de crecer, siglo a siglo. Y también es cierto, desgraciadamente, que con esta obra se cumple el pronóstico de Azorín: muchos la citan de pasada, desde fuera, sin haber penetrado en el monumento impresionante del palacio para descubrir sus salas y sus alcobas. Su extensión y su tema no invitan al riesgo en un siglo XXI con tendencia a las lecturas apresuradas y triviales.<br />Esta edición, realizada por el santanderino Javier San José Lera, profesor de Literatura Española en la Universidad de Salamanca, lo hace con caudal de datos y conocimientos. La limpieza del texto crítico, que se establece teniendo presentes todas las ediciones anteriores, la abundancia de notas, a pie de página y complementarias, y el extenso estudio introductorio, hacen de esta edición una herramienta eficaz para penetrar en el viejo palacio. Javier San José sitúa pormenorizadamente los aspectos esenciales de la obra en su contexto histórico-literario y la anota punto por punto para explicarla y acercarla al lector de hoy.<br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><strong><span style="font-size:85%;">por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA</span><br /></strong><br /><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">Edgar Allison PEERS: Santander. Edición y prólogo de Anthony H. Clarke. Traducción de María Ángeles Gimeno Santacruz. Ediciones Tantín, Santander, 2008.</span><br /></span><br />Con singular acierto Ediciones Tantín, en colaboración con el Ayuntamiento de Santander, ha traducido por vez primera esta obra, entre el ensayo breve y el libro de viajes, de Edgar Allison Peers (1891-1952), quien fuera lector de español en la Universidad de Liverpool y titular de la cátedra “Gilmour Professor of Spanish”, sucediendo en ella nada menos que a James Fitzmaurice-Kelly (1858-1923). Hasta ahora Santander sólo se había publicado en inglés, en el año 1927 (London, Alfredo A. Knopf; hay un ejemplar en la Biblioteca Municipal). Entonces Peers participaba de lleno en los cursos que dicha universidad organizaba en Santander, y que constituyeron uno de los precedentes (no el único) de la Universidad Internacional. Dan información de esa presencia, entre otras fuentes, el Bulletin of Spanish Studies (1923-1927), que fundara el propio Peers y que cita Anthony H. Clarke, experto perediano, en su prólogo, además de las cartas (aún inexplicadamente no publicadas por completo) de Miguel Artigas con José Ugidos o con José María de Cossío. Los cursos de Peers se prolongaron hasta 1932 y al año siguiente se trasladaron a San Sebastián. Peers rompió entonces no sólo con la ciudad de Santander, sino también con algunas personalidades culturales con las que hasta entonces se había relacionado, asunto aún no estudiado lo suficiente. Y es que queda mucho por investigar sobre el primer tercio de la vida cultural santanderina del siglo XX; de profesores como Peers, por ejemplo, apenas sabemos nada, a pesar del esmerado texto de Clarke, que pretende ser sólo una introducción a su vida y su obra. Ocurre lo mismo con otros santanderinos involucrados en esas actividades de verano, como José Ramón Lomba Pedraja o Julián Fresnedo de la Calzada, asiduos de la Biblioteca Menéndez Pelayo y colaboradores de Peers, cuyos nombres no acaban de salir de los lugares comunes citados en diversos libros. Clarke destaca en el libro Santander el “afán difusor y propagandístico” que pudo suponer para los lectores ingleses. Peers desarrolló un ensayo breve y eminentemente divulgativo sobre Santander (con abundantes datos históricos, impresiones sobre sus calles y sobre el veraneo, más una semblanza de Menéndez Pelayo y su biblioteca), Comillas, Cabezón, Torrelavega, Santillana, San Vicente, Limpias, Santoña, Laredo, Castro, los valles interiores, Liébana y los Picos de Europa. Resulta un delicioso texto, en el que se desgranan las interesantes impresiones de un visitante amante de las cosas de España pero, al fin y al cabo, habitante esporádico de una región extranjera. Años más tarde publicó, con el pseudónimo de Trevor C. Smith, San Sebastian and the Basque Country (University of Liverpool, 1935). Esta producción de Peers relativa a la difusión de las tierras españolas representa un porcentaje ínfimo de toda su obra, en la que destacan sus estudios sobre la ascética y la mística españolas y sobre todo sus análisis sobre el Romanticismo español. Sin embargo es de valorar que se haya traducido un libro sobre Santander que era muy poco o nada conocido.<br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:85%;"><strong>por MARIO CRESPO<br /></strong></span><br /><br /><span style="font-size:180%;color:#333399;">MÚSICA</span><br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Espectáculos</span><br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:130%;color:#333399;">El Festival Internacional de Santander<br />y el mito del eterno retorno<br />Balance de la LVII edición del FIS<br /></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por REGINO MATEO</strong></span><br /><br />Más de medio siglo ya desde que el Festival Internacional de Santander dio sus primeros pasos, convirtiéndose en una referencia para la música y las artes escénicas del panorama nacional. Más de medio siglo en el que las viejas tarimas de la Plaza Porticada primero y la más fría escena del Palacio de Festivales de Cantabria ahora han sido testigos privilegiados de noches importantes verano tras verano. Toda una historia que ha hecho del FIS un referente dentro de esa mitología cultural identitaria que nos quiere algo así como atenienses septentrionales y que nos hace esperar cada vez un paso adelante que confirme la riqueza de ese patrimonio que la sociedad santanderina ha hecho suyo.<br />La primera aproximación a la programación desarrollada el pasado verano provoca ya algunas reflexiones, a partir de las cuales quiero articular este texto en dos miradas que a veces se cruzan, pero que exigen análisis diferentes. La primera de ellas, más crítica, se centra en lo que apreciaría como ausencia de un ingenio estructurador tras el entramado institucional. La segunda, necesariamente toma como punto de referencia a los artistas y compañías convocados y la realidad de sus interpretaciones. Y se hace necesaria esta disociación porque suele ocurrir por estos pagos que no estar conforme con los planteamientos del Festival suponga para muchos discutir el muchas veces indiscutible nivel de interpretación. Y viceversa, cuestionar lo que en términos estrictamente artísticos ocurriera en el escenario se lee como una mirada negativa sobre las manos responsables de la programación.<br />En este sentido, la quincuagésimo séptima edición de nuestro mayor evento cultural, y desde el segundo elemento de análisis, el más centrado en la calidad artística, ha sido una edición correcta. Sin más. Por un lado, hay que señalar que cuando el Festival coincide con el Concurso Internacional de Piano de Santander, tres jornadas le quedan reservadas a éste, jornadas que no deben ser estrictamente sujeto de la mirada crítica por tratarse de un certamen. No es fácil que solistas y orquestas alcancen el entendimiento necesario con nada más que un par de pases previos a las semifinales o final, no es fácil delimitar el efecto de la tensión nerviosa de los concursantes. Y en cualquier caso, no es justo someterlos al mismo escrutinio que a los profesionales. Baste decir que el Concurso transcurrió por sus fueros habituales, que fue el año (como estaba previsto de antemano) de China, y que a mi favorito (un joven ruso de extraordinaria musicalizad) lo descabalgaron en semifinales.<br />Desde su traslado al Palacio de Festivales, uno de los cambios de planteamiento experimentados por el Festival es la relevancia que se otorga a la ópera. La gran propuesta fue (debería haber sido) un Sansón y Dalila de Saint-Saëns que resultó pretencioso y no fue capaz de colmar las expectativas generadas por tan bella página. Una excelente lectura orquestal y una creciente Julia Gertseva contrastaron con una escenografía tan ineficaz en lo narrativo como incoherente en lo conceptual y con un José Cura como siempre pasional y excesivo pero de técnica inestable. Pero Cura canta así, por lo que no creo que su errática interpretación del rol protagonista extrañara a nadie. Se le ama (inexplicablemente) o se le odia. No caben otros matices.<br />Como complemento, el Festival se inauguró con un programa patchwork; esto es, retales inconexos de obras que sólo buscan el lucimiento de los cantantes en una sucesión más o menos afortunada de fragmentos populares. Vamos, como Los 40 Principales, pero en versión operística. Suele ser difícil sacar adelante con verdadera maestría este tipo de programas, pero ni siquiera el interés y la profesionalidad de los dos cantantes, la soprano Eva Mei y el bajo Giacomo Prestia pudieron salvar una noche que se hundió por el lastre de una orquesta desbaratada y una dirección ausente. Sin embargo, la velada dedicada al Barroco francés por Les Arts Florissants y la mezzo sueca Anne-Sofie von Otter, fue todo un lujo. Von Otter conoce el repertorio, cuenta con una voz hermosísima y su técnica es impecable. La exquisitez con que leyó los aires de corte de Lambert ha sido, sin duda, una de las cimas interpretativas del verano. A su lado, William Christie y su espléndido conjunto de instrumentos antiguos nos resarcieron de la parcial decepción que supuso su anterior visita al Festival. Esta vez sí sonaron como los conocemos. Dentro de esta mirada a la ópera, la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa vino acompañada por esa soprano maravillosa que es Karita Mattila. Una lástima que no se aprovechara a una de las más reputadas intérpretes de lied orquestal para explorar este repertorio tan olvidado por nuestro Festival, y que en cambio se programara un nuevo y caótico patchwork con retales de Janacek y Tchaikovsky. Por cierto, hemos sido realmente originales: tan preocupados como estamos por la ópera y su mundo, y en pleno año Puccini nos olvidamos de las grandes óperas del italiano y lo relegamos al exilio de los marcos históricos con programas e interpretaciones muy menores.<br />Ya que hablábamos de la Orquesta de la Radio Finlandesa, hay que recordar que la presente edición se presentaba como un gran homenaje al director castreño Ataúlfo Argenta. Muy poco de Argenta había en la programación, muy poco de reivindicación de su figura, sus pasiones y sus éxitos, y ni siquiera estuvieron las dos orquestas de su corazón y su vida, la Orquesta Nacional de España y la Orquesta de la Suisse Romande. Pero sí es verdad que tuvimos la oportunidad de escuchar a varias formaciones orquestales de primera línea (no las mejores del mundo, como machaconamente se nos informaba desde instituciones y Festival, con esa obsesión absurda por el superlativo en un campo tan poco dado a las exageraciones competitivas como el arte, pero sí desde luego importantes). Los finlandeses nos regalaron un bellísimo programa Sibelius, donde brilló como remate de oro su poema sinfónico Finlandia, bajo la batuta de un Sakari Oramo que tal vez sea hoy el músico que mejor ha entendido el alma de su compatriota. De la misma manera, Temirkanov, bien conocido ya por los aficionados santanderinos, volvió a enfrentarse a ese repertorio ruso que tan bien traduce en perfecta comunión con su orquesta, la Filarmónica de San Petersburgo. De entre las obras elegidas, la Suite de Petrouschka, de Stravinsky, y el arreglo orquestal que Ravel realizara para los Cuadros de una exposición de Mussorgsky, me parecieron dos interpretaciones de referencia, insuperables por la riqueza de matices, de texturas y la exhibición de toda la paleta de timbres de la orquesta.<br />Se esperaba a Mehta y su Novena Sinfonía de Beethoven, pero antes le escuchamos en un programa donde ofreció intensidad wagneriana a la Obertura del Tannhäuser y a ese Preludio y muerte de Isolda que debe de ser un extraño fetiche para alguien, ya que no parece posible en los últimos años una edición del Festival en que no lo toquen. ¿Nadie sabe qué obras y artistas se repiten de un año para otro? Porque no me irán a decir que tanta Isolda es deliberada ... Y en lo que se refiere a la Novena, digamos que la opción de Mehta de explorar las complejas estructuras compositivas y realzar el armazón más que el corazón, provocó una sinfonía un tanto desprovista de pasión. Y cuando a Beethoven se le desnuda de esa fiera convulsión romántica que siempre va aparejada a su música, pierde mucho (como ya tuvimos ocasión de comprobar en otras lecturas estructurales que han pasado por la Argenta, como la de Genadi Rohzdetsvenski con la Sexta). Adecuados los solistas y pobre el Orfeón Donostiarra, como ya viene a ser una costumbre en una formación coral a mi juicio sobrevalorada. Al menos en sus últimos años.<br />Mucho ha perdido la extensión del Festival hacia los llamados Marcos Históricos. Pero me parece esencial recordar que dos de las mejores propuestas de la última edición han tenido lugar en este ciclo paralelo: el clavecinista Nicolau de Figueiredo y, sobre todo, ese prodigio de sensibilidad, sensualidad y musicalidad que es el conjunto madrigalístico que creara el contratenor italiano Claudio Cavina: La Venexiana.<br />Dejo para el final un breve apunte sobre el primero de los elementos que apunté al principio de este artículo. Hace ya tiempo que la repetición de obras e intérpretes es una constante del Festival. De la misma manera que es constante cómo se desaprovechan las oportunidades que marcan las efemérides del calendario para explorar, encargar y aportar un poco de frescura, obras nuevas, miradas nuevas sobre viejos compositores, y generar programaciones con un cierto entramado de hilos conductores que permitan construir un desarrollo del Festival diferente cada edición. Antes apuntaba el caso de Puccini, pero sigue igual medida que a Monteverdi se le pasara por alto el año pasado, cuando se celebraban los 400 años de la puesta en escena de la primera ópera de la historia, y se le recuerde éste. Como es extraño que se quiera hacer un recuerdo a Messiaen sin obras de Messiaen o que olvidando que Argenta adoraba la zarzuela y que era el aniversario de Chueca no se aprovechara para fundir los dos homenajes en la producción de alguna de las zarzuelas principales del madrileño.<br />Y es que en los últimos años, las ediciones del FIS se suceden pareciéndose demasiado las unas a las otras. O a lo mejor es que imbuido también el Festival de la leyenda dorada de la Atenas del Norte, han recuperado la vieja cosmogonía del eterno retorno, reinventada por Nietzsche. En fin, visto lo visto (y escuchado lo escuchado) ¿cómo será el Festival Internacional de Santander de 2009? O mucho cambian actitud, ideas y criterios y somos capaces de reinventarlo, o sería tristemente fácil hacer una quiniela.<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Samson et Dalila<br />La “apuesta” operística de la LVII edición del FIS</span><br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por ROBERTO BLANCO</strong></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAVFMMx3EHwTpxLHiLWYUMfnvRqBv8WFj_7qPGg0frcWFn8HFZ5ev633mnnahRTQamkbE1rUPhTR9CJm2LkBn3xagrfwi2QSWRv56jhaB9IIkDKUOm1O5dmxhcvWcs-TsMmAYarRlrqb1A/s1600-h/SAMSON_ET_DALILA.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 180px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420929175821236306" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAVFMMx3EHwTpxLHiLWYUMfnvRqBv8WFj_7qPGg0frcWFn8HFZ5ev633mnnahRTQamkbE1rUPhTR9CJm2LkBn3xagrfwi2QSWRv56jhaB9IIkDKUOm1O5dmxhcvWcs-TsMmAYarRlrqb1A/s320/SAMSON_ET_DALILA.JPG" /></a>La única ópera de Camille Saint-Saëns que se mantiene en el repertorio, Samson et Dalila, es una obra repleta de “ismos”: exotismo, erotismo, academicismo, misticismo, arcaísmo... Y es también una ópera erudita fruto del mejor oficio de su autor, que debe la popularidad al dúo de amor del segundo acto y a la bacanal del último. Esta obra ha sido la elegida por el Festival Internacional de Santander para cumplimentar el apartado operístico en sentido estricto, proponiendo una producción del Teatro Comunale de Bologna en colaboración con Wallonie, Trieste y Wroclawska, y con el acierto de confiar su dirección musical a Eliahu Inbal, un director suficientemente experto para manejar esta ópera considerada como “difícil” por el tipo de vocalidad empleada -basada en una vigorosa declamación y centrada en las tesituras agudas de los distintos registros-, por los problemas que plantea su puesta en escena -de la hipertrofia espectacular que se espera de una obra que combina dramaturgia de grand-opéra y oratorio- o, en fin, por la complejidad de las piezas corales de ardua y no fácil ejecución.<br />La dirección escénica de Michal Znaniecki fue mucho más controvertida. El regista polaco abandona las referencias espacio-temporales de la época veterotestamentaria y sitúa la acción en un espacio claustrofóbico y marmóreo. Al comienzo da la sensación de estar en los años treinta por el vestuario gris de los hebreos que además calzan botas militares, pero cuando aparecen Abimelech y los filisteos -en la parte superior de un escenario que deja la inferior para los sojuzgados hebreos- se produce la descontextualización, con un vestuario entre Guerra de las galaxias y Scherezade (Dalila y las filisteas con enormes gorros en forma de cebolla). Entra Sansón en escena con su melena cubierta y se pasea entre los hebreos -dispuestos en filas marcialmente ordenadas- que exhiben libros sagrados y torah semiquemados mientras dos hebreas dibujan la menorah con tiza en el suelo de la boca del escenario. Sansón estrangula a Abimelech y lo deja colgado de un muro hasta que dos soldados filisteos con los rostros pintados con figuras dragonescas lo recuperan y lo transportan por una oculta y estrecha escalera. Después tiene lugar una ceremonia de purificación donde los hebreos limpian con agua sus manos manchadas con la sangre de su revuelta contra los filisteos.<br />En el segundo acto no estamos en la casa de Dalila del fértil valle de Sorek, sino en una especie de piscina vacía a la que se accede mediante puertas secretas ocultas por lastras correderas de mármol; al fondo, dos monóforos verterán sangre (presumible metáfora del acto de comisión del pecado) en el momento en que Sansón caiga en las redes de Dalila y confiese el secreto de su arma de destrucción masiva… Muy poco sensual es la yacija tirada en el suelo bajo un trapo sujeto por cuatro palos que hace las veces de dosel y que luego servirá para inmovilizar y capturar al ya desguedejado juez hebreo. Y en vano Dalila regará el catre con pétalos de flores que extrae de su “casco”: el erotismo está ausente y no aparece ni siquiera en el clímax con que concluye el acto.<br />La dirección escénica no cambia en el último acto: tanto el coro como los protagonistas y los figurantes no parece que desarrollen una acción, pero el número de danza y la espectacularidad del final se le hurtan al espectador, que no percibe ni tensión dramática ni fuerza teatral. La famosa bacanal la convierte Znaniecki en el ya muy recurrente tema del genocidio judío: es una orgía de sangre en la que se humilla, tortura y ejecuta de cien formas distintas y uno a uno a los hebreos enjaulados, quedando los “cadáveres” diseminados por todo el escenario, aunque minutos después se levanten para dejarlo libre antes de que el templo se desplome. Ahora bien, el supuesto derrumbe se limita a dos columnas levemente inclinadas, dos escaleras abatidas y un telón negro que desciende a media altura.<br />El tenor argentino José Cura construyó un Sansón histriónico y super-macho, sacando provecho de toda ocasión para lucir su body musculoso La tesitura central del papel le va bien a su voz, de timbre amplio con veladuras oscuras, pero su agudo es poco seguro y se aprecia fatiga en el paso del registro central al agudo. Cantó bien el segundo acto pero en el tercero sus gemidos y lamentos atado a la noria fueron excesivos y sobreactuados.<br />Julia Gertseva como Dalila fue una estatua tan marmórea como el decorado. Posee una voz de bello color con matices oscuros, con graves timbrados y sonoros, registro central suntuoso y potente, aunque el agudo no sonó muy sólido ni seguro, llegando alguna vez al grito. Concibió una Dalila gélida, con una expresión carente de veladuras eróticas y de sentimiento en voz y gestualidad.<br />Mark Rucker, embutido en un incomodísimo atuendo que le impedía gestos y movimientos, fue un Gran Sacerdote de voz amplia pero monótona, sin desplegar matices. Poco audible el Abimelech de Mario Luperi y correctos Ivica Cikes (viejo hebreo) y Cristiano Olivieri (mensajero filisteo).<br />Y el gran protagonista, como avanzábamos al principio, fue Eliahu Inbal, dirigiendo a la Orquesta del Comunale de Bologna con perfección y emotividad, con toques delicados en las páginas más sensuales de la partitura y obteniendo colores envolventes y sedosos. El coro, finalmente, llevó a cabo una correcta prestación, cuidada y bien ensayada.<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Regreso del binomio ópera-cine<br />Sobre las proyecciones operísticas programadas<br />en las salas Cinesa de Santander</span><br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por ROBERTO BLANCO</strong></span><br /><br />La plausible iniciativa de transmitir representaciones operísticas en tiempo real que se inició el pasado febrero con una Elektra del Liceu barcelonés y que se frustró meses después con el fallido L'Orfeo del real madrileño, regresó en septiembre por la puerta grande con una impecable retransmisión digital del Don Giovanni mozartiano que inauguraba la nueva temporada de la Royal Opera House, Covent Garden, de Londres.<br />Y de nuevo hay que lamentar la escasa comparecencia de público a un espectáculo cinematográfico, operístico y audiovisual de gran calidad servido con profusión de medios técnicos por Opus Arte, el sello propiedad del Covent Garden que produce y comercializa gran parte del mercado de ópera en formato DVD.<br />El amante de la ópera dispondrá aún, antes de que finalice el año, de la posibilidad de acceder a otras cinco representaciones más: Un ballo in maschera verdiano que inaugura la temporada del Teatro Real de Madrid, en septiembre; La Sonnambula de Bellini desde el Teatro Lírico de Cagliari en octubre, Carmen de Bizet (en diferido) desde el Anfiteatro de Macerata en noviembre, y en diciembre la Aida del Teatro Massimo de Palermo y Hansel y Gretel de Humperdinck desde la Royal Opera House londinense, anunciándose otras diez óperas más para el 2009.<br />El Don Giovanni que se pudo disfrutar en la sala santanderina de Cinesa es la reposición de la producción que Francesca Zambello presentara hace seis años en el mismo teatro con los decorados de Maria Björnson, un aparato escénico un tanto limitante que encasillaba la acción. Pero la genial música de Mozart la servía el gran Charles Mackerras, quien hizo una versión muy fraseada y ágil, siempre elegante y con pulso. Los cantantes, ubicados a menudo en lugares incómodos, no siempre lograron una buena prestación, empezando por Simon Keenlyside, un Don Giovanni capaz de mucho humor pero también cruel y despiadado y extremadamente cínico, muy impaciente en su seducción a Zerlina que, interpretada por la mezzo Miah Persson, fue de las mejores del elenco. Kyle Ketelsen presentó un Leporello impecable, nada convencional y muy convincente en escena, y Ramón Vargas un Don Ottavio de buena linea vocal y nada tonto. De las dos protagonistas femeninas, Marina Poplavskaya fue una estatuaria Donna Anna, pero Joyce Di Donato hizo una excepcional Donna Elvira que cantó e interpretó maravillosamente su papel.<br />Un gran acierto fue, por otra parte, que durante los largos más de treinta minutos del entreacto se emitiera un documental mostrando las dependencias y entresijos del famoso teatro londinense, y que su director musical, Antonio Pappano, dejara que Mackerras y Zambello expresaran su visión y opiniones sobre la inmortal obra mozartiana.<br />Una semana después, esta vez en diferido, la misma sala cinematográfica exhibió la grabación de la ópera de Rossini L'Italiana in Algeri efectuada en agosto de 2006 en el Teatro Rossini de Pesaro, con regia de Dario Fo y dirección musical de Donato Renzetti, que ha publicado el sello Dynamic. La concepción de Fo aporta a la locura y frenesí musical de Rossini el movimiento perpetuo y rápido de todos los elementos escénicos, creando elementos de auténtica esquizofrenia y recurriendo a técnicas escénicas que nos remitían al teatro barroco italiano, a la commedia dell'arte y al espectáculo de sombras chinescas. No hubo en esta producción ni un momento de calma, con unas cámaras que se muestran muchas veces incapaces de exponer al completo la dimensión de un espectáculo servido por voces notables e idóneas para este repertorio. La música agradable de Rossini y el libreto fácil hacen de esta ópera una de las más adecuadas para el espectador no muy iniciado en el género lírico.<br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">ARTE</span> </span><br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Un museo privado</span><br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por FERNANDO ZAMANILLO</strong></span><br /><br />Fernando Zamanillo inicia su particular “sección” artística con este texto, acercándose a la exposición “Despacio” de José Luis Mazarío, celebrada en el Casyc de Caja Cantabria.<br /><br />Dice el antropólogo y sociólogo francés Pierre Sansot, en su libro Del buen uso de la lentitud (Barcelona, 1999), que esta no significa la incapacidad de adoptar una cadencia más rápida. Se reconoce en la voluntad de no precipitar el tiempo, de no dejarse atropellar por él, y también de aumentar nuestra capacidad de acoger el mundo y de no olvidarnos de nosotros mismos en el proceso. También dice que a sus ojos la lentitud es sinónimo de ternura, de respeto, de la gracia de la que los hombres y los elementos a veces son capaces.<br />He de decir que no son casuales, ni tampoco forzadas estas citas del pensador francés, sino que a ellas me he visto impulsado en primer lugar, por empatía, y en segundo, por el título que José Luis Mazarío dio a su exposición del pasado año en la sala de Caja Cantabria, de Santander. Ni tampoco forzadas, me repito e insisto, pues indican, a mi entender, perfectamente el tempo, tiempo, carácter y voluntad, del artista en su trayectoria vital y profesional.<br />Así pues, en esta línea de sentimientos, quiero iniciar dentro de mi habitual colaboración en esta revista una sección dedicada a mis artistas favoritos, con la clara intención de formar un pequeño museo imaginario muy de mi gusto particular. Y en consecuencia dejo al iniciado lector, por supuesto, eso es algo inevitable, la libertad de visitarlo con su entera capacidad de crítica.<br />De aquella exposición de Mazarío hubo dos cosas que me llamaron profundamente la atención: una, el título, Despacio, como ya he dejado claramente expresado, y la otra, la personalísima selección de obras en un recorrido de casi quince años, desde el año 1993 hasta el 2006. Creo que uno y otra van en exacta correlación de significados y los dos apuntan en la dirección que he ya he manifestado desde el principio.<br />Abría la exposición, no sin un claro propósito, un primer cuadro, de 1993, titulado elocuentemente El tiempo. Un óleo sobre papel, de formato alargado, en el que se veía, sobre el fondo verde, ocre y azul de un paisaje marino, una figura humana que cargaba sobre sus hombros y brazos otra similar en sombra y descabezada, que se alzaba hacia el cielo y sobre la línea del horizonte; cerraba el cuadro a la izquierda una pequeña casa en solitaria blancura. Una doble y correcta concepción del tiempo, representada alegóricamente en esas dos silentes figuras que se superponen la una sobre la otra: el tiempo subjetivo, el continuo devenir del ser, la duración real, junto al tiempo objetivo y dimensionable, el continuo espacio-temporal.<br />Entre este cuadro de 1993 y uno que no estaba en esa exposición y que aporto yo intencionadamente como cierre de esta primera sala de mi museo imaginario, y al que me referiré más adelante, titulado Las cinco, dedicado a Leopoldo Rodríguez Alcalde, y fechado en el pasado año de 2007, el pintor desarrolló una exposición que hacía honor, creo que deliberadamente, a la lentitud, actitud vital hoy en día verdaderamente rara, pero todo un tesoro de bondades, ternura, respeto, gracia… Si le pudiéramos dar un tempo musical a la trayectoria artística de José Luis Mazarío, yo le daría el de andante, assai lento, dolce ed espressivo. Una trayectoria dilatada en el tiempo desde que yo le conociera allá por el año 1985 a poco de abrir la Galería Siboney, encontrándose él a punto de iniciar el último año de carrera en Bilbao, ciudad en la que le visité en su pequeño estudio vivienda del Barrio de San Ignacio, en Deusto.<br />En aquella ocasión anoté de una manera casi definitiva los valores más significativos del entonces futuro artista: un magnífico aprendizaje, y ya conocimiento, del color y de la luz que lo genera, un gusto muy señalado por el paisaje, entonces historicista, como correspondía a sus grandes admiraciones, Lorena, Poussin, Böcklin, Friedrich y otros clásicos y románticos, para atemperarse posteriormente a través de los paisajistas ingleses del siglo XIX y finalmente consolidarse en una manera personalísima, con lejanos ecos de pintores italianos y franceses del principios del siglo XX, como señala Juan Manuel Bonet en el ensayo que precede al catálogo de esa exposición citada. De esta manera, pues, todo un bagaje maravilloso de aprendizaje que el artista ha ido visitando con la serenidad, pausa y alegre perspicacia que tiene un espíritu curioso, abierto, tranquilo y reposado como yo siempre he apreciado que es el suyo.<br />Este sentimiento por el paisaje tan profundamente arraigado en Mazarío le ha llevado a representarlo con insistencia como escenario en la mayor parte de su producción pictórica, sin que por ello hayamos de concebir a nuestro artista como un pintor eminentemente paisajista, como tampoco es, a su vez, un pleno pintor de interiores o retratista, por encima de cualquier otra clasificación de géneros. Mas sí llama la atención, y además nos seduce intensamente por esta vía, su “fuerte conciencia del paisaje en torno, de pertenencia al mismo”, que dice J.M. Bonet. Pero esta pertenencia, pienso yo, es sentimental y nunca descriptiva, pues no pertenece nada más que a su invención después de una previa interiorización. Decía Toulouse-Lautrec que sólo la figura existe y que el paisaje no debe ser más que lo accesorio, que el pintor paisajista puro no es más que un bruto y que el paisaje no debe servir sino para comprender mejor el carácter de la figura. Nosotros, si contemplamos pausada y analíticamente la obra de Mazarío a lo largo de los años, nos daremos cuenta de que participa plenamente de igual sentimiento que el pintor francés. Y añadía y sigo sosteniendo que tampoco es un retratista pleno ni un pintor definido de interiores, pues figuras humanas, objetos y otros elementos figurativos no son más que vehículos de sentimientos estéticos puros que se dejan impregnar intencionadamente del simbolismo que el artista oportunamente les dota. Es decir, pues, puras abstracciones sentimentales que unas veces, rozan racionalmente lo conceptual y otras, automática o maquinalmente, algunos mundos ensoñados y surreales, propios del subconsciente del pintor. En cualquier caso, nos encontramos ante un artista eminentemente romántico que dota a sus obras de una melancolía controlada, un poeta de imágenes sin palabras, cuyas figuras se expresan con serena delicadeza, cuyos paisajes se presentan con igual morbidez, cuyos interiores y objetos, vasijas, flores, frutas, nos hablan de dulces y nostálgicas soledades, y todo ello, en fin, del paso del tiempo interior, ese continuo devenir que a todos nos une y arrastra sin aparente fin.<br />Las últimas series de cuadros de la exposición Despacio, propias del año 2006, y las posteriores de los no representados en la misma, el año 2007 y el siguiente 2008, han ido adquiriendo un colorido encendido, fortísimo e irreal, casi ardoroso, que nos hace pensar en un nuevo fauvismo muy personal, pero que también me lleva a recordar los primeros cuadros de Mazarío que yo viera en aquella su primera exposición de 1985, en el Centro Cultural Madrazo, cuando practicaba aquel otro fauvismo más nervioso y también más superficial, de pequeñas bandas de color en agitadas diagonales e iridiscentes luminosidades. Al artista siempre le plugo sobremanera la libre y extrema utilización de una amplia gama cromática, hallando en ella todo el poder poético y simbólico que requiere para comunicarnos sus tan henchidos como sosegados sentimientos en contrapunto. Solamente por la poderosísima expresividad del color llevado a tal extremo son posibles también las libertades formales que se permite: esas bandas sinuosas del paisaje, tierra y cielo, campo, mar y nubes, esos celajes rojos y rosáceos de atardeceres tan posibles como irreales, esos contraluces vivísimos, potentes, esos árboles que susurran una brisa ardiente, esos rincones con mesas y sillas de colores rojos, rosas, verdes y azules de una intensidad tal que, junto a tanta sinuosidad y retorcimientos formales, nos llevan a recordar, cosa propia en un pintor de tamaña cultura y sensibilidad, el modelado de Hermen Anglada Camarasa, reforzado por el color de Maurice De Vlaeminck, o de Andrè Derain y los posteriores Matisse e Iturrino, y tantos otros que cita Juan Manuel Bonet en el catálogo de la exposición, lección de erudición y sensibilidad, a su vez, que no es mi deseo emular aquí, remitiendo al lector al referido texto del crítico madrileño. El artista, en fin, nos recuerda lo difícil que es saber si el mundo en el que vivimos es sueño o realidad. Difícil, pero no menos atractivo y tentador como es asimismo encontrarse, sin miedo y llenos de curiosidad, en tan encantador desdoblamiento.<br />Llegados a este punto, deseo insertar en esta primera sala de mi museo imaginario un cuadro muy especial de nuestro artista que admiré en su última exposición de la Galería Siboney en la pasada primavera y al que antes me referí: una pequeña pintura, de formato cuadrado, titulada Las cinco, y dedicada a su amigo Leopoldo Rodríguez Alcalde. El homenaje a la memoria del amigo muerto y qué mejor que la alusión, no al tiempo perdido, sino al tiempo siempre ganado, enriquecedor para el artista, de sus acostumbradas citas a las cinco de la tarde. Entre esa hora y las siete se detenía, y después se detuvo ya para siempre, el reloj de la amistad, del placer de la conversación siempre aguda, culta y sensible, entre uno y otro y a veces con más amigos comunes. Una carpa, alusiva al circo de la vida, tema tan querido, el del circo, por el artista en sus última series de cuadros, que le permite explayarse en colores de alegría, el intenso rojo y azul de la tela, bajo otro no menos intenso esmeralda del cielo, una torre cuadrada que muestra dos grandes relojes, uno en sombra, con todos los elementos que señalan el tiempo que entendemos como real, y en el lado iluminado de la torre que nos afronta, otro reloj, sin agujas y con el número cinco tres veces, entre esa hora y las siete, el tiempo sentimental, subjetivo, que decía al principio, paradas dos horas en la memoria, lapsus de recuerdo y homenaje. Y la figura, el amigo, mirando en lontananza, dándonos la espalda, marchando hacia esa luz sin ningún tiempo. Pienso en Ocho y medio, de Fellini. Pienso en la pintura metafísica. La alegría y el sarcasmo. La vida y la muerte. Y veo dos cuadros, dos paréntesis que enmarcan una exposición, Después, una sala de mi museo imaginario, la primera.<br /><br /><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">La feria de arte en tiempos de crisis<br />Reflexiones sobre el mercado del arte al hilo de la última edición de Artesantander</span><br /></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por MARTA MANTECÓN</strong></span><br /><br />En los últimos años se publican reiteradamente ensayos sobre prácticas de legitimación institucional, agotamiento de los fenómenos de bienalización y ferialización de la industria cultural, caos expositivo y mala gestión de las artes. Todos ellos dibujan un panorama bastante desolador del mercado artístico en el que, sin embargo, los distintos agentes seguimos aportando nuestro grano de arena (Umberto Eco ya habló en su momento de los apocalípticos como integrados). Está claro que la situación que vive el arte en nuestro país no es ningún “edén” y, pese a la permanente sensación de crisis -latente o efectiva-, la máquina sigue funcionando sin parar. Las ferias de arte actúan como un engranaje más dentro de este mecanismo, que aprieta y engrasa las tuercas para que todo marche como es debido; igual que los salones del mueble, del motor o del turismo, constituyen una estrategia mercantil con la que fomentar el consumo, propiciar el encuentro entre el potencial comprador y el objeto de deseo, y reafirmar el todo-va-bien que aleje cualquier sensación de desconfianza. El resultado es que unas se parecen a otras, dado que la mayoría procura adaptarse a los patrones marcados por referentes internacionales como Art Basel, la feria de las galerías por excelencia.<br />La obra de arte es un objeto de placer, de pensamiento, pero también de consumo y especulación. La finalidad de la feria es, consecuentemente, comercial y las leyes del mercado mandan, a pesar de su incuestionable dimensión cultural. Por esta razón, los diagnósticos destructivos que suelen rodear a este tipo de eventos, carecen muchas veces de sentido. En primer lugar, porque se tiende a confundir la feria con un espejo del arte contemporáneo, barómetro de tendencias o, en el peor de los casos, una suerte de “bolsa” de la cultura que dictamina cuáles son los mejores valores (y si bien es cierto que el valor de las cosas suele interpretarse en términos económicos, lo que más se vende no tiene por qué coincidir siempre con lo mejor). En segundo lugar, porque le pedimos a las ferias que cumplan la misma función que las bienales o las grandes exposiciones colectivas, cuando éste no es ni debe ser su cometido.<br />Los intereses son radicalmente distintos en función del papel que cada uno represente dentro de esta industria. La feria, en este sentido, constituye un espacio de intercambio que realiza una importante labor catalizadora. Los artistas, contentos de entrar en el mercado, trabajan como posesos para llevar una propuesta original que logre el favor de la crítica y el público y, de paso, les permita obtener una más que merecida remuneración. Ante la apatía generalizada de las instituciones culturales hacia ellos, las galerías se ven obligadas a realizar un papel cultural que no les corresponde y esperan ver recompensado su trabajo de promoción y divulgación, demandando iniciativas que permitan un contacto más estrecho con los coleccionistas que, durante unos días, se convierten en dueños y señores del cotarro. Estos a su vez secundan a los críticos y comisarios, que aprovechan la feria para contactar con galerías y artistas que les ayuden a generar proyectos con los que ser contratados por las instituciones culturales, cuyo cometido debiera ser promover políticas que acojan a los artistas que, de nuevo, precisan de las galerías. Se genera de este modo una espiral infinita en la que maniobrar en sentido contrario resulta difícil (y esta región es un excelente ejemplo de tal situación, dada la cantidad de proyectos alternativos desaparecidos o fracasados en los últimos años). En medio de todo este entramado, el ciudadano de a pie, curioso, se acerca a la feria cada nueva edición a ver qué se cuece en esto del arte contemporáneo, de modo que la visita se convierte en un espectáculo cultural más (siempre queda muy bien aproximarse a la “alta” cultura y, por un día, es mucho mejor que recorrer los hipermercados de las afueras). Y aquel que posee una “atmósfera de arte” -en palabras de Danto-, disfruta con más intensidad de la visita, descubriendo nuevos valores o acercándose a las últimas creaciones de aquellos artistas que le interesan; y, con suerte, nacerá algún nuevo coleccionista.<br />La última edición de Artesantander, la número diecisiete, se cerraba con la participación de 40 galerías elegidas por un comité externo y un considerable número de visitantes. Desde que Juan González de Riancho tomara sus riendas, comenzaba a vislumbrarse la etiqueta de contemporánea en una feria en la que “casi todo valía”. Buen conocedor del mercado del arte, decidió dotarla de un carácter más selectivo, mejorando la calidad de sus contenidos y la claridad en su exposición. Cumpliendo con su principal cometido de animar las transacciones comerciales, Artesantander ponía en marcha un ambicioso programa de coleccionistas que fomentara el contacto entre los distintos agentes; un foro de conferencias y mesas redondas que, con el tiempo, se ha ido orientando hacia el debate sobre el coleccionismo y el papel de las ferias, procurando estrechar aún más el cerco y, de paso, incrementar el perfil cultural del evento; y un programa de arte en el mobiliario urbano que, por quinto año consecutivo, sirviera de reclamo publicitario (resulta atractivo ver obra de artistas en medio de la ciudad, pero sería deseable que en futuras ediciones este programa incluyera, además de los soportes bidimensionales claramente delimitados que se han venido utilizando hasta ahora, nuevos espacios y manifestaciones creativas que reduzcan la distancia entre arte y viandante). Las polémicas de antaño entre “lo bueno-arriba” y “lo malo-abajo”, se saldaban con la puesta en marcha de Cotauno, una iniciativa en la que, el otrora “salon des refusés”, se transformaba en un espacio donde se brindaba a los artistas de Cantabria la oportunidad de inscribirse en nuevos circuitos de legitimación, dotando a la feria de un interés adicional. Doce galerías concurrían este año en el programa, siendo las responsables de seleccionar al artista que querían promocionar, por lo que habrá que imputarles a ellas la buena o mala elección -e incluso la repetición o no- de los nombres.<br />Con la crisis (o recesión) como telón de fondo, Artesantander mantenía su tamaño y transcurría sin grandes sorpresas, apostando por un arte homologado, donde los pequeños y medianos formatos dominaban, quizá para adaptarse a los tiempos de fragilidad económica; recurriendo a la jerga de los grandes desfiles de moda, digamos que el prêt-à-porter destacaba por encima de los grandes diseños. La nómina de creadores históricos se reducía considerablemente, si bien cabía reseñar a un buen número de artistas que presentaron obras de indudable interés (tanto arriba como abajo). Las galerías participantes, algunas muy jóvenes y otras ya consagradas en el panorama nacional e internacional, mostraban un patrón similar (las personas ajenas al medio apenas advertían diferencias entre los stands), optando por promocionar o dar a conocer a los creadores que ofrecían mejores garantías de compra y manteniéndose dentro de unos parámetros que facilitasen las transacciones, de ahí que las manifestaciones artísticas no objetuales o efímeras carecieran de espacio. Se apreciaba un claro predominio de la obra sobre papel -quizá lo más interesante de la presente edición- y la fotografía sobre el resto de disciplinas artísticas. En general, la visita resultaba amena y cómoda, con una oferta abundante y atractiva para todos los bolsillos, gustos e intereses.<br />A punto de cumplir su mayoría de edad, Artesantander ha ido perfilándose como una feria pequeña de la periferia ibérica, digna, cuidada y selectiva -que no es poco-, que a medida que avanzan las distintas ediciones se va convirtiendo en un referente en el norte de España y que, seguramente, irá generando cada vez más dinámicas culturales paralelas en la ciudad.<br />Corren tiempos difíciles, pero si no se apoya y valora el tremendo esfuerzo que conlleva la puesta en marcha de un evento de estas características y la crisis persiste (supongo que tal situación puede influir en una menor atracción de los coleccionistas, cuyo número debe ser de una magnitud suficiente como para sostener una feria que se apoya en buena medida en compras institucionales), siempre podrá recurrirse a la venta por catálogo o a una feria que, emulando a la bienal que Ivo Mesquita concibió para São Paulo, se inaugure sin artistas, sin obras y, por qué no, sin público que participe de esa otra faceta que las ferias de arte -pese a su carácter comercial- llevan consigo: la celebración de la cultura.<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">La creación en el fuego<br />Paseo por la vida y obra de Jean-Michel Basquiat</span><br /><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por LIDIA GIL</strong></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRdVlO-8Lcnefq8WorS8scWmSh_vrhBP7KJl2mztZNf7GHPqzmIwmFBPyeOlvku03eMylc-yFXEPjI_AdR4ekdrpYP0bxIR7GZOZ-ecPNTBaPSOBCWLub3C8edJRbPz_sWUOZiO4uX568z/s1600-h/Term%C3%B3pilas.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 207px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420929920449309586" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRdVlO-8Lcnefq8WorS8scWmSh_vrhBP7KJl2mztZNf7GHPqzmIwmFBPyeOlvku03eMylc-yFXEPjI_AdR4ekdrpYP0bxIR7GZOZ-ecPNTBaPSOBCWLub3C8edJRbPz_sWUOZiO4uX568z/s320/Term%C3%B3pilas.jpg" /></a>Aparte de la experiencia estética, de lo más puramente vivencial, lo que nos aporta la obra de arte es información sobre nosotros mismos, sobre el ser humano y el tiempo que le toca vivir. Esta información nos es dada por las únicas personas del amplio espectro social que no mienten, los artistas verdaderos, aquellos que lo son porque no podrían ser otra cosa y se enfrentan a la mágica transformación de materia con todo su ser. Esa verdad y no otra es la que se ha identificado desde antiguo con la belleza y sólo por esa razón sabemos que la belleza es a veces extraña, pero eterna e intemporal. Necesitamos que sea así, al menos ella, en un mundo tan falseado, cambiante y complejo.<br />Jean-Michel Basquiat, que nació en Brooklyn en 1960, sólo tuvo 28 años (en los últimos ocho creó la obra que nos ha dejado) para contarnos su verdad y, por alguna razón, después de dos décadas nos sigue convenciendo. Quizás sea porque parece que habló con el corazón y eso hace que sus obras contengan esa extraña belleza que llama poderosamente la atención. Satisfaga o no nuestros gustos, no nos deja indiferentes. Sus cuadros suscitan el deseo del desciframiento y poseen un magnetismo que provoca un encuentro inevitable que nos comunica directamente con el autor. Sus creaciones parecen fragmentos desordenados y caóticos de una suerte de diario personal despedazado por la tormenta. Cada fragmento forma parte de un diario hipertextual, un puzzle en el que se plasman sus sentimientos y opiniones sobre el mundo que le rodeaba.<br />Si bien es cierto que la coyuntura en que se encontraba el mundo del arte en los 80 neoyorkinos, en los que se genera un potente comercio, tantas veces frívolo y especulativo, ayudó a que una historia como la suya (de fulgurante ascenso a la fama partiendo de humildes orígenes) fuese posible. Cuando Annina Nosei se convierte en su marchante principal y René Ricard dedica al artista el famoso artículo “The Radiant Child” en la prestigiosa revista Art Forum, Jean-Michel Basquiat ya era un personaje lleno de energía y carisma que empezaba a destacar en la escena cultural de su ciudad. Había estudiado arte y estaba en contacto con artistas del momento, sobre todo del mundo del graffiti y la cultura urbana. Había expuesto en alguna muestra colectiva y vendía camisetas y postales pintadas por él mismo en la calle. Estaba fuertemente vinculado a la música –que estará presente también en su obra plástica–, sobre todo la de origen negro como el jazz y el blues. Llega a formar un grupo en el que toca el clarinete y el sintetizador. Había aparecido en un show televisivo por cable, había protagonizado una película sobre la escena artística del downtown y había conocido ya a Andy Warhol, relación importante en su vida, tanto a nivel de amistad como mediático. Cuando éste muere, un año antes que él, lamentará profundamente haberse enemistado tiempo atrás. Entrar en el establishment en torno a 1981 le va a permitir ponerse en contacto con grandes artistas y por fin, poder pintar con asiduidad, focalizando así su necesidad expresiva –presente en sus inicios grafiteros– y volcando sobre variados soportes su inconformismo con ciertos aspectos de la sociedad como el excesivo materialismo o la discriminación racial de la que él mismo era víctima al ser hijo de madre puertorriqueña y padre ahitiano. No en vano, el problema de la identidad (propio de la posmodernidad) es uno de los grandes temas presentes en el conjunto de su obra. El espíritu crítico, irónico y contundente que caracteriza al artista, se evidencia ya en el tag con que firmaba sus pinturas callejeras, SAMO, abreviatura de “la misma vieja mierda de siempre”. Otro de los símbolos habituales que identifican sus pinturas es la corona, con la que se asigna la dignidad e importancia de un rey, o el símbolo de copyright, el derecho de marca registrada, una irónica alusión a la propiedad intelectual en una sociedad de consumo. En sus vigorosas pinturas plasmará igualmente sus aficiones y sus angustias existenciales como su peculiar relación con la muerte. Todo su contexto personal y social se convierte en material de trabajo y le sirve para ir configurando una poética propia fuera de los convencionalismos o las corrientes artísticas del momento.<br />En cuanto al aspecto formal su arte está muy ligado a los parámetros del arte primitivo e infantil que empezaron a reivindicarse ya a principios de siglo. Parece que al haber empezado con la pintura inmediata sobre el muro, al modo de la escritura automática de Kerouac, al que admiraba, no tuvo que desaprender todo el arte de academia para ser auténtico y directo con el pincel. Utiliza diferentes técnicas y materiales (otra herencia de sus inicios que mantendrá), mezcla el dibujo esquemático con la figura de corte más expresionista, introduce diagramas, juegos de palabras, mensajes más o menos evidentes o crípticos. Todos estos elementos se organizan en el espacio pictórico de un modo aparentemente caótico pero formando una composición global con una armonía espontánea y particular muy intuitiva que funciona con solidez. Basquiat traslada a sus obras el paradigma complejo que atraviesa la civilización representando una realidad, a la vez propia y universal, con diferentes niveles de significación. Son cuadros-universo que giran en torno a la energía vital de un individuo en el que se conjugan con fuerza lo personal y lo social. La inserción de palabras, lejos de tener el sentido conceptual que desde los sesenta se le viene dando, tiene una lectura más directa de llamada a un tema concreto que es introducido casi a modo de collage, una alusión necesaria marcada por un sentimiento intenso, un desahogo, como un exorcismo. Basquiat escupe a la superficie pictórica lo que le quema dentro. Esta construcción del cuadro a base de retales de vida hace que sus obras trasciendan el neoexpresionismo y sean auténticos poemas visuales reflejo de la fragmentación posmoderna.<br />Tenemos que agradecer al buen hacer de la Fundación Marcelino Botín, de nuevo (como la memorable exposición de Paul Klee) en colaboración con la Fundación Memmo, el que nos permita disfrutar en Santander de un artista tan interesante en una exposición de este calibre, en la que la mayoría de las obras proceden de colecciones particulares. El precioso título, Ahuyentando fantasmas, nos dice ya mucho de lo que encontramos en este artista que sintetizó el racionalismo occidental con el animismo propio de sus orígenes afro-indoamericanos, con una potente espiritualidad de tipo animista. Consideraba que los fantasmas habitaban el cuadro, igual que la vida, y aquél no es si no una extensión de ésta. Jean-Michel Basquiat optó por una forma de vivir intensa y quiso o necesitó contarlo con el trazo y el color. Murió de sobredosis, de exceso, en esa juventud plena en que se quiere todo aquí y ahora. Cuando aún se pueden decidir pocas cosas decidió “que el verdadero camino de la creatividad es quemarse”, aunque la muerte sea el precio. La vida y la conciencia de la misma, suponen un azote que no todo el mundo asume de igual manera. Hay muchas maneras de vivirlo y tan sólo podemos elegir, o dejarnos elegir, por una. Está bien saber de las otras opciones a través de otras personas y sus obras.<br /><br /><br /><span style="font-size:180%;color:#333399;">CINE</span><br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">El cine que nos viene<br />Tres propuestas cinematográficas para el próximo trimestre<br /></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por JAVIER COLLANTES</strong></span><br /><br /><strong>The princess of Nebraska</strong><br /><br />Al director cinematográfico Wayne Wang le corresponde en gran parte el mérito del crecimiento del cine independiente americano de los últimos años, con unas respuestas estéticas más bellas incluso que los propios argumentos de sus películas.<br />Ahora nos ofrece en este relato una nueva aventura, un drama sobre el conflicto emocional de una joven estudiante china en la Universidad de Nebraska, embarazada de cuatro meses como fruto de una historia fugaz en Pekin. Su decisión de abortar en San Francisco le abrirá multitud de posibilidades sobre el cambio de actitudes personales en los Estados Unidos. Una reflexión sobre una nueva generación de la actual China. Basado en un cuento corto de Li Ling, y después de su excelente película, Mil años de oración, Wang nos acerca un relato frío, poético, con un guión extraño en su ptresentación, sobre conflictos y decisiones personales.<br />Con unos intérpretes no profesionales, el film discurre entre los contrastes de una China tradicional y una China más capitalista, en una dualidad impuesta por el modelo económico relegando otros valores a un segundo plano.<br />Con todas estas cuestiones, la película rodada en vídeo, cámara en mano, sosteniendo los planos por más tiempo del estipulado en el cine actual, sin música en sus secuencias, con sonido ambiente, resulta arriesgado de cara al cine convencional actual.<br />Reconociendo su ritmo a veces demasiado lento, la película discurre por los derroteros de una clase de cine casi experimental en su presentación, con momentos contemplativos, llenos de maestria y a su vez hermosos en su puesta en escena.<br />Así, durante veinticuatro horas muestra el rostro de una mujer que viaja a San Francisco, en una nueva visión de otras generaciones de chinas, de una forma exquisita, sin juzgar. Una película desigual narrativamente, pero con destacables valores en su lenguaje cinematográfico. Eficaz: un salto al vacío de una clase cinematográfica extraña y cautivadora.<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyulvmd4aVt19dGj3teRBuau99zIlz7ui6RzkZTkwUMb5VBUkUSvr4xTmIU6few63b6cRabI3xCJTUlvScDT_iJNRXG6QfPZ29Q-x1umvOzCwRj6W2BIjavKMF6AUefH8_0TwF9vzFEcD4/s1600-h/nebraska.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 171px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420930322557424690" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyulvmd4aVt19dGj3teRBuau99zIlz7ui6RzkZTkwUMb5VBUkUSvr4xTmIU6few63b6cRabI3xCJTUlvScDT_iJNRXG6QfPZ29Q-x1umvOzCwRj6W2BIjavKMF6AUefH8_0TwF9vzFEcD4/s320/nebraska.jpg" /></a><br /><strong>Garage</strong><br /><br />Como intimista, divertida y tragicómica, se presenta esta producción de la Irlanda profunda. La historia se desarrolla en un pueblo tranquilo cuyas relaciones entre sus habitantes son frías, incómodas, en un lugar donde una destartalada gasolinera es regentada por un hombre peculiar.<br />Con un tono de cine más modesto en su forma, supone toda una lección narrativa con una composición cercana al minimalismo por parte de Leonard Abrahamson. Sus valores radican en la intensidad dramática, en el humor, en su sencillez, en un relato emotivo cuyo contenido se introduce en el ánimo del espectador. Capitulo aparte merece destacar su puesta en escena, real como la vida misma, con unos actores de registros del saber interpretar, en una propuesta de regalo fílmico.<br />El relato nos descubre la vida de un solitario en una gasolinera, un ser introvertido pero feliz, con una vida tranquila que cambia con la llegada de un nuevo empleado. Casi con un tono hipnótico en sus imágenes y abordando los temas del cambio y sus consecuencias, su ritmo narrativo unido a su excelente guión, produce una buena sensación conmovedora, lo que se une a su carácter risueño en su carácter secuencial, magnifico por momentos. Con unos aspectos técnicos de filmación modesta, pero con un argumento eficaz, un notable sentido del plano limpio, una gran dirección en la mayoría de sus aspectos, el trazo visual consigue una composición casi perfecta entre historia, exposición y desenlace final. En resumen: una bocanada de cine libre de ataduras estilísticas.<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8jhSwoywgv-svO8h1SxiOfji7Eu3_YSW3Qp2er0mfWv9x3hir20IO6Z7UE_EksFj9olz_YR4sLlBzEcVNzKOz5YSAPS3tR8EqP6QuQB250MdpPHHmdmdeKBQSBImNTpltwIMm7ax6JIMU/s1600-h/garage.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 200px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420930550491285826" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8jhSwoywgv-svO8h1SxiOfji7Eu3_YSW3Qp2er0mfWv9x3hir20IO6Z7UE_EksFj9olz_YR4sLlBzEcVNzKOz5YSAPS3tR8EqP6QuQB250MdpPHHmdmdeKBQSBImNTpltwIMm7ax6JIMU/s320/garage.jpg" /></a><br /><strong>Honeydripper</strong><br /><br />Desde la Alabama rural y tomando como inspiración el cuento titulado Mantener la hora, se dibuja un drama cómico que apela a los años 50 y al comienzo del rock’n roll, al ambiente de carretera, al paisaje del algodón: un poema visual.<br />Honeydripper es el nombre de un conjunto, un club social para los viejos bluesmen. La historia narra la vida de un pianista y dueño de un bar que espera salvar su local de la ruina contratando a un famoso guitarrista de blues; al llegar el día de la actuación, el músico no aparece y el dueño deberá buscar otra solución. Una historia de recuerdos, evocaciones, capaz de capturar en sus secuencias la grandeza de una época musical excepcional.<br />John Sayles un director de cine independiente por excelencia abre los ojos a otras realidades, sensaciones y oportunidades. Se trata de una película pequeña, agradable, con un buen equilibrio entre lo que nos cuenta –la lucha de sus personajes con sus aparentes destinos– y su cuidado de todos sus aspectos técnicos, utilizando con estilo la cámara, el plano y la banda sonora.<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLg1F4-deO5LllK2jlohGwfn8lzSOShOrhvgJBm7G_3i4GEtIWECypGVwO3aDvMVQG7nkGWEeaF0mHggqF6ReTTmeTxw5ROlGMlT-qO6QvfgbAf9hU3T-vDjWmhHMI08ZN_8-wKk01oEU0/s1600-h/honeydripper.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 210px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420930758648220930" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLg1F4-deO5LllK2jlohGwfn8lzSOShOrhvgJBm7G_3i4GEtIWECypGVwO3aDvMVQG7nkGWEeaF0mHggqF6ReTTmeTxw5ROlGMlT-qO6QvfgbAf9hU3T-vDjWmhHMI08ZN_8-wKk01oEU0/s320/honeydripper.jpg" /></a><br /></span><p><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:180%;color:#333399;">TEATRO</span> </span></p><p><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">La encarnación de la memoria<br />La Zaranda y Peter Brook en la programación de la U.I.M.P.</span><br /></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por FRANCISCO VALCARCE</strong></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzMVNV7sFzXAcjNTynqZLf5dg3_v7evvK-cBKi3D951tf-3at-0xXpCi1rvgGmC7-ixKuHcbl5rD9n2_IfUN01pei-djWJX9b7I6iUC3aPnlaDEs1cjrhK2oipKGoRptnXVFtS7lcq8zac/s1600-h/Zaranda+Los+que+rien6.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 240px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420931266428006946" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzMVNV7sFzXAcjNTynqZLf5dg3_v7evvK-cBKi3D951tf-3at-0xXpCi1rvgGmC7-ixKuHcbl5rD9n2_IfUN01pei-djWJX9b7I6iUC3aPnlaDEs1cjrhK2oipKGoRptnXVFtS7lcq8zac/s320/Zaranda+Los+que+rien6.jpg" /></a>"El teatro es un lugar de encuentro entre la imitación y un poder de transformación llamado imaginación, que carece de poder si se queda en la mente. Tiene que impregnar el cuerpo. De repente, cobra sentido una palabra aparentemente abstracta: encarnación".<br />Peter Brook, Hilos de tiempo (Ediciones Siruela, 2000).<br /><br />Lo escribió Marcos Ordóñez hace unos meses en El País: “A propósito de Peter Brook, hablábamos de espiritualidad, esa palabra que despierta tantas sonrisitas. Para Brook, la espiritualidad es el eje del teatro, lo que ha de ‘permitirnos atisbar los valores que hemos olvidado’. Brook tendría que conocer a los de La Zaranda. Se convertiría, instantáneamente, en su abuelo adoptivo y les pagaría tres rondas”. Una feliz coincidencia ha hecho que este pasado verano, en un período de doce días, La Zaranda y Peter Brook representaran sus espectáculos en el Teatro CASYC de Santander dentro del programa de actividades culturales de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. La presencia de la compañía jerezana no es una novedad, puesto que se trata de una asidua a la programación de la Universidad de Cantabria (Muestra Internacional de Teatro Contemporáneo) en donde han representando la mayor parte de su producción: desde la inolvidable “Vinagre de Jerez” hasta su penúltimo trabajo “Homenaje a los malditos”. En cambio, la visita de Peter Brook, aún cuando el producto presentado pueda calificarse de menor en su trayectoria, es un hito en la historia cultural cántabra, pues el veterano creador no deja de ser un mito viviente del arte escénico contemporáneo. Es curioso que, en otras ocasiones, artistas de medio pelo disfrutan de una proyección mediática exagerada y, por el contrario, nombres de mucha mayor importancia y sobresaliente interés pasan poco menos que desapercibidos. Ocurrió con el Piccolo Teatro milanés de Giorgio Strehler y ha pasado con Peter Brook.<br />Treinta años de vida ha cumplido La Zaranda, Teatro Inestable de Andalucía la Baja, denominación completa de una compañía que, con el paso del tiempo, se ha consolidado como una de las expresiones más serias e interesantes del panorama escénico contemporáneo español. Su éxito, obviamente, no responde al azar, sino a un trabajo continuado y riguroso encaminado a profundizar en un lenguaje que, absorbiendo influencias de la mejor estirpe, se caracteriza por la construcción de una poética particular desde la que elaboran hermosos poemas dramáticos dirigidos a atravesar la piel de los espectadores para acomodarse en su estómago: un camino donde lo que prima sobre todo es la emoción sincera exenta de aditamentos y estereotipos. El propio nombre de la compañía supone una declaración de intenciones: zaranda es un cedazo, una criba que preserva lo esencial y desecha lo inservible. Y esta búsqueda de la esencialidad establece un vínculo con el último Brook.<br />Antes del estreno este otoño en Francia de la próxima producción y de embarcarse, bajo la dirección de Carlos Saura, en el rodaje de su primera película, La Zaranda representó en Santander su última creación, “Los que ríen los últimos”, en la que se aprecian todas las características de su discurso y su lenguaje. Veamos. No se cuenta una historia en el sentido tradicional, sus cimientos no específicamente ligados a la “fábula” convencional conducen a unas situaciones en las que parece que no pasa nada, pero el caso es que tienen mucho de memoria, por tanto, de historia. “Los que ríen los últimos”, como el resto de sus obras, es un drama salpicado de amarga ironía que ha abandonado todo eco costumbrista para abordar los problemas existenciales del hombre. Se trata de una alegoría que alcanza la categoría de universal mediante la exposición de la angustia que habita en el corazón del ser humano, víctima irremediable de un mundo que le es cada vez más ajeno. Los personajes que encarnan Paco Sánchez, Gaspar Campuzano y Enrique Bustos son unos náufragos de la vida que se sustentan sobre todo en el recuerdo. Los protagonistas de La Zaranda son unos seres aterradoramente solos que aparentan estar despojados de historia, pero que, paradójicamente, descansan sobre la memoria. Esta es una de las claves de su trabajo: una creación en torno a la memoria. Siempre hay una vuelta cíclica al recuerdo y una conciencia de estar oscilando entre lo vivo y lo muerto. La vida y la muerte como complementarios y cada una generadora natural de la otra. Carmen Márquez, profesora de la Universidad de Las Palmas, escribió que se trata de: “una sucesión de imágenes y palabras, estampas que dibujan hechos y sentimientos, situaciones que se conectan por la permanencia de los personajes, el marco y un tema enormemente amplio: el tiempo paseándose con su rutina y sus recuerdos”. Esta recreación del paisaje de la memoria y esta presencia de la muerte, junto a ciertos tratamientos formales, es lo que ha servido para considerar a Tadeusz Kantor como uno de los principales referentes de La Zaranda.<br />“Los que ríen los últimos” muestra el peregrinaje de unos herederos de los cómicos de la legua, el viaje sin sentido de unos viejos payasos que aspiran encontrar el lugar donde recrearán su rancio número; quizás el gran número final. (Es inevitable aludir a Kantor cuando afirmaba que para él el arte escénico era “una barraca de feria, una carpa de circo, el verdadero teatro de la emoción”). Por otra parte, el espectáculo de La Zaranda está cargado de espiritualidad, es, como dice el crítico M. Ordóñez, “una obra sobre la búsqueda de la trascendencia, de lo sagrado”. (Y seguimos tendiendo lazos con el “teatro sagrado” que defiende Peter Brook).<br />El director Paco Sánchez -Paco de La Zaranda-, el dramaturgo Eusebio Calonge y los actores, aplicando unas buenas dosis de poesía, ironía amarga y humor negro, impregnan el montaje de un ritmo lento y reiterativo como el de la seguiriya o la soleá que emparienta con la letanía o la plegaria, construyendo una ceremonia teatral donde la música y el tratamiento plástico de la escena ejercen también un papel importante. Son los espectáculos de esta compañía auténticos poemas físicos y sonoros, pero que nada tienen que ver con lo que se entiende por teatro físico: no hay vistosas acciones corporales, ni acrobacias, ni danza. Y las imágenes y sonoridad tampoco participan de las características de lo audiovisual, ni del teatro de la imagen. En La Zaranda todo es más artesanal, algo que queda también patente en los objetos y atrezzo utilizados. Sobre el escenario hay una diversidad de enseres viejos, con lo que los personajes mantienen una particular relación. Son elementos desvencijados que pueden adoptar significados diferentes al suyo propio, transformándose en máquinas, cruces u objetos de uso cotidiano, a la vez que adquieren un alto sentido poético y metafórico. Y otra vez nos encontramos con la poderosa influencia de T. Kantor.<br />Para algunos especialistas (el prestigioso José Monleón entre ellos), junto al citado creador polaco y el espíritu del flamenco y del cante jondo (“el cante bueno no gusta, duele”, afirma Paco Sánchez), otro de los cimientos sobre los que descansa el teatro de La Zaranda es la obra de Samuel Beckett. Esos personajes perdidos en el espacio y el tiempo que simulan adoptar una postura de espera permanente y que desgranan, entre silencios significativos, unos textos elaborados a partir de frases hechas, de tópicos y de reiteraciones. Palabras que, a fuerza de ser repetidas, lo mismo pierden el sentido que adquieren otro o que se convierten en salmodias letánicas a modo de oración laica. Diálogos que se diluyen en soliloquios con el vacío. Réplicas que aparentan ir a ninguna parte. Una atmósfera próxima al absurdo. Y más silencios. Todo esto justifica la creencia de que la sombra de Beckett está detrás. Eusebio Calonge, autor de los textos, niega ese ascendiente y declara beber de otras fuentes, también observadas por diferentes estudiosos. En este sentido, Óscar Cornago, investigador del CSIC, define “Los que ríen los últimos” como un texto alegórico, que tiene un estructura similar a la de los autos sacramentales. Así lo explica: “Cuando existe un texto alegórico, aquí es clarísimo y eso lo aparta de Beckett radicalmente, se expresa un argumento para dar a entender un asunto... En esta sencilla estructura alegórica (sistema trabado de metáforas) se desarrolla ‘Los que ríen los últimos’. El camino de la salvación o el de la condenación. A cada elemento de la ‘historia’ de un payaso perdido entre basuras corresponde un sentido simbólico en el plano religioso, el hombre perdido en un mundo materialista. -Y esta religiosidad tan obvia también aparta a La Zaranda del teatro del absurdo radicalmente- La Zaranda se expone al retomar formas dramáticas hoy olvidadas a que el espectador se quede en el plano argumental o historial y que no sepa llegar al plano alegórico, el verdaderamente profundo o sacramental”.<br />Todo ello enlaza con las impregnaciones que ha asumido La Zaranda desde el punto de vista plástico, que van desde el arte barroco, cuyo origen se encuentra probablemente en la plasticidad barroca de muchas manifestaciones de la cultura andaluza (imaginería religiosa, incluida), hasta el feísmo del que participaba la escuela pictórica flamenca, pasando por el surrealismo plasmado en la dialéctica sueño/realidad, pasado/presente que caracteriza a los fracasados y perdedores que pueblan su obra.<br />En definitiva, el espectáculo “Los que ríen los últimos” hunde sus raíces, tanto en la más noble tradición dramática como en expresiones del arte escénico contemporáneo para, provocando un proceso emocional, invitar a -afirma Carmen Márquez- “una reflexión sobre la realidad, una realidad como punto de encuentro entre el futuro y un pasado siempre presente, traído por la memoria que es lo único que ayuda a comprendernos. Quizá por eso no da respuestas, sólo actúa en la conciencia del espectador”. Y, añado, en su sensibilidad, y lo hace a través de las palabras, las imágenes, los objetos y los sonidos.<br />De La Zaranda a Peter Brook, dos nombres que difícilmente alguien podría poner juntos. El crítico de El País se ha atrevido a ello, justificando su actitud (dejando a un lado “lo beckettiano”) en la espiritualidad que desprenden sus obras y la esencialidad que personaliza su trabajo. Peter Brook (Londres, 1925) es una de las figuras más importantes de la dirección de escena universal, una gloria viva del teatro responsable de una infinidad de puestas en escena para la ópera y el teatro. Algunas de ellas forman parte ya de la historia con mayúsculas del teatro del siglo XX: las shakespearianas “El rey Lear” (1962) y “El sueño de una noche de verano” (1970), cuando estaba al frente de la Royal Shakespeare Company; la mítica “Marat-Sade” de Peter Weiss (1964) o la impresionante “Mahabharata” (1985), adaptación de Jean-Claude Carrière del monumental poema épico hindú. Brook, instalado desde principios de los setenta en el parisino Théâtre des Bouffes du Nord al frente del Centre International de Creátions Théâtrales, ha explorado diferentes formas de expresión, se acercó al teatro de la crueldad y a manifestaciones escénicas no-verbales, realizó memorables montajes de obras de texto y se aproximó al teatro oriental. Además expuso sus ideas en imprescindibles ensayos como El espacio vacío, Más allá del espacio vacío y La puerta abierta, y ha dejado escritas sus impresiones vitales y profesionales en Hilos del tiempo.<br />En Santander se presentó “Fragments”, un espectáculo compuesto por cinco textos de Samuel Beckett: el poema “Neither” y las piezas “Rough for Theatre I” (“Fragmento de teatro I), “Rockaby” (“Nana”), “Come and go” (“Vaivén” o “Ir y venir”) y “Act without words II (“Acto sin palabras II”), publicadas en nuestro país en un volumen titulado genéricamente “Pavesas” (Tusquets Editores, 1987) que incluye monólogos, obras para radio y televisión y otras composiciones breves del autor irlandés.<br />“Fragments” es un trabajo alejado de las grandes creaciones de Brook y, por tanto, considerado como de menor relevancia en su amplia producción, pero que mantiene un gran interés al erigirse como excelente ejemplo de los intereses del gran maestro en los últimos años: el despojamiento de lo accesorio para comunicar lo esencial. Así lo explica M. Ordóñez: “En los últimos años Peter Brook se ha convertido en un funámbulo que camina por un alambre invisible, descartando, con un leve aleteo de manos, todo lo que no sea esa línea clara, esencial”. Y el propio director dice: “Al principio lo planificaba todo, hasta el menor detalle. Ahora lo que busco es crear un cierto clima de trabajo basado en el placer de la búsqueda. Un ensayo es una prueba. Probamos. Al día siguiente nos decimos: eso estaba bien para ayer, hoy vamos a buscar en otra dirección. Poco a poco, el juego se decanta. Y lo que no nos sirve queda atrás”.<br />Samuel Beckett ha sufrido la etiqueta de ser un escritor pesimista y oscuro. Y, si bien no puede negarse su nihilismo, fruto de sus principios existencialistas y de una reflexión profunda en torno a la condición humana, lo cierto es que la producción del autor de “Esperando a Godot” va mucho más allá que el tópico construido alrededor de la desesperanza. Basta rascar un poco en la superficie de sus obras y no quedarse en lo obvio, para descubrir un tremendo arsenal de humor trágico e ironía descarnada que le alejan de aquellos conceptos tan extendidos. El propio Brook, que disfrutó de la amistad de Beckett, dice: “Con el paso del tiempo, vemos cuán falsas eran las etiquetas sobre Beckett: desesperanzador, negativo, pesimista. Su humor le salva y nos salva de la caída... Es absurdo considerar a Beckett con las etiquetas de la negatividad o la desesperación. Beckett, simplemente, nos observa. Nos mira desde dentro y desde fuera. Desde arriba y desde abajo. Y lo hace activamente, compartiendo nuestra incertidumbre”.<br />Queda patente todo esto en “Fragments”, en donde se resume el drama de la existencia en una suerte de modelo cómico que resulta intemporal y que culmina con “Act without words II (“Acto sin palabras II”), mostrando la contraposición entre el pesimismo exacerbado/absurdo de un individuo con el optimismo desmesurado/absurdo de otro. Sobre el espacio vacío de la escena, los excelentes actores Jos Houben, Marcello Magni y Kathryn Hunter componen unos personajes sin nombre, o casi (A, B, M, Flo, Vi, Ru son las denominaciones que tienen en los textos), pues no lo necesitan para establecer la simbología precisa de unas almas perdidas. Entre una extrema depuración del lenguaje y unos silencios cargados de significado -¡esos silencios bekckettianos!-, los intérpretes hubieran necesitado una proximidad mayor con el público (así fue concebido el montaje), lo que convirtió el Teatro CASYC en un lugar inadecuado para su representación. De aquella manera, los espectadores se habrían comprometido de manera más directa con el discurso desplegado por el poeta, ensayista, novelista y dramaturgo irlandés más influyente del siglo XX, de la mano de uno de los maestros de la escena vivos más importantes.<br /><br /><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">Sonata de Bergman<br />Acerca del montaje de José Carlos Plaza<br />que pronto llegará a Santander</span><br /></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por ALBERTO IGLESIAS</strong></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs5FNn3xU-R8fCb_JE2RlT38enYvfY88F9BdhC063lD_bJ18EExn1Ba8sc_tyHVe0KN64lhDorqFzrBCRyAdbu31JymxuA3BhECKYmyPad5LSeBRevzHHTOxjk-c0UA0hTQi4WRtigOkPN/s1600-h/sonata+oto%C3%B1o.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 278px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420931745183572306" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhs5FNn3xU-R8fCb_JE2RlT38enYvfY88F9BdhC063lD_bJ18EExn1Ba8sc_tyHVe0KN64lhDorqFzrBCRyAdbu31JymxuA3BhECKYmyPad5LSeBRevzHHTOxjk-c0UA0hTQi4WRtigOkPN/s320/sonata+oto%C3%B1o.jpg" /></a>En su libro de memorias titulado La linterna mágica el director de cine y teatro sueco Ingmar Bergman reflexiona sobre el acto creativo en el escenario. Cito: “En la alta tensión emocional del momento nos ponemos de acuerdo en que, en realidad, se puede hacer teatro sin amor, pero que entonces no vive ni respira. Sin amor es imposible. Sin un tú, no hay yo. Es cierto que hemos visto teatro extraordinario creado en un odio orgiástico, pero el odio es también contacto y el odio es tan lúcido como el amor”.<br />Hay que ser muy valiente para entrar en la piel de los personajes que Bergman crea o recrea. Son pura tormenta enmascarada. Son sangre retenida esperando el torrente vital al que lanzarse. Son pura acción, puro miedo, puro coraje. Lo cierto es que para observar la extravagante normalidad de nuestros tiempos ya tenemos las ventanas o los televisores. El teatro es un espacio para la asunción de riesgos, en el que los espejos, lejos de decirnos como en el cuento aquel que somos la más hermosa, nos invitan a mirarnos hacia dentro y observar con crudeza la fealdad y la pesadumbre de la existencia. Eric Bentley escribe: “El teatro, como se sabe, procura ocuparse no sólo de antagonismos, sino también de culminaciones, no solamente de una colisión sino de la colisión final y decisiva. Es natural, entonces, que tienda asimismo hacia ideas que son propias de las situaciones extremas, de las cosas ‘primeras y últimas’, de ‘las cuestiones de vida y muerte’. Busca, como ya lo dijo Strindberg, los demonios en los cuales se libran las grandes batallas”.<br />¿Y qué mejor laboratorio de análisis que la familia? La familia es una unidad compuesta de individuos que tratan de conjugar el yo con el nosotros como buenamente pueden. Es fuente continua de conflictos que empiezan a florecer desde el instante en que la familia se conforma y crecen con la salvaje naturalidad con la que crecen los individuos. Un buen material para el teatro, sin duda. Son muchos los dramaturgos que lo han visto así y así lo han dejado escrito en cientos de obras de teatro. Bergman no oculta nada y escarba en su conciencia y, por ende, en la de los espectadores en cada escena, en cada acción, en cada palabra. Y las palabras de Bergman resuenan con la fuerza de un sabio. Escuchamos a Pascal, a Schopenhauer, a Nietzsche y los escuchamos teñidos de una humanidad y una verdad que asusta y acongoja. Como en tiempos de Esquilo y Sófocles, resuena la tragedia de la vida en este teatro de hojas muertas por un otoño insalvable.<br />Me permito trasladar aquí unas palabras de José Carlos Plaza, director para el teatro de Sonata de otoño, de Bergman, que actualmente se representa en Madrid y que en breve viajará a Santander. “¿Cuándo nace el amor que devora y se reprime, al que no damos salida, el que no es correspondido, el que se transforma en un odio que ni siquiera podemos reconocer? ¿Cuándo empiezan las heridas? Pero indudablemente somos el producto de esas heridas; al mismo tiempo vivimos creando las que herirán a los demás. A los que más queremos, que llevarán de por vida cicatrices de nuestros afectos”. Plaza es un habitual de los escenarios españoles. Es un director en continuo movimiento que lo mismo se desplaza a Extremadura para dirigir un Fuenteovejuna con una compañía independiente, que se hace cargo de un gran fasto en el Palacio de Congresos de la capital. Es de agradecer, la verdad. La primera vez que tomé conciencia real de quién era, (Premio Nacional de Teatro de 1967, 1970 y 1987), fue a raíz de su montaje de La inevitable ascensión de Arturo Ui, de Bertolt Brecht, con un Fernando Sansegundo brillante y una enérgica Nuria Gallardo, actriz con la que ha trabajado en repetidas ocasiones y que asume el rol de la hija llena de demonios infantiles en esta Sonata de Otoño.<br />Junto a Nuria Gallardo, pelea en esta lucha, en este encuentro físico entre dos almas separadas, la actriz Marisa Paredes, que se sube de nuevo al escenario tras interpretar a Gertrudis en el Hamlet que Pascual montó hace un par de años y en el que tuve la suerte de actuar. Completan el reparto otro clásico de Plaza –participó también en su anterior montaje: Fedra-, el actor cántabro Chema Muñoz y la joven Pilar Gil. Cuatro cuerpos, cuatro voces, para darle forma a la tragedia. Para abrirnos la puerta al mundo de los fantasmas de Bergman. Un mundo personal, único, desbordado por experiencias íntimas que fueron dejando marcas en su alma de artista y que él no dudó en compartir tanto a través de sus películas como de sus obras de teatro.<br />En España la faceta de Bergman como director de teatro es prácticamente desconocida para el público. Poco hemos podido ver dirigido por él. Y sin embargo alternó el cine y el teatro durante toda su vida. Gran admirador de su compatriota August Strindberg y quizás su heredero artístico, dirigió cerca de cincuenta obras de grandes autores como Shakespeare, Moliere, Ibsen, Albee, Büchner, Gombrowicz y, como no, de su cómplice Strindberg, que decía (1888) que “el teatro ha sido siempre una escuela para la juventud, para las personas medianamente cultas y para las mujeres, es decir, para aquellos que todavía conservan la capacidad primitiva de engañarse a sí mismos y de dejarse engañar, o, en otras palabras, de aceptar la ilusión o sugestión que les presenta el autor”.<br />Ilusión, sugestión, ambas tareas del autor que precisan de un trabajo comprometido, delicado y rotundo a la vez, por parte de directores y actores y, en fin, por todos aquellos que conforman el equipo que pone en escena una obra de teatro. Ha pasado mucho tiempo desde que escribiera estas palabras y el espectador ya no es el mismo, por no hablar de la sociedad o del mundo. Todo cambia, pero parece que el teatro se mantiene fuerte en sus objetivos fundamentales y, afortunadamente, siguen existiendo algunas personas, un público, que acude a las salas de teatro a vivir una ilusión, a dejarse sugestionar por los artesanos del oficio teatral.<br />Termino esta breve reflexión sobre Bergman, sobre el otoño y sobre el teatro con un pequeño párrafo de La linterna mágica, que igual que sirvió para abrir el artículo servirá para darle punto y final. Piensen en él cuando acudan a ver esta función. Piensen en él cuando acudan al teatro, sea lo que sea lo que van a ver. Piensen en él si su curiosidad les arrastra a querer conocer algo más en profundidad el oficio del actor. O no piensen en él en absoluto y simplemente compartan con Bergman un retazo de su vida en el arte.<br />“Hace muchos años vi a un amigo en un rincón, vestido y maquillado para salir a escena. Se había mordido el labio inferior, le caía sangre en una fina hebra por la barbilla, le salía baba por la comisura de los labios. Sacudía la cabeza murmurando: ‘No salgo, no salgo’. Y salió.”<br /><br /><span style="font-size:180%;color:#333399;">DANZA</span><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">El Festival de Lucía<br />Revisión de los espectáculos de danza del Festival Internacional,<br />con una protagonista absoluta: Lucía lacarra</span><br /></span><br /><span style="font-size:85%;"><strong>por MARÍA LUISA MARTÍN HORGA<br /></strong></span><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXR88rQfMx2bLMzlm_q1yCg5BWcXuZDH6wjFYI_cSwwZ370D6XbEdXNKoSFS83pDlyRsY4tLLa8wGVHKC4EcbPg8dhxSk-jJoelO1spejaVK_nQMBkv4WK20-XhynT1oR_6TsYmS8SVD91/s1600-h/Lacarra.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 277px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420932234000219922" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXR88rQfMx2bLMzlm_q1yCg5BWcXuZDH6wjFYI_cSwwZ370D6XbEdXNKoSFS83pDlyRsY4tLLa8wGVHKC4EcbPg8dhxSk-jJoelO1spejaVK_nQMBkv4WK20-XhynT1oR_6TsYmS8SVD91/s320/Lacarra.jpg" /></a>El Festival Internacional de Santander constituye siempre una gran esperanza para los aficionados a la danza de Cantabria, ya que suele ser en este marco donde disfrutan de la única oportunidad de ver a las grandes compañías de ballet internacionales y, por ello, las obras del repertorio que exigen ser interpretadas por entidades con gran número de bailarines, conocedores de la tradición, y familiarizados con ese tipo de trabajo. Los grandes ballets no pueden ser puestos en escena por grupos de pequeño o mediano formato, y tampoco resultan muy atractivos cuando son ejecutados por compañías de segunda fila. Así, a diferencia de lo que ocurre con el flamenco, la danza española o la contemporánea, el ballet -con mayúsculas- rara vez puede verse en otro mes que no sea agosto; y eso si hay suerte. No voy a incidir, por no cansarles, en el tema de que en España, hoy por hoy, no hay ninguna compañía capaz de poner en escena ni un triste Cascanueces sin recortes. En consecuencia con lo dicho, si no hay suerte, hay que esperar que pase otro año y rogar para que esté de gira, y nos toque, alguna de las compañías que pueden ofrecer La Bella Durmiente, La Bayadera, Raymonda, o tal vez alguna obra neoclásica de Neumeier, de Cranko, de MacMillan...<br />A veces las expectativas se ven sobradamente cumplidas: por el Festival han pasado, por ejemplo, el Ballet del Gran Teatro Bolshoi de Moscú, el Ballet de Boston, o el Ballet del siglo XX, del recientemente desaparecido Maurice Béjart. Santander ha recibido durante décadas estrellas de la danza de primer nivel. La Plaza Porticada acogió la histórica actuación de dos artistas míticos como Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev junto al Royal Ballet de Londres en 1968 y, años más tarde, en 1980, una de la que pude ser emocionada y joven testigo, la de Vladimir Vasiliev junto a su esposa Ekaterina Maximova.<br />La 57 edición del Festival Internacional de Santander deja un sabor agridulce; de un lado tenemos la presencia de una bailarina excepcional, Lucía Lacarra, y de una bailaora de la talla de María Pagés; del otro, una programación escueta y basada en las dos figuras mencionadas.<br />Este año el ciclo de danza se abrió con Duke Ellington Ballet, del coreógrafo francés Roland Petit, interpretado por el Asami Maki Ballet Tokyo y con Lucía Lacarra y Luigi Bonino como artistas invitados. La compañía japonesa ya había visitado el Festival dos años atrás con Pink Floyd Ballet, del mismo coreógrafo y también con Lacarra como bailarina principal. Ambas obras siguen la misma fórmula, muestran el gusto del coreógrafo por la innovación, su apuesta por la inclusión de músicas diferentes en el ballet, jazz o rock, su tendencia a combinar distintas formas de danza en sus obras -con múltiples referencias al musical y a la línea de coro-, y la importancia que el coreógrafo otorga al ballet como espectáculo. Sin duda, Petit es uno de los grandes de la danza del siglo XX: independiente e inconformista, con sólo veinte años abandonó la Ópera de París para emprender el camino de libertad creativa que tan excelentes resultados ha producido para la danza. Unido durante años al Ballet de Marsella, el coreógrafo, nacido en 1924, sigue en la actualidad activo aunque al margen de la citada compañía. Su “Carmen”, estrenada en 1949, sigue siendo un referente plenamente actual y, probablemente, la mejor versión y más genuina que en ballet se haya hecho, hasta la fecha, del personaje de Mérimée.<br />Pero, con todo, el mayor interés de estas representaciones fue la presencia de la estrella internacional, Lucía Lacarra, actualmente en el Ballet de la Ópera de Munich. Lacarra, que inició su carrera con el Ballet de Víctor Ullate, ha trabajado también con el Ballet de Marsella y el Ballet de San Francisco. Su presencia, con una brillantísima interpretación junto a Cyrill Pierre del Adagio del II Acto de El Lago de los Cisnes, ya nos impresionó hace algunos años en el Palacio de Festivales, adelantándonos los éxitos que estaban por llegar para esta excelente bailarina. Por cierto, recuerdo que un reconocido crítico de un importante medio nacional crucificó a la intérprete por “violentar lo sagrado” en esta interpretación; a su entender Odette había entrado en el escenario por el lado equivocado... Ese era todo el problema y el motivo para despreciar todo el arte que vino después. Hay que tener en cuenta la fragilidad con que se ha trasmitido la “sagrada tradición” -que suele variar notablemente de compañía a compañía- en los Ballets de la época en que no había sistemas de notación, o eran imprecisos, ni medios para registrar las coreografías en soportes técnicos. Según Valerie A. Briginshaw, Directora de Danza del Instituto de Estudios Avanzados de West Sussex, existen más de setenta versiones coreográficas distintas de El Lago de los Cisnes. Casi todas estas versiones están basadas en la coreografía de Petipa e Ivanov de 1895. Incluso, en un análisis realizado de dos interpretaciones de una misma compañía, Royal Ballet, grabadas en diferentes años y basadas ambas en la primera producción completa que hizo Sergeyev para el Vic-Wells Ballet en 1934 -a su vez sobre notaciones de Stepanov de la versión original de 1895- se encuentran notables diferencias interpretativas, de tempo, y coreográficas.<br />Para más pitorreo en el caso concreto que nos ocupa, en su origen este Paso a Dos era cosa de tres... ¡Odette y su amado tenían carabina! Al parecer la Legnani no confiaba en su partenaire, ya entrado en años, como portor fiable y temía por su integridad física, por lo que Benno se unía a Siegfried y Odette en el amoroso ¿dúo? Sin comentarios.<br />El tiempo, el público, la crítica y los coreógrafos han reconocido el trabajo de Lucía Lacarra que cuenta con premios tan importantes como el Nijinsky en Monte Carlo en diciembre de 2002, el Benois en Moscú en abril de 2003, y el Premio Nacional de Danza en España en diciembre de 2005. Es una bailarina ideal según los cánones estéticos actuales y una absoluta belleza en el escenario, perfecta en líneas y extensiones, con un eje impecable y un giro soberbio. Su técnica magistral, su plasticidad ilimitada, y su capacidad interpretativa están en un momento de gran explendor. Además, su presencia en escena es un lujo por la elegancia, sensibilidad y expresividad que imprime a cada interpretación.<br />La segunda compañía de danza programada en el Festival fue la de María Pagés con Sevilla, un homenaje a la capital andaluza que pasea por imágenes, símbolos y tópicos de esa tierra -Carmen, Semana Santa, Maestranza, Feria- en versión flamenca. En este caso, aunque se asistió a un buen espectáculo, hay que hacer notar la posibilidad de ver a la bailaora y a su grupo con mayor facilidad que a otras de las compañías que hemos mencionado.<br />Este Festival, en lo que a danza respecta, ha sido el de Lucía Lacarra. Con la compañía japonesa convence, pero nos queda la esperanza de que en otra ocasión haya más suerte y podamos verla con su actual compañía en un gran ballet y no en unos cuantos números montados para su lucimiento, que agradan pero dejan con ganas de más. </span></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-24151643953728264752009-12-29T22:48:00.000-08:002009-12-31T13:34:15.157-08:00FIAT LUX<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCUpNaM7Xgb-dOvoilKqaykNA8JIBTbZ50DhcDRt4Mxv45kP7B5SVU9ZQqZbnjDGfm7pn1vmytF5qKWG9p5WNAwqO1O-xD9FJ3KwRy6Ngrqd5fZBfHvneRku1CKWlEV09aF1GNbkGHCsAl/s1600-h/FIAT+LUX.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 300px; DISPLAY: block; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5421516357504508754" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCUpNaM7Xgb-dOvoilKqaykNA8JIBTbZ50DhcDRt4Mxv45kP7B5SVU9ZQqZbnjDGfm7pn1vmytF5qKWG9p5WNAwqO1O-xD9FJ3KwRy6Ngrqd5fZBfHvneRku1CKWlEV09aF1GNbkGHCsAl/s400/FIAT+LUX.JPG" /></a><br /><div align="center"><span style="font-size:180%;color:#333399;"><strong>***</strong></span></div><div><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Poemas,<br />por ROSARIO DE GOROSTEGUI</span><br /><br /><span style="font-size:85%;">(Poemas inéditos)</span></span><span style="font-size:85%;"><br /></span><br /></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhF7cSmpC_NKunm123d9ONAHhevuDCq9x2kxUxMv8yA9StEpY-H1J76Bq7SOrFEVQGqybUQ5iIMGu1cTpQnPt6JIgY3licf8wZng-qzyDn1SN3JCmQMPAUHKfdLhyC6UFJOZX9Yr4nT3sH/s1600-h/GOROSTEGUI.jpg"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 279px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420679569766400402" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhF7cSmpC_NKunm123d9ONAHhevuDCq9x2kxUxMv8yA9StEpY-H1J76Bq7SOrFEVQGqybUQ5iIMGu1cTpQnPt6JIgY3licf8wZng-qzyDn1SN3JCmQMPAUHKfdLhyC6UFJOZX9Yr4nT3sH/s320/GOROSTEGUI.jpg" /></a><span style="color:#333399;">ROSARIO DE GOROSTEGUI. Santander, 1961. Licenciada en Historia del Arte y en Filología Hispánica. Entre sus publicaciones se cuentan: Estación del Sur (Santander, 1994), Cien raíces para quedarse (Santander, 1999), Podría ser un año (Granada, 1999), De puertas para afuera (Granda, 2001), Pago del Viernes (Granada, 2006), El futuro que adivinas (Granada, 2008).</span><br /><br />Hay mujeres bellas<br />aunque la vida las trate mal,<br />bellas de cuerpo presente cuando cargan pescado,<br />recogen leña o limpian casas;<br />aunque su pareja las trate mal,<br />por jóvenes, por deseables o por mujeres.<br />Bellas de alma ausente<br />cuando esperan y sonríen sus sabios ojos.<br /><br />El perfil de algunas espaldas<br />denuncia la belleza de sus mujeres.<br /><p></p><span style="color:#333399;"><span style="color:#cc6600;">Cuál será el secreto que nos salve,<br />dónde está la ventaja del anfitrión,<br />el saber que anticipa los lugares<br />para no ir a ciegas y romperse<br />si el mar, distraído, nos salpica.<br /><br />Me miran poco, me quieren fuerte,<br />me saben verde, me sienten agua…<br /><br />Cuál será la respuesta verdadera<br />que hace encender las luces de colores,<br />los fuegos artificiales; subir el telón<br />y que aparezca la estrella y que brille<br />mientras dure…</span><br /></span><br /><p></p><p>Un cuerpo es sólo un cuerpo;<br />algunos lo visten de oro, telas preciosas<br />y se convierte en objeto de deseo;<br />otros lo desnudan, lo maltratan<br />y se convierte en puta, en preso, en víctima,<br />(varía si se maltrata o desnuda<br />el propio o el ajeno)<br /><br />Un cuerpo es la vida que contiene,<br />incluso la muerte.<br /><br /></p><span style="color:#cc6600;">Cómo es eso de morir?<br />Descender a los infiernos<br />o al hospital, es lo mismo;<br />ese olor a azufre<br />o a desinfectante, es lo mismo;<br />los tubos, las agujas,<br />camillas que ruedan por pasillos<br />hacia el final...<br /><br />Quiero que me inhumen,<br />tocar la tierra, el origen por fin,<br />después de este desarraigo.<br /></span><br /><p></p><p>Estaba tan amablemente calentito junto al fuego,<br />que se quemó.<br />Estaba ricamente sentado frente a la tele<br />en un confortable sillón,<br />y se murió.<br />También murió, junto a su fusil,<br />el soldado de cualquier guerra.<br />Y, peor aún, murió el que huía del soldado,<br />no tenía tele ni sillón,<br />ni fuego para cocinar las gachas<br />que robó<br />al dueño de la tierra que trabajaba,<br />por nada.<br /><br /><span style="color:#cc6600;">Quedan pobres en la calle,<br />siguen ahí, sin nombre,<br />ensuciándolo todo.<br />Molestan a los turistas pidiendo dinero,<br />huelen mal y, seguramente, son peligrosos<br />porque no tienen dónde caerse muertos, qué perder.<br />Qué feas son las miserias de cara sucia,<br />olor a pies y a orín.<br />¡Pobres pobres!<br /><br />Quizá si nos ofendiéramos los remeros<br />de este barco,<br />podríamos recoger algunos náufragos,<br />algunos ahogados.<br /></span><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">Noche zamorana,<br />por CARLOS VILLAR<br /></span><br /><span style="font-size:85%;">(Relato inédito)</span><br /></span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrXDdR1y-DfSGJKjl1IMZJ92FT5W7eZCJ3QNn_nqUlXov0A5q2Tpx8KkPw6yNyYECg6IfQud0iOYGqyXHIxnumnKYI12xWoNJ3jZLSsqAxXPQkgtQl27lnym8yniGqnjmjxgwLUtUcOHYB/s1600-h/CVF+de+pie.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 242px; DISPLAY: block; HEIGHT: 320px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420682211004009810" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrXDdR1y-DfSGJKjl1IMZJ92FT5W7eZCJ3QNn_nqUlXov0A5q2Tpx8KkPw6yNyYECg6IfQud0iOYGqyXHIxnumnKYI12xWoNJ3jZLSsqAxXPQkgtQl27lnym8yniGqnjmjxgwLUtUcOHYB/s320/CVF+de+pie.JPG" /></a><br />Zamora, jueves de abril, veintitrés horas. La de hoy es una noche guay. Por fin Marquitos va a poder lucir su flamante túnica procesional y su puntiagudo capuchón, y podrá erigirse en cofrade de pleno derecho y deber en la Dolorosa. Sólo que va a llegar un poco tarde, jobar. Si mamá no se hubiera puesto tan pesada con eso de que se limpiara bien los zapatos, con Kamfor bien untados con el cepillo pequeño primero y luego dejándolos reposar por una hora para después frotarlos con el cepillo grande de brillo... Sin embargo, había valido la pena, pensaba Marquitos mientras adelantaba a zancadas por la calle de Santa Clara, contemplando la rutilante punta del zapato por entre los orificios de su capirote. Anda que no iba a fardar hoy, ni nada. No todos los niños de nueve años tienen oportunidad de desfilar junto al cofrade mayor llevando el cirio procesional.<br />Él era, sin lugar a dudas, un privilegiado.<br />Al atajar por el callejón vislumbró uno de los mugrientos bares abiertos en aquella noche especial, y sus dos únicos parroquianos, bebiendo vino con tacos de queso y jamón. Hombres malos, sin lugar a dudas, pensó, que no sirven para desfilar en la procesión, que seguro que no aguantan ni una hora en pie con la vela en las manos. Eso fijo. No les dedicó mucho pensamiento, pues enseguida se absorbió en inquietantes problemas tales como el modo de resolver discretamente un eventual picor de nariz.<br />Dentro de la mugrienta tasca, aislados del procesional ruido e incluso de la atención del dueño, extasiado ante el partido de baloncesto televisado entre el Real Madrid y el Olimpyakos, los dos hombres consumían la noche y los tacos de jamón y queso. Uno de ellos sacó al tasquero de su arrobamiento baloncestístico.<br />– Marcelo, tráenos más vino y más pa picar, quieres.<br />– Ahora va.<br />Marcelo remoloneó un poco mientras presenciaba el último tiro libre, y seguidamente trajo otra botella de rioja Tondeluna y un queso entero con su tabla y cuchillo.<br />– Lo partís vosotros, vale, que esto está muy interesante.<br />Los dos parroquianos bebieron en silencio. El más alto rebanó unas lonchas gruesas y ambos comenzaron a engullir, la cabeza baja, las narices coloradas. Tras unos minutos, rompió el silencio masticable.<br />- Dimas, tú de esto debes saber. ¿De verdad matamos a Dios en una cruz?<br />– ¿Y cómo te da por eso ahora?– intentó articular Dimas.<br />– ¿Pues cómo no me va a dar? En esta ciudad y en estas fechas... ¿No oyes otra vez los tambores? Casi doscientos mil turistas se vienen todos los años, a vernos desfilar a los zamoranos. A ver nuestras cruces y nuestros cristos. Y yo digo, todo eso, ¿pa qué? ¿Es nuestro jodío reclamo turístico? ¿Es como el carnaval pero con hábito negro en vez de enseñar el ombligo? ¿No te parece que todo esto es un montaje?<br />– ¿Y yo qué quieres que te diga, tío?<br />– No sé, tú estudiastes en el seminario... Algo te enseñarían, digo yo.<br />– Ya, pero eso fue hace mucho...<br />Dimas bebió otro vaso. Se hizo el silencio durante un largo minuto, sólo roto por los comentarios del ostensible imitador de Héctor Quiroga.<br />– Porque pa mí que es de cajón. Si Dios existe, no se va a dejar matar por las criaturas que ha creado. Vamos, digo yo. No puede ser tan poco listo, ¿no? Y si se deja matar es que no es Dios, en el sentido de que lo sabe todo, ¿o no? Al menos yo no lo haría...<br />– No, en eso sí que tienes razón... Yo tampoco.<br />– Pero tú me entiendes a lo que te voy, ¿no?<br />– ¿Y yo qué quieres que te diga? A mi no me preguntó, – dijo, marcando una clara transición hacia la melancolía. – A mí ya nadie me pregunta nada.<br />– Pues eso, que todo esto es un montaje. Te lo digo yo, un montaje. – Pausó para beber otro trago.– Y eso me lleva a otra pregunta, ¿cómo me demuestras que existe un Dios en el cielo?<br />– Joder, yo no te quiero demostrar nada...<br />– Te hablo en serio, ¿cómo puedes decir que hay un Dios después de ver lo puteao que está todo el mundo... que estamos nosotros y todo el mundo?<br />– Yo no he dicho que exista. Ni tampoco que no exista, yo sólo...<br />– Pero tú debes saber de eso, Dimas, ¿para qué estudiastes tantos años, eh?<br />– Ya no me acuerdo, cojones, eso fue hace mucho.<br />– ¿Pues sabes lo que te digo? Que yo no creo ni en Dios ni en los sabios. No me lo trago. He dicho.<br />Ambos bebieron de nuevo, con una curiosa sincronía que parecía ensayada. Se escuchaban ahora los ecos de tambores repiqueteando, y los serenos tonos de la banda musical que marcaban el paso disciplinado de los procesionantes. Marcelo fue desarrobado de nuevo por la demanda de una nueva botella. El queso desaparecía a ritmo más lento. El Real Madrid comenzaba a aventajarse.<br />– ¿Pues sabes lo que te digo yo?– exclamó de súbito Dimas – Que si dices que Dios no existe, yo te digo que tú no existes.<br />– ¿Que qué?<br />– Que si dices que tú no existes, yo te digo que Dios... No. Me explicao mal. Que si Dios no existe, tú tampoco.<br />– ¿Cómo que yo no existo? ¿Estás pedo o qué?<br />– Los dos estamos pedo...<br />– ¿Qué es eso?, ¿una de las cinco estaciones del..., del santo ese?<br />– ¿Estaciones de Vivaldi?<br />– Bueno, no me acuerdo, las cinco estaciones para la existencia de Dios.<br />– Las estudié hace mucho, cuando aún podía estudiar, –dijo Dimas, mohíno.<br />– Y bueno, ¿es una de esas? Contéstame.<br />– Algo parecido, pero no me acuerdo bien. El caso es que tú no existes porque quieres, ¿no? ¿Pediste tú alguna vez existir?<br />– Una mierda...<br />– Pues eso. Nadie te pidió permiso, ni quisistes por tu propio deseo, ¿no?<br />– No.<br />– Pues eso.<br />– ¿Eso qué?<br />– Pues... eso.<br />De nuevo se hizo el silencio. Julián se manchó la camisa con unas gotas de crianza. Dimas eructó. Su cara era carnosa y rosada, y las gafas soportaban gruesas dioptrías. Su compañero era más alto, de rostro cetrino, desilusionado, que pudiera haber sido hermoso y varonil. Julián partió nuevas rodajas del queso.<br />– Y aún te diré más – balbuceó Dimas con un peregrino deje apologético. – Tú dudas que Dios existe. Pues yo dudo que tú existas.<br />– Venga tío, estás pedo.<br />– Los dos lo estamos. A ver, demuéstrame que existes.<br />– Pues, joder, no sé, estoy aquí, contigo, hablándote.<br />– Eso puede ser una imaginación mía. Puedes ser un sueño mío... Puede que dentro de un minuto despierte y esté en una playa rodeado de brasileñas... y tú seas sólo un sueño.<br />– Pero yo sé que estoy aquí...<br />– Tú ves que hay un cuerpo delante tuyo, unas botellas, una televisión... pero eso no son más que impulsos químicos al cerebro, no asegura que tú existas. Podías ser..., por ejemplo, una planta. Sí, un arbusto. Un arbusto que sueña que es humano. ¿Quién te dice a ti que los arbustos no sueñan? En cualquier momento te despertarás del sueño y te darás cuenta de que todo eso era una ilusión. Volverás a ser arbusto. O, peor, no te darás ni cuenta...<br />– Dimas, me estás poniendo nervioso. Yo sí existo. Es lo único que puedo asegurar en este puto mundo.<br />– Pues no estés tan seguro. ¿Te acuerdas cuando íbamos juntos a la escuela? ¿Te acuerdas cuando hacíamos guerras de piedras y cuando nos colábamos en el cine del pueblo y cuando íbamos a espiar a la ventana de la Marisol y cuando te tuvieron que poner puntos en la rodilla?<br />– Como si fuera hoy.<br />– Pues de eso hace ya más de cuarenta años. Después nos separamos, cada uno por su lado, éramos jóvenes y nos íbamos a comer el mundo... ¿Y, ahora, qué? Volvemos a estar los dos aquí, en Zamora, donde nacimos, con un pedo cojonudo y con muchos menos años por delante que por detrás... ¿Qué hemos hecho de nuestra vida? A mi me parece que lo acabo de soñar. ¿Quién te dice que no estás soñando, o, peor, que no te estoy soñando yo a ti?<br />– Me estás agobiando... ¡Yo sí existo! Eso está claro...<br />– Pa mí que no está nada claro...<br />– Pero, joder. Yo te hablo, y tú me contestas. Yo me estoy bebiendo este vino...<br />– Podrías ser un sueño mío. O de Dios.<br />– Cago en la puta. Pero yo puedo decidir... voy pa aquí, voy pa allá. Hago esto, hago lo otro...<br />– Ja, qué iluso. Pues si puedes decidir tanto... ¿eres tú el que ha decidido así tu mierda de vida? Anda no me jodas...<br />Julián se calló. Durante unos instantes permaneció con la cabeza baja, restregándose el cuero cabelludo con sus enormes manos. Dimas le miraba con un asomo de superioridad que a la vez le nauseaba. Al cabo de un tiempo, Julián pareció despabilar.<br />– Pero... yo puedo hacer cosas... Cosas que influyen en la vida de los demás...<br />– ¿Como qué? – adujo su compañero cínicamente.<br />– Algo que, si yo no hubiera estado aquí, no habría pasado... – contestó Julián asiéndole el hombro izquierdo con desesperación.<br />– ¿Como qué? – le miró, desafiante.<br /><br />Se hizo el silencio de nuevo. El pivot madridista acababa de meter un triple. La ventaja era clara para el equipo español. Julián volvió a bajar la cabeza en desesperación suma. Dimas regoldó otra vez. Sólo quedaban posos en los vasos y en la botella, y un poco de queso y una tabla y un cuchillo...<br /><br />La mañana de Viernes Santo apareció nublada, pero fue despejando paulatinamente. A las doce brillaba un sol castellano, que entraba por las estrechas ventanas de aquel piso de clase media y ladrillo rojo zamorano. La madre despertó a Marquitos de su glorioso sueño. Dormilón, ya valía de dormir, aunque se hubiera acostado tan tarde. Venga, que hoy tienes que salir también. A ver si te piensas que ser cofrade es cosa cómoda.<br />Marquitos abrió un ojillo. Anoche había sido un poco palo al final, pero había resistido como un hombre. Hubo alguno que abandonó, ya se había enterado, pero no él. Se auguraba un porvenir honroso como cofrade. Y hoy había que volver. Cuando llegó a la cocina su padre se encontraba leyendo el periódico después de un frugal desayuno. Su padre era un castellano de pro, que llamaba al pan, pan y al vino, vino, sin miedo a quien tuviera delante. En su casa no había temas que no se pudieran comentar delante de los niños.<br />– Marta, ¿no es el Tarumba el bar de tu primo?<br />– No, ya no. Lo vendió hace un año.<br />– Menos mal. No le hubiera venido bien esta noticia.<br />– ¿Pues? ¿Qué pasó?<br />– Y en la noche de Jueves Santo... Dos hombres están charlando y, de repente, uno va y le pega al otro un tajo en la garganta...<br />– Horrible. Date prisa, Marcos, que tienes que estar a las doce y media ya preparado.<br />– Voy, mamá.<br />– Y parece que eran amigos íntimos, y que el camarero no oyó que se enfadaran ni que dieran gritos. Fue de pronto.<br />– Qué espanto. Pero no te dejes la leche, Marcos. Acábatela.<br />– Jobar, mamá, que llego tarde.<br /><br />Marquitos recorría a zancadas la calle de Santa Clara. Sus zapatos negros emitían un brillo resplandeciente. Tenía que driblar a centenas de turistas que entorpecían la circulación en su sentido, así que optó por desviarse y tomar una callejuela. Dejó a su derecha un bar precintado con un coche patrulla junto a la entrada, pero apenas se dio cuenta. ¿Debería contestar si alguien entre el público le saludaba mientras portaba el cirio procesional al lado del cofrade mayor? Esta cuestión le había atormentado la noche anterior y aún no había podido hallar respuesta satisfactoria.<br />En fin, absorto en resolver tales problemas prácticos que pudieran surgir durante la procesión, Marquitos se encaminaba a zancadas hacia su glorioso porvenir como cofrade.<br /></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-55304999932816293812009-12-29T07:00:00.000-08:002009-12-31T13:43:20.825-08:00CIUDAD DE LEJOS<div align="left"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgffOHBwu5XSyyfg6khRnt8HpkS-1GGN-DUrrEGECok356YWJUaTKSZ7BKe-zfaoNL52kNMFVAVi8AtZQfvyrMIytB5tFKXN7Kw16iY01GtJBJ3pDr9gzzixiPuH0PVom7gufjjil8Z9JFp/s1600-h/CIUDAD+DE+LEJOS.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; DISPLAY: block; HEIGHT: 291px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5421517891311892050" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgffOHBwu5XSyyfg6khRnt8HpkS-1GGN-DUrrEGECok356YWJUaTKSZ7BKe-zfaoNL52kNMFVAVi8AtZQfvyrMIytB5tFKXN7Kw16iY01GtJBJ3pDr9gzzixiPuH0PVom7gufjjil8Z9JFp/s400/CIUDAD+DE+LEJOS.JPG" /></a> <div align="left"><br /><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">Ariadne auf Naxos en el Euskalduna (ABAO),</span><br /></span><span style="font-size:85%;">por ROBERTO BLANCO</span> </div><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 320px; DISPLAY: block; HEIGHT: 213px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5420673795282036514" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij9vqUPDtA_16rDcnyU3lnHzfOwhRwKMkN6UUtidP2Ii2pr-fiAqqYkNxuFYruZa1y2yTyfO6tiXCR3Ylo3HYquqO2qYGZs8AVLqW3pQGhEuin6l2ssfac9pzgUQoGP-4oAQW5nsA9IuLy/s320/ariadne_auf_naxos.jpg" />Difícil es que defraude un espectáculo o una producción lírica de calidad, como es el caso de la Ariadne auf Naxos de Richard Strauss, cuando se presenta con un reparto adecuado y con un manifiesto interés en mostrar la excelente trama de Hugo von Hofmannsthal con un buen subtitulado y con la calidad de la producción que estrenara el Gran Teatre del Liceu hace seis años.</span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">La puesta en escena que subió al escenario del Euskalduna como segundo título de la 57 Temporada de la ABAO con escenografía clásica de Tobias Hoheisel, no es que brille con especial belleza por su concepción, pero da pie a que la precisa dirección escénica de Uwe Eric Laufenberg funcione con facilidad y sin obstáculos, manteniendo un buen ritmo narrativo pese a la aparente sencillez de los decorados. Una puesta en escena que hacía patente la diferencia entre el mundo clásico y convencional de Ariadna y Baco por un lado, y el instintivo y emocional de Zerbinetta por el otro, mediante el vestuario y el movimiento de los personajes: Mientras Zerbinetta y los suyos gozan de total libertad de acción, simbolizando la creatividad artística sin límites, los intérpretes de la ópera propiamente dicha se movían rígidamente, reflejando las normas clásicas que les impedían una mayor libertad de movimientos.<br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;">De la primera parte de la ópera hay que destacar el cuidado trabajo de la soprano Michelle Breedt como Compositor, una intérprete muy completa que supo dar relieve a su personaje, y la autoridad teatral del Mayordomo interpretado por el eficaz actor Götz Argus.<br />Sin pausa entre prólogo y ópera, la exquisita trama de Hofmannsthal se resolvió con pocas sorpresas escénicas, pero realzadas por un colorido y una iluminación particularmente vistosos y eficaces. La Ariadne de Adrianne Pieczonka consiguió la progresión dramática necesaria para resolver su actuación con la sensibilidad y entereza que pide su parte, mientras que el Bacchus de Klaus Florian Vogt fue correcto, con una voz ajustada y una prestación adecuada pese a un timbre no demasiado bello.<br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;">En cuanto a la soprano rumana Valentina Farcas, a pesar de una emisión no demasiado cuidada, hizo una interpretación de calidad en el siempre difícil y exigente papel de Zerbinetta, aunque más a nivel actoral que canoro, con problemas especialmente en el temible registro agudo de “Grossmaächtige Prinzessin”. Pero estuvo perfectamente secundada por el grupo de cómicos, y el resto del amplio reparto se mantuvo a un nivel bastante apreciable.<br />Concertó y dirigió con suavidad y tacto pero también con autoridad, Stefan Anton Reck; imprimió ritmo y mantuvo el equilibrio entre los pupitres de la Kammerorchester Basel, conteniéndola para proteger a los solistas y consiguiendo bellos efectos en la armonía sin descuidar el ordenado barullo melódico que creara el genial Richard Strauss.<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Interiores de un emperador:<br />Adriano en Londres</span><br /><span style="font-size:85%;">por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA<br /></span><br />A finales del mes de octubre se ha clausurado la que sin duda puede calificarse como una de las grandes exposiciones de este año 2008: la dedicada al emperador Adriano en el British Museum de Londres. La exposición, magna en propósitos y logros, ha sabido perfilar con precisión una figura decisiva de la Historia de Occidente, y que cuenta además con especial significado por estas tierras nuestras, dado que se trata de un personaje que no sólo tenía evidente raigambre hispánica, sino que además hacía gala de ella. En efecto, Adriano, nacido en realidad en Roma (aunque algunas fuentes sugieren Itálica como ciudad natal), procedía de una familia bética, y la acuñación imperial de moneda se recrea en esta cuestión; una de las piezas más hermosas de la exposición del British es un espectacular áureo que presenta la efigie de Adriano en el anverso, y en el reverso una figura femenina con una rama de olivo en la mano, a modo de encarnación de Hispania. Y es que en el olivo está el ‘quid’ de Adriano, de su ascendencia y de su imperio. El comisario de la exposición, el conservador Thorsten Opper, subraya la ascendencia surhispánica de Trajano, padre adoptivo de Adriano, e igualmente pone énfasis en las raíces parentales del propio Adriano, cuya enriquecida familia dotó al Senado con varios miembros. Los productos mediterráneos, y en particular el aceite, proporcionaron una vida muelle a los béticos. Una molicie que permitió, a su vez, la excéntrica vida de Adriano –el primer emperador barbado, dicho sea de paso–, su desmedida afición a la caza, sus viajes y su gusto por lo griego –que le valió el apodo de Graeculus–, su tendencia a la literatura, la filosofía, la belleza… en combinación con un imparable cursus honorum y una mano firme en que se aunaron la violencia más implacable… y la ternura homosexual más desbordada.<br />La exposición arranca y muere en la literatura: desde las célebres ‘Memorias de Adriano’ de Marguerite Yourcenar, cuyo manuscrito se exhibe en una vitrina como idea desde la que iniciar el itinerario, hasta los reflexivos versos Animula, vagula, blandula… atribuidos al emperador, con los que se cierra la muestra; igualmente, las palabras de los escritores clásicos sirven de lúcida guía por las diferentes secciones de la exposición. Excediendo a la palabra, la imponente presencia de Adriano, representada por los fragmentos de una monumental estatua del emperador de casi cinco metros de altura recientemente hallada en Sagalassos (Turquía): cabeza, brazo y pie hercúleos, que verdaderamente sobrecogen.<br />Guerrero. Soñador. Visionario. Las diversas facetas del emperador, hasta las más peculiares, se muestran en esculturas varias: la célebre cabeza juvenil en bronce extraída del Támesis en el XIX, además de otras imágenes en las que Adriano aparece bien con atuendo griego, bien desnudo con tocado marcial (y poco imperiales atributos), bien con toda la artillería militar encima y aplastando a un bárbaro de reducido tamaño, bien con gesto implacable, bien meditativo y ya maduro. En todas ellas, una nota común: un peculiar pliegue en el lóbulo de su oreja. Un detalle anatómico que permite especular con una enfermedad coronaria del emperador (es un rasgo frecuente en enfermos de esta categoría), quien, por lo demás, murió de muerte natural, ajeno a dagas y venenos: todo un logro en el Imperio Romano.<br />La exposición explora otros aspectos interesantísimos: la inclinación de Adriano por la arquitectura es uno de ellos. Su huella en la restauración del Panteón se ha perpetuado posteriormente en algunos edificios más que notables: San Pedro del Vaticano, Santa Sofía, Santa María de las Flores, la mezquita Suleimaniye, el frustrado Halle des Volkes de Speer… o la propia cúpula de la ‘Reading Room’ del British Museum bajo la que se custodia la muestra adrianea. </span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">Como era de esperar, no falta un espacio dedicado a la Villa Hadriana en Tívoli, con una magnífica maqueta y un fondo con enormes fotografías retroiluminadas. Desde la Villa Hadriana nos adentramos de forma natural en el universo de Antínoo. Una fascinante escultura del mítico efebo de Bitinia permite explicarse por qué todo un emperador pudo caer de rodillas ante él. En ese espacio, también, se exhibe la espléndida Copa Warren, con escenas homosexuales explícitas. Y frente a este entorno estrictamente masculino: el honor, la pudicia, la venerabilidad de Vibia Sabina, la esposa de Adriano, deificada a su muerte; la mujer de la que se dice que no llegó a consumar su matrimonio pero que, en cambio, mantenía relaciones lésbicas con alguna que otra amiga.<br />Entre todo ello, cascos, corazas maravillosamente labradas, vestigios de represión, de liderazgo político-militar y territorial (la ciclópea Muralla de Adriano del 122 que dejaba a los “bárbaros” al otro lado del Imperio), también de afectos paterno-filiales (el precioso camafeo de Trajano y Plotina, los retratos de Marco Aurelio y Lucio Vero niños)… y de reflexión sobre la muerte: un lugar en que reposar (el Castillo de Sant’Angelo) y unas palabras para la posteridad (Animula vagula blandula,/ hospes comesque corporis/ quae nunc abibis in loca/ pallidula rigida nudula/ nec ut soles dabis iocos).<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Cy Twombly en la Tate Modern</span><br /><span style="font-size:85%;">por YOLANDA NOVOA</span><br /><br />La exposición retrospectiva de Twombly lleva por título Cycles and Seasons, por lo que no extraña que se estructure en base a ciclos temporales a la vez aislados y concatenados cronológicamente. Representados conceptualmente por distintas rooms, que forman la arquitectura artística del creador, ofrecen al espectador la oportunidad de investigar en estos espacios, descubriendo los detalles más íntimos de la pasión de Twombly: la pintura.<br />En las primeras salas de los años 50 aparecen caligrafías ininteligibles: rayados o esgrafiados sobre los lienzos y papeles, posiblemente influenciado por su trabajo de criptógrafo en el ejército tras ser reclutado en 1954. En esta época se instala en Roma y queda hechizado por el mundo clásico, por la luminosidad del Mediterráneo y los poemas de Mallarmé. Estas influencias quedan patentes en Olimpia, y Arcadia. También podemos apreciarlas en otros trabajos sobre papel, con varios elementos recurrentes: el horizonte, el blanco de las olas, signos incomprensibles, series de números… Parece que el artista no pudiera controlar el impulso de rayar automáticamente con el crayon, de arrojar masas de pintura, apretando el tubo directamente. </span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">Instalado en Roma, las salas de los años 60 revelan otro ciclo vital y artístico, aunque conserve algunas constantes de los anteriores. Introduce en las obras un estallido de color y materia, una estética barroca plena de violencia y símbolos sexuales. Es una esplendida lección de expresionismo abstracto que se materializa en la serie Ferragosto, donde acrecienta la intensidad cromática y el grosor de las texturas. Es una representación de la fiesta: rojo de sangre, marrones escatológicos y marcas directas de las manos que acarician el lienzo en un impulso final de no querer finalizar el acto creativo, bailando, embriagándose, danzando con la pintura.<br />Años 70. Penetramos en otro recinto, donde la intensidad de la luz se reduce y recuerda que la vida contiene etapas tristes que influyen poderosamente en cualquier representación plástica y que la obra de un artista es su autentica radiografía. Entramos en silencio, como si se tratara de un templo religioso, para no interrumpir el ritual. La muerte de un ser querido (Nini Pirandello) queda plasmada en forma de poemas visuales de gesto contenido, con suaves veladuras y esgrafiados descendentes que tienden al pesimismo y la delicadeza.<br />Superado el ciclo anterior, Twombly demuestra su fascinación por el arte clásico al convertirlo en protagonista de su producción durante los años 80. La tragedia de los personajes mitológicos Hero y Leandro se convierte en objeto de la exquisita trilogía de lienzos que preside esta sala. El peligro de la profundidad marina se ve acentuado por misteriosas olas verdes y violáceas de bellísimas tonalidades, amplias pinceladas van descargando pigmentación hasta desembocar en una orilla tan blanquecina como inalcanzable. El artista rescata aquí los mitos clásicos para contemporaneizar sus tragedias, recurrentes a lo largo de la historia del arte.<br />La habitación estrella está compuesta por las dos series de las cuatro estaciones. Primavera., verano, otoño e invierno. Son cuadros de tamaños desmedidos que sugieren el esplendor de los ciclos naturales. El autor despliega todo su vigor expresivo en estas evocadoras creaciones, donde convierte manchas abstractas en formas naturales, inspirado por los poemas de Rilke. El pigmento, protagonista absoluto, impacta sobre la superficie y se desmaterializa, fluyendo en líquidos torrenciales. El concepto principal del ciclo vital alcanza la cima en estas obras, vida y muerte en un círculo perfecto.<br />La etapa que cierra la exposición conmemorativa del 80 aniversario de Twombly impacta por la enormidad de la escala. Las señales criptográficas de los años 50 se convierten en gigantescos rastros de vuelos ondulantes en el espacio. De las pinceladas, muy diluidas, surgen diminutas huellas. Y nuevamente recurre a los mitos clásicos, concretamente a la figura de Baco. Por ello impera el rojo monocromo, como connotación del vino, del placer, de la relajación sensual y las orgías, en estas últimas obras alumbradas en 2005.<br />La exposición podrá ser admirada en el Museo Guggenheim de Bilbao a partir del 28 de octubre.<br /><br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:130%;color:#333399;">ENGLISH TRANSLATIONS<br />Santanderinos en el Instituto Cervantes de Londres</span><br /><span style="font-size:85%;">por JESÚS ALBERTO PÉREZ-CASTAÑOS</span><br /><br />ENGLISH TRANSLATIONS ha sido un recentísimo proyecto cultural que ha reunido el trabajo creativo de artistas, escritores y músicos de Cantabria. Se presentó en el Instituto Cervantes de Londres el martes 9 de septiembre en una celebración gozosa y entusiasta. Un evento global que ambicionaba tener repercusión mediática en una ciudad saturada de arte. La presentación del trabajo colectivo de seis pintores, cuatro poetas, dos fotógrafos y dos músicos cántabros desde un nivel de tanta exigencia, resultó un reto de fascinantes logros. Todo ello no hubiera sido posible, sin la ayuda y coordinación de la Autoridad Portuaria de Santander, entidad que está realizando un importantísimo apoyo a la cultura y el arte en Cantabria.<br />La ceremonia de apertura de ENGLISH TRANSLATIONS concitó un numeroso público que siguió con atención la programación establecida. Este acto de presentación en el Instituto Cervantes de Londres contó también con la presencia de su Director, el novelista Juan Pedro Aparicio, la Jefa de Actividades Culturales, Olvido Salazar y otros responsables del Centro. Acudió igualmente una representación de la Embajada de España, en la persona de su Canciller y sus primeros secretarios. </span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">La celebración se inició con la actuación del rabelista Chema Puente, acompañado a la guitarra flamenca por Ramón Fernández. Los asistentes pudieron comprobar la resolución interpretativa de los músicos, que mostraron la facultad de la tonada tradicional de Cantabria, por ser percibida en toda su dimensión sensible y evocadora. El talento y la acompasada voz de Chema Puente, junto con la guitarra de Ramón Fernández, concluyó en una cerrada ovación de un público emocionado. </span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">Alternados entre las canciones, recitaron cuatro de los más interesantes poetas que escriben en Cantabria: Ana Rodríguez de la Robla presentó un conjunto de textos frágiles y poéticos cuya armónica construcción y equilibrada estructura semántica, constituyen uno de los más fascinantes recorridos por el esplendor que se aloja en la palabra. Narraciones escritas desde una distante melancolía que se establece, como posicionamiento conceptual ante la declinación inevitable del tiempo y su fugaz travesía por la belleza. Reflexión establecida, a modo de periplo vital de recorrido casi geográfico, por un paisaje narrativo inmerso a su vez en un ámbito de magnífica trascendencia.<br />Fernando Abascal Cobo es un minucioso orfebre que observa los detalles que conforman la estructura lírica de la ausencia y su elaboración en un discurso directo y escueto. Uno de los escritores más precisos a la hora de deslindar el rastro de la errancia y el territorio del desconsuelo. Capaz de otear la escasa firmeza de la realidad cuando la memoria se sustenta sobre aguas fluctuantes. A él pertenecen algunos de los poemas más conmovedores de la poesía cántabra contemporánea. Guillermo Balbona presentó en este proyecto un conjunto de poemas de compleja configuración, cuyo destino es materializarse en un emotivo monólogo, donde aparecen inquietantes versos de enigmática claridad, en un soberbio trabajo poético que se realiza con sensibilidad y firme traslación expresiva. La amplia gama de recursos formales que posee al posicionarse en la distancia del poema y su soledad, le hacen parecer un hábil francotirador.<br />Juan Antonio González Fuentes, en el comienzo de su intervención, realizó una afortunada y descriptiva metáfora para explicar la construcción de sus poemas, al acudir al símil del famoso dripping del pintor Jackson Pollock. La plasticidad tan determinante que se aposenta en su prosa y las insólitas imágenes utilizadas al modo pictórico, como derramados y estarcidos, demuestran el conocimiento argumental del texto que posee y su finalidad última de reconstruir el mundo, de rehacer la palabra aunque ésta se sustente en el silencio y su muda presencia de naufragio. La evocación de un lenguaje simbólico rubrica su original dependencia a la alegoría y la paráfrasis, con fascinantes resultados. Durante la casi hora y media que duró el recital, fuimos conscientes de apurar un tiempo especialmente hermoso, una magnífica oportunidad para exteriorizar la vitalidad e interés de la cultura realizada en Cantabria en un marco excepcional.<br />Finalizadas las actuaciones, se pudo visitar la amplia exposición que ocupaba el vestíbulo, las escaleras, pasillos y salas de éste noble edificio. En el amplio vestíbulo situado en la planta baja, se dispuso un espléndido trabajo de Yolanda Novoa, que llenó de hermosa fragilidad aquella estancia. Una construcción de 2 metros por 2,20 m realizada sobre un bastidor cúbico de madera blanca, desde el cual se derramaba una cascada de gútulas y lamas construidas en papel policopy mate. A su vez, estaban impregnadas de aguadas magentas muy diluidas que dejaban surcos y sedimentos y se interferían entre si con veladuras y transparencias mágicas. Soporte que a su vez mostraba imágenes de las dos “Gracias” (Aglaya y Eufrósine), símbolos de la creatividad, de la alegría, de la vida. El título de la obra: De latir, mi corazón se ha parado.<br />En una sala contigua, la obra de Ángel Izquierdo estaba representada por cuatro cuadros dispuestos conjuntamente en línea. Ofreciendo la estimulante singularidad de apreciar un trabajo expandido y continuo, donde la engañosa percepción de las imágenes construidas digitalmente, es resultado de un proceso visual altamente técnico y sofisticado. Imágenes esquivas que se afianzan en un entramado de líneas cruzadas y superposiciones que aportan soluciones sensoriales y sígnicas en un contexto de irrealidad y color de resultados vibrantes. En el mismo lugar cinco magníficas fotos de Javier Vila establecían la motivación del viaje como elemento conductor de sus imágenes, llenas de inmediatez y soltura gráfica. Una de ellas positivada en un rotundo tamaño de 3,30 m. de largo por 75 cms. de alto, fijaba su potencia descriptiva enalteciendo elementos iconográficos, que hacía de ella más un breve relato costumbrista que una fotografía al uso. Proceso que ahonda en la dialéctica fotografía y literatura, correspondencia fascinante en un trabajo artístico. Sobre el vano de la escalera principal, presidiendo el vestíbulo, colgaba-flotaba una soberbia pieza de Rafael Leonardo Setién titulada Las bodas químicas. Un vestido de novia ataviado con una máscara anti-gas a modo de espantado rostro, se sostenía en el vacío por invisibles hilos y oscilaba como una aparición fantasmagórica, en una representación extraordinariamente romántica de la pureza vulnerada, de la inocencia exenta de culpa, en un entorno agobiante y contaminado. Acompañaban a esta obra 16 dibujos magníficos situados en una de las salas de la primera planta, igualmente simulacros de máscaras, sombras, cabezas y rostros de preciosa factura, láminas de un imposible libro que hablara de la desolación. En una vitrina situada también en el vestíbulo, se exhibía una pequeña colección de pequeñas esculturas de máscaras anti-gas, labradas sobre ¡pastillas de jabón! Material inusual pero perfectamente adaptado para mostrar todas las posibilidades estéticas de lo cotidiano y un guiño desacralizador a los materiales divinos en el arte.<br />Damian Rodríguez Verloop, es uno de los jóvenes pintores que han escogido la pintura como traducción de un mundo personal pleno de tensiones y alegorías vitales. Desarrollos emblemáticos, utilizados a modo de sensible análisis que se representan por el uso del color en superficies compactas, rotas en ocasiones para provocar perfiles y desgastes acuosos, con inclusiones de caracteres propios de la escritura, descrita a su vez como erosiones de un pincel o heridas sobre el lienzo. Ricardo Cavada presenta seis cuadros de inquietante plenitud compositiva. Territorios de color donde el artista estructura lindes que separan y orientan otras superficies cromáticas, plenas de matices y transparencias, unas veces clarificadas en aguas de impronta diluida y carácter lírico, otras en densidades profundas que hace parecer a la pintura como un sedoso tejido de brillo aterciopelado. Se disfrutan éstas obras con el deleite de contemplar raras piezas de gran perfección técnica. Es este pintor un capaz artífice de la belleza, todas sus obras son resultado de la habilidosa capacidad que posee para transformarse en inexcusables razones para el gozo contemplativo.<br />En cuanto a Bruno Ochaíta, ocupó un extenso espacio en la escalera entre las plantas segunda y tercera, donde un total de 22 fotos de diverso tamaño, se expande en una instalación de más de seis metros que a su vez parten de un vinilo de dos metros de alto, prototipo del cuerpo del fotógrafo de cintura abajo. El hallazgo fortuito de objetos y escenas que se encuentra al paso, aporta ocasiones para fotografiar aquello con que se tropieza. El suelo y los pies de fotógrafo, es la perspectiva destacable entre un sinfín de cosas que pululan ofreciendo su más descarada realidad, asuntos que su estimulante juventud interpreta como auténticos tesoros al descubierto. Por último, en la tercera planta, Joaquín Martínez Cano, estableció a través de un conjunto de cuadros, soluciones sorprendentes de enigmática verosimilitud. En ellos los relieves y la pintura establecen un diálogo de formas e imágenes. Un entramado óptico de colores y claroscuros que simulan sutiles matices reveladores de una retina inquisitiva. Una personalísima manera de vislumbrar la realidad entre sombras y planos coloreados, resaltes aludidos en una ficción que al ser escrutada nos deja ver su auténtica naturaleza abstracta, de belleza rotunda. </span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">Ellos fueron los artistas, los músicos, los poetas que dieron voz a la cultura de Cantabria en Londres. Un proyecto cuya trascendencia se mide por el entusiasmo que despertó y la atención que nos prestaron. Su valoración responde a la necesidad cada vez más urgente de mostrar fuera de nuestra Comunidad Autónoma, una cultura de calidad que es apreciada en su justa medida.<br /><br /></span><span style="font-size:130%;"><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="color:#333399;">Turandot en el Euskalduna (ABAO),</span><br /></span></span><span style="font-family:trebuchet ms;"><span style="font-size:85%;">por ROBERTO BLANCO<br /></span><br />Pretender presentar Turandot en un marco fastuoso sin que haya lugar a concesiones que aludan al orientalismo arqueológico o a falsas chinerías es un gran riesgo, pero zambullirse en la obviedad es todavía peor. Es lo que ha conseguido Nuria Espert con su producción que clausuraba la 56 temporada de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO).<br />El elemento ceremonial no debe ser sólo decoración, sino raíz de la sustancia dramática, que en esta Turandot quedó empañado por una regia al menos discutible: los movimientos escénicos no permitieron el fluido desarrollo de los sucesivos cuadros, creando una sensación de sofoco que acabó convirtiendo en carnavalesco el rito cruel e imperativo de la principessa di gelo; el temible verdugo Pu-Tin-Pao era aquí una escultural mujer, pero sobre todo sorprendió el suicidio de la protagonista mientras el coro canta las glorias del amor. </span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">Antonello Allemandi se apropió de la Orquesta Sinfónica de Euskadi dispuesto a extenuar los sonidos y hacerlos tronar en excesivos fortissimi, como si la representación tuviera lugar en la Arena de Verona, eclipsando lo que ocurría en escena y tapando a sus cantantes en casi todo momento. De ellos, Marco Berti –cantó Gioconda en Santander hace dos años- construyó un Calaf de voz bella y poderosa, mejor en las partes heroicas que en los momentos más íntimos, como en el “Non piangere Liù”, y su esperado “Nessun dorma”, con su agudo final engullido por la orquesta, no fue especialmente brillante.<br /></span><span style="font-family:trebuchet ms;">Víctima también del exceso orquestal fue Latonia Moore, una Liù insegura al principio, con voz ligeramente velada pero con adecuada proyección, que finalmente recogió la mayor ovación.<br />El trío de ministros Ping, Pang y Pong (Marco Moncloa, Jon Plazaola y Mikeldi Atxalandabaso) actuó con buen movimiento escénico y estuvo correctamente acertado. En cuanto a la protagonista, la elogiada Adrienne Dugger, no parece que Turandot sea su papel: su voz no tuvo la capacidad de expandirse con fuerza y dulzura a la vez, su agudo rozaba el grito, con desajustes tímbricos continuos, y su excesivo vibrato acabó incomodando a los oyentes. </span><br /><span style="font-family:trebuchet ms;">Finalmente, el Coro de Ópera de Bilbao, aunque bien empastado, acabó atronando la sala en su duelo particular con la orquesta. </span></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-28360136316795322662009-12-29T06:51:00.000-08:002009-12-31T11:06:19.403-08:00BREVERÍAS<span style="font-family:trebuchet ms;">El cineasta cántabro Álvaro García estrenó este verano en Madrid su último trabajo, Cuestión de fe. Con una duración de 19 minutos, a caballo entre la comedia erótica y el musical, se trata de una producción de Cantabria Visual que cuenta con los actores Roberto Jubete, Patricia Mediavilla y Pedro Morales. Cuestión de fe ha sumado ya varios premios, entre los que cabe contar el Premio del Jurado y del Público en Sotocine 2008.<br /><br /><br /><span style="color:#000099;">Los Cines GROUCHO han estrenado página web, donde pueden seguirse sus últimos estrenos: <span style="color:#000000;"><a href="http://www.cinesgroucho.com/">www.cinesgroucho.com</a></span>. Además, en este verano se celebró la cuarta edición de su ciclo, ya clásico, “El sabor del cine”, que aborda las relaciones entre cine y gastronomía a través de la proyección de once películas.<br /></span><br /><br /><span style="color:#cc6600;">Creación y promoción laten en el fondo de un nuevo proyecto impulsado desde Cantabria y vertebrado por una idea básica: representar y promocionar a ilustradores y artistas, gestionando los derechos de reproducción de sus obras. La Agencia de Ilustración Mimuik cuenta con la labor y la experiencia de la historiadora del arte cántabra Inés Obregón, que cuenta con una larga experiencia ligada a ferias, galerías y centros de arte. Mimuik se dirige a todas aquellas empresas que trabajan con la imagen y que buscan reforzar su identidad e iconografía pública. Mimuik, que empezó a concebirse en Nueva York, nace no obstante como firma creativa con base en Santander y Madrid, aunque su ámbito de actuación se extenderá cuanto hoy permiten las nuevas tecnologías. Más información: </span><span style="color:#000099;"><a href="http://www.mimuik.com/">www.mimuik.com</a></span><br /><br />Luis Avín, colaborador de nuestra revista, ha activado su propia página web. Quienes quieran visitarlo, pueden encontrarlo aquí: <span style="color:#cc6600;"><a href="http://www.nomuzak.com/luisavin/">www.nomuzak.com/luisavin/</a></span><br /><br /><span style="color:#006600;">La antigua nave Sotoliva, en Carlos Haya, renovado espacio santanderino de la Autoridad Portuaria con el nombre de Sala Naos, reinicia su actividad expositiva ligada al arte. Desde el 16 de octubre dará cabida a una muestra colectiva, representativa del trabajo creativo de doce artistas españoles que habitualmente desarrollan su trabajo en Inglaterra. La nómina la integran Ana Aceves, Carlos España Caparrós, Guillem Ramos Poquí, Uliana Montoya, Loli Cardeñoso, Lorenzo Belenguer, Marisol Cavia, Manuel J. Noguera de Haro, María Alvarez Echenique, María Zulueta, Natalia Rivero Sanz y Trinidad Ball. La Autoridad Portuaria y el Instituto Cervantes han organizado este proyecto, concebido y comisariado por el artista cántabro Jesús Alberto Pérez-Castaños. La propuesta, titulada English Translations, ha unido a creadores cántabros con otros artistas españoles afincados en Inglaterra en un trayecto expositivo entre Santander y Londres. El Instituto Cervantes londinense acoge desde el pasado mes de septiembre la muestra, ya difundida, de seis pintores, cuatro poetas, dos fotógrafos y dos músicos cántabros. Este programa creativo, del que se da noticia exhaustiva en la sección “Ciudad de Lejos” de QVORVM, ha gozado de una gran aceptación en Londres, hasta el punto de llevar al Instituto Cervantes a prorrogar la muestra hasta el mes de noviembre, en coincidencia con la intensa oferta cultural que vive la capital inglesa durante el otoño.<br /></span><br /><span style="color:#663366;">El otoño musical de la Fundación Marcelino Botín se inicia en este mes de octubre, y acogerá en noviembre el estreno de la obra del compositor cántabro Antonio Noguera en memoria de Juan José Mier, obra que obtuvo el Segundo Premio en el VII Premio Internacional de Composición Manuel Valcárcel convocado por la propia Fundación.<br /></span><br />Todos estamos invitados, de Manuel Gutiérrez Aragón, se ha hecho con la “Violeta de oro” del XIII Festival Cinespaña de Toulouse, en el sur de Francia, donde también fueron premiados los actores Blanca Portillo y Oscar Jaenada, reconocido este como mejor actor por su interpretación de un miembro de la banda terrorista ETA en la película de Gutiérrez Aragón. El documental cántabro Donde aprendiste a vivir, que se ocupa de la historia de la construcción del Pantano del Ebro, fue también seleccionado para participar en este Festival que se celebra en la ciudad francesa en el mes de octubre. Donde aprendiste a vivir fue estrenado en Reinosa el pasado mes de junio en el Teatro Principal y en julio se presentó en la Expo de Zaragoza; también ha participado en el I Festival de Documentales Adolfo Marsillach. Sus tres directores (Álvaro de la Hoz, Pedro Pablo Picazo y Marta Solano), también autores de los premiados trabajos Cuando yo me haya ido y Cultura del Territorio en los Montes de Pas, ambos sobre el entorno pasiego, están vinculados a la productora Burbuja Films.<br /><br /><span style="color:#cc6600;">La santanderina Arantzazu García Bayón, cofundadora del colectivo independiente de cineaastas con sede en Londres Madremedia, y galardonada con el premio al mejor guión y premio del Jurado en la XX Semana de Cine de Medina del Campo 2007 y así mismo con el Premio Canal + 30 Films de Femmes (Paris, 2008) por Un hombre tranquilo, está preparando el rodaje de su cuarto título en Cantabria, Dolce di Lombo.</span> </span>Unknownnoreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-38110004173438034802009-12-29T06:47:00.000-08:002010-01-01T03:55:44.945-08:00PUNTO DE ENCUENTRO<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwROQ2DZf7YeU9X4m6XZ2ECg6080XwKCTqD8e3WFOuGMjcsG0Jcx6hAujCfowRZB8yQOkyq4uroPo_VhSPQkm9VHel0aIKQKiIZ0BDblq2g8GM0r4SE_M7sqs8aJS6_EHWX3GUZEY0y_et/s1600-h/PUNTOS+DE+ENCUENTRO.JPG"><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 319px; DISPLAY: block; HEIGHT: 400px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5421738654473304386" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwROQ2DZf7YeU9X4m6XZ2ECg6080XwKCTqD8e3WFOuGMjcsG0Jcx6hAujCfowRZB8yQOkyq4uroPo_VhSPQkm9VHel0aIKQKiIZ0BDblq2g8GM0r4SE_M7sqs8aJS6_EHWX3GUZEY0y_et/s400/PUNTOS+DE+ENCUENTRO.JPG" /></a> <div><div align="center"><strong><span style="font-size:180%;">***</span></strong><br /></div><div><span style="font-family:trebuchet ms;font-size:130%;color:#333399;">Rebelión de las flores: Mil Rosas en Santander</span><br /><br /><span style="font-family:trebuchet ms;font-size:85%;">texto ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA<br />fotografía JAVIER LAMELA</span><br /><br /><span style="font-family:trebuchet ms;font-size:85%;color:#333399;">MIL ROSAS. Calle del Cubo, 1. Santander.<br />Teléfono: 942213041. E-mail: <a href="mailto:santander@milrosassantander.com">santander@milrosassantander.com</a></span> </div><br /><p></p><img style="TEXT-ALIGN: center; MARGIN: 0px auto 10px; WIDTH: 400px; DISPLAY: block; HEIGHT: 264px; CURSOR: hand" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5421738500699466658" border="0" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitKsFU-t65I59hihnyYWEC4yrpYSnVjI-hHfJQtMg-e_w3eLrMI2FtujWkDb_cRs56Jng7gRPK46GlKj-CV4y5tn6K2OMCliFFbAIrhatbyC7SW08sXwPZCwAKAvbBdbDkBej7cJd0ZPg_/s400/Mil+Rosas.jpg" /><span style="font-family:trebuchet ms;">Entiende un ramo de rosas como una rebelión de la belleza, y defiende el derecho de las flores a nacer y morir. Cuando compramos un ramo que se extingue en nuestra casa, en nuestro jarrón más transparente, se escribe una historia pequeña de amor. Es lo que piensa Charo Cuena, y lo dice con desbordante naturalidad, con la sonrisa que siempre la acompaña. Charo está al frente de ese reducto embriagador que se llama Mil Rosas. Una floristería, sí, en estos tiempos en que el lenguaje de las flores parece el único que puede esgrimirse contra la barbarie que a menudo nos circunda. Quizá las rosas fueron siempre rebeldes al horror, por eso aquella frase de Alejandra, la oscura bonaerense: “la rebelión consiste en mirar una rosa hasta pulverizarse los ojos”… Unos versos que presiden la entrada de la tienda. Rosas y versos: una combinación llamada al éxito, a la buena convivencia. En la tienda de flores de Charo, que por el día es pura luz, frescura, llega al atardecer una iluminación más suave, se desparraman cojines y pétalos sobre el suelo de madera, surgen vasos de té y copas de vino de no se sabe muy bien dónde.<br />Suele ocurrir esto en los jueves de la primera semana de cada mes, cuando se concita en la tienda la reunión acostumbrada: son los Jueves de Pétalos y Poesía. Una vez al mes, hacia las ocho de la tarde, empieza a abarrotarse de gente el local de Charo; llegan poco a poco y van saludándose y charlando, hasta que casi no cabe un alfiler. Es gente aficionada a la lectura, de procedencias, edades y ocupaciones diversas; gente que tiene en común el amor por la hermosura insolente de las flores y el gusto por la poesía. En Mil Rosas, ese día, se ha invitado a un poeta a que comparta sus versos con los asistentes. A cambio recibe amistad, atención y atenciones, té, flores. Se suele acabar tarde, porque en veladas de ese género nunca hay ganas de cruzar el día.<br />Además de flores y poemas, en Mil Rosas se custodia también arte. En estas semanas de octubre y noviembre penden de las paredes de piedra lienzos de Juanjo Viota, algunos de gran formato. Antes que Juanjo expuso en esas paredes otra de la jóvenes artistas emergentes de Cantabria, Mar Pajarón. No es casualidad. Las artes llaman a las artes, se encuentran cómodas en compañía.<br />Nada es casual, no. En cada centro, en cada arreglo, en cada ramo de Mil Rosas está Charo y los amigos y las tardes de lectura y el olor de la pintura que emana de las telas suspendidas. Arte, poema, rosa. Las rosas vivas y amantes y rebeldes que con su seda resplandecen en el día y se preparan para el viaje decisivo de la noche. </span></div>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-26956090476243268662008-08-03T12:52:00.000-07:002008-12-11T01:14:24.507-08:00QVORVM 4 - Sumario y Créditos<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2BPOGtRe8t_hPp7bpFOM506X6TdFEXNMhkbVQjJSaEGx0XVj3ZHoMyEJ71wMghhuOT8pcDXwBno3qgLvR1p1146SobZOZgFvFsVRj7Wkes7_iu94v_0_hXwj1NF7KogQGOUc-Y5nBGoK2/s1600-h/Portada+QVORVM+4+copia.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230384584064885314" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2BPOGtRe8t_hPp7bpFOM506X6TdFEXNMhkbVQjJSaEGx0XVj3ZHoMyEJ71wMghhuOT8pcDXwBno3qgLvR1p1146SobZOZgFvFsVRj7Wkes7_iu94v_0_hXwj1NF7KogQGOUc-Y5nBGoK2/s400/Portada+QVORVM+4+copia.JPG" border="0" /></a><br /><div><div><strong><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">SUMARIO<br /></span><br />EL PERSONAJE<br /></span></strong>Encuentro con Fernando Argenta, por Regino Mateo.<br /><br /><span style="color:#333399;"><strong>AQUÍ Y AHORA</strong><br /></span><em>A fuerza de mirar, he visto</em>, por Rebeca Le Rumeur.<br /><em>Argenta: altura de miras</em>, por Ricardo Hontañón.<br /><em>Memoria y metáfora de la nostalgia</em>, por Fernando Zamanillo.<br /><br /><strong><span style="color:#333399;">HORA CRÍTICA</span></strong></div><div><br /></div><div align="justify"><strong>Literatura</strong><br />Reseñas de libros, por José Manuel Cabrales, Enrique Álvarez, Lorenzo Oliván, Alberto Santamaría, Jesús Alberto Pérez-Castaños, Francisco Llanillo, Mario Crespo y Fernando Abascal.<br /><strong>Música</strong><br />Reseña de discos, por Ana Rodríguez de La Robla.<br /><em>El sello inconfundible del maestro</em>, por Regino Mateo.<br /><em>Una ópera de cine</em>, por Roberto Blanco.<br /><em>Woody Allen y la New Orleans Jazz Band</em>, por Jesús Cabezón.<br /><em>Forense de las culpas, oráculo del dolor</em>, por Luis Avín.<br /><br /><strong>Arte<br /></strong><em>Foconorte: más y mejor</em>, por Lidia Gil.<br /><br /><strong>Cine</strong><br /><em>El cine que nos viene: tres propuestas cinematográficas para el próximo trimestre</em>, por Javier Collantes.<br /><br /><strong>Teatro<br /></strong><em>La sombra de Heiner Müller</em>, por Francisco Valcarce.<br /><em>Pièce bien faite</em>, por Alberto Iglesias.<br /><br /><strong>Danza<br /></strong><em>En cuerpo y alma</em>, por María Luisa Martín-Horga.<br /><br /><strong><span style="color:#333399;">FIAT LUX</span></strong><br />Creación. Inéditos:<br /><em>Poemas</em>, por Javier F. Rubio.<br /><em>El verano del pinganillo</em>, por Javier Rodríguez Pérez-Rasilla.<br /><br /><strong><span style="color:#333399;">CIUDAD DE LEJOS<br /></span></strong><em>Modigliani visita Madrid</em>, por Ana Rodríguez de La Robla.<br /><em>Impresiones sobre el nuevo ARCO</em>, por Fernando Zamanillo.<br /><em>¿Maestros norteamericanos? en Bilbao</em>, por Ana Rodríguez de La Robla.<br /><em>Festival de Música Religiosa de Cuenca</em>, por Roberto Blanco.<br /><em>Così fan tutte en el Euskalduna</em>, por Ana Rodríguez de La Robla.<br /><br /><strong><span style="color:#333399;">PUNTOS DE ENCUENTRO<br /></span></strong><em>Secreta armonía del mundo</em>, por Ana Rodríguez de La Robla.<br /><br /><strong><span style="color:#333399;">BREVERÍAS<br /></span></strong><br /><br /><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Dirección y coordinación: Ana Rodríguez de La Robla<br /><br />Autores y colaboradores: Alberto Iglesias, Alberto Santamaría, Ana Rodríguez de La Robla, Fernando Abascal, Fernando Argenta, Fernando Zamanillo, Francisco Llanillo, Francisco Valcarce, Javier Collantes, Javier Fernández Rubio, Javier Lamela, Jesús Alberto Pérez-Castaños, José Manuel Cabrales, Lidia Gil, Lorenzo Oliván, Luis Avín, María Luisa Martín Horga, Mario Crespo, Rebeca Le Rumeur, Regino Mateo, Ricardo Hontañón, Roberto Blanco, Sara Huete.<br /><br />Arte en revista: Sara Huete (portada y cabeceras de secciones).<br /><br />Edita: Ayuntamiento de Santander.<br /><br />Contacto: </span><a href="mailto:REVISTA.QVORVM@terra.es"><span style="font-size:85%;color:#333399;">REVISTA.QVORVM@terra.es</span></a><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;"><br />ISSN: 1888-0347<br /><br />Impresión: Gráficas J. Martínez<br /><br />Textos e imágenes propiedad de sus autores. Reservados todos los derechos de reproducción sin mediar la citación correspondiente.<br /><br />Los colaboradores de QVORVM hacen suyo el adagio romano cuique suum, de manera que se manifiestan enteramente responsables de sus propias opiniones, excluyéndose así que esta revista se haga cargo por ellos de las ideas vertidas en sus textos. </span></div></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-81461620895594496342008-08-03T07:46:00.000-07:002008-12-11T01:14:25.586-08:00QVORVM 4 - Contenidos<strong><span style="font-size:180%;color:#333399;">EL PERSONAJE</span></strong><br /><br /><div align="justify"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230372903589900834" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgh3mTSky9UyZvDgy7wdTixYcmFw7kUdjyCBX7ff6555X5UgJJkfZ9BvOroI3xEG9fjtRtB9rC5931Y0JyXq2141zrL2yGvVXHOB6_BXzCwo2ppcz3lU8LQbBZjvR7jj6pbP4maW6MrAsog/s400/EL+PERSONAJE.jpg" border="0" /><br /><strong><span style="color:#333399;"><span style="font-size:130%;">FERNANDO ARGENTA<br />“Cuando mi padre murió, ser director de orquesta en España era como ser torero en Dinamarca”</span><br /></span></strong><br /><span style="font-size:85%;"><strong>texto REGINO MATEO<br />fotografía JAVIER LAMELA<br /></strong></span><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">El apellido Argenta se encuentra íntimamente vinculado a Cantabria desde que naciera en Castro el que fuera uno de los más grandes directores de orquesta que ha dado nuestro país, Ataúlfo Argenta. Su hijo Fernando, aunque nacido en Madrid, ha mantenido siempre vivo este amor por la tierra patria, y si es placer cotidiano tenerlo en nuestras casas a través de la radio y la televisión como alguien ya entrañable e imprescindible, hablándonos con humor, con ternura, con pasión, siempre con conocimiento de música, no es tampoco inhabitual encontrarnos con él en los diferentes ciclos culturales de la región o emitiendo desde aquí su Clásicos Populares.<br />Y ha sido en una de estas citas, cuando Fernando Argenta ha llegado acompañado de una banda de jazz y un teatrillo de marionetas para sorprender a la chavalería de Torrelavega y abrirle las puertas hacia esa música viva y esencial que es el jazz, cuando por encargo de la Revista QVORVM tengo una nueva oportunidad para hablar con Fernando sobre música, tras encontrármelo acompañado por Nobel Sámano y sus respectivas esposas en un hotel de la capital del Besaya.<br /></span><br />Parece inevitable iniciar esta entrevista hablando de tu padre. Se cumple este año el 50 aniversario del fallecimiento de Ataúlfo Argenta y como es lógico son muchos los homenajes y recuerdos que van programando diversas instituciones. ¿Cómo lo estáis viviendo sus familiares?<br /><br /><span style="color:#333399;">La verdad es que estamos encantados. Hay familias que se movilizan de manera activa cuando se acercan estos aniversarios; pero nosotros en realidad hemos hecho muy poco. Tal vez somos una familia especial, a la que le da pudor salir vendiendo el aniversario. Y a pesar de eso, hemos visto un movimiento importante, sobre todo si tenemos en cuenta que mi padre murió con 44 años, hace ya 50, con una carrera muy corta y en una época en que ser director de orquesta en España era como ser torero en Dinamarca. Que se le recuerde aún con tanta fuerza sorprende, aunque no es menos cierto que al menos los festivales tenían cierta obligación, ya que fue mi padre el gran impulsor tanto del de Santander como de la Quincena Donostiarra o del de Granada<br /></span><br />Tú eras muy pequeño aún cuando murió, pero las personas que le vieron dirigir la Orquesta Nacional le recuerdan como alguien con un carisma especial, con una fuerza musical fuera de lo común que ha hecho que su nombre creciera, en especial aquí en Santander, con la grandeza de un mito.<br /><br /><span style="color:#333399;">Eso es cierto. Las personas que no lo conocieron en directo no se pueden hacer una idea de lo que era mi padre. Existen grabaciones, pero ni él dedicó mucho tiempo a grabar, ni tienen la calidad técnica suficiente. Y si no hay grabaciones, queda poco de un director. Conocer a Ataúlfo Argenta es conocerlo hoy de una manera parcial, porque hay directores que ganan mucho en su comparecencia directa, ganan en calor. Mi padre sobre todo tenía un carisma que venía de su gesto, del personaje que construía dirigiendo: algo emanaba de su atractivo, de su espíritu, que lograba una seducción magnética del público. Ya antes de empezar, simplemente con salir y situarse ante la orquesta, ocurría algo. Y eso no lo tienen todos los directores. Tenía un gesto bonito, adecuado para cada momento, para cada estilo, que oscilaba desde la sensibilidad extrema a la furia. Un personaje irrepetible. Pero, además, era ya uno de los grandes músicos de su generación. No le dio tiempo a trascender, no llegó a dirigir en Norteamérica… La agenda de mi padre para los dos años siguientes a su muerte era asombrosa: tenía ya compromisos firmados como las Cuatro Sinfonías de Brahms con la Filarmónica de Viena para el Festival de Salzburgo, varios conciertos en París, Roma, Londres, Berlín, la grabación de las Nueve Sinfonías de Beethoven con la Filarmónica de Israel, Festival de Edimburgo y de Santander, Exposición Universal de Bruselas, gira con la Nacional por Europa… Estaba sentando las bases para ser uno de los grandes de la dirección internacional, y ya era reconocido por el público no sólo en España sino también en Francia y Suiza.<br /></span><br />Con la Suisse Romande, y con la vinculación tan estrecha que mantenía con Ernest Ansermet…<br /><br /><span style="color:#333399;">Ansermet iba a retirarse y quería que mi padre fuera su sucesor, iba a sucederle en la titularidad de la Orquesta de la Suisse Romande en el plazo de un año. Ansermet sufrió un desgarro con su muerte, le tenía un gran cariño. De hecho, Ansermet, que estaba públicamente posicionado en contra del régimen franquista tocó en el Festival Internacional de Santander cuando Argenta le convenció diciendo “es que no viene usted a la tierra de Franco, viene a la mía”.<br /></span><br />Ataúlfo Argenta era un director atrevido en sus propuestas. Hoy que parece haber miedo en programadores e intérpretes a los ciclos o los programas demasiado densos sorprende el peso de sus propuestas como, sin movernos de Santander, las integrales de las Sinfonías de Beethoven o Brahms o los cinco conciertos para piano y orquesta de Beethoven.<br /><br /><span style="color:#333399;">Mi padre era muy buen crítico. A mi padre se le conocía por la zarzuela, pero la zarzuela era para él un divertimento. Internacionalmente se le reconocía como un gran director romántico, por sus interpretaciones de Brahms y de la escuela alemana. Pero en París se asombraban de cómo dirigía la música francesa. No había dirigido mucha ópera, una Aida, pero el año de su muerte iba a iniciar también su carrera como director operístico en Viena. Tenía una mirada amplia que le daba una perspectiva adecuada para cada repertorio. Y por eso es adecuado que se le recuerde en este aniversario, ya que la memoria va perdiendo fuerza salvo en el mundo de la música donde está bien presente. Ahora para demostrar que mi padre era alguien en la escena internacional, sobre todo periodistas del extranjero, tengo que dar nombres ligados a mi padre, tengo que sacar una foto y decir: “Mire, este es Karajan saludando a mi padre”, y eso, claro, les impresiona. Pero es que si Karajan hubiera muerto entonces no hubiera sido el director que llegó a ser y hubiera sido el comentario inverso: éste que está junto a Argenta en la foto es Karajan. Lo mismo ocurrió con Celibidache, Furtwängler… De los directores de la siguiente generación hay muchos, Muti, Barenboim, Abbado; en cambio otros sí lo conocieron y lo recuerdan con admiración: Harnoncourt era cellista en la Filarmónica de Viena cuando la dirigió mi padre; Charles Dutoit, que era fan suyo en Suiza; o Zubin Mehta, que quedó impactado al escucharlo en Viena. Pero incluso quienes no lo conocieron han llegado a decir, como dijo Muti, que el único verdadero director que había tenido España era Ataúlfo Argenta.<br /></span><br />Y después de esos antecedentes familiares, ¿cómo llega Fernando Argenta a la música? ¿Cómo nace Clásicos Populares?<br /><br /><span style="color:#333399;">Yo no es que “llegue” a la música, es que nací dentro de ella. No soy capaz de decir cuándo escuché por primera vez una sinfonía de Beethoven. Hombre, en mi casa éramos bastante pobres porque mi padre estaba empezando y en esa época tampoco era fácil escuchar música en casa, y en uno de esos viejos discos de pizarra o en la radio sería mi primer encuentro con la música. Había un piano en casa pero mi padre no estudiaba con el piano, lo tocaba poco, sino con la partitura. Y Clásicos Populares nace… por chiripa. Yo trabajaba en Radio Nacional y era un chico para todo, con un pie en la música clásica, otro en el rock, otro en el folk, me gustaba el jazz… tengo esa desgracia, que me gusta todo tipo de música. Y me llamaban no como experto sino de comodín para cualquier historia relacionada con la música. Clásicos Populares nace porque me dijeron que había un espacio de 20 minutos y querían un puente musical entre el Informativo y Radiogaceta de los Deportes, algo de grandes orquestas, Mauriat, Purcell… Yo les propuse un piloto con temas muy conocidos de música clásica introducidos con un lenguaje más normal, desenfadado. El piloto gustó y… más de treinta años de Clásicos Populares.<br /></span><br />Es curioso porque con tanto tiempo esa idea de lo más conocido ha ido cambiando. Mi madre escuchaba todas las tardes Clásicos Populares cuando yo era un crío y asocio el programa al descubrimiento de obras más bien poco habituales como la Música para el funeral de la Reina Mary de Purcell.<br /><br /><span style="color:#333399;">Es que cómo es, esa introducción instrumental, la entrada del contratenor… Yo tuve la suerte de iniciar el programa en la época de la Transición. Si hubiéramos empezado más tarde tal vez no hubiera tenido el mismo impacto y antes no me hubieran dejado hacerlo. Pero en la Transición la radio empezaba a tener frescura y el radioyente no estaba acostumbrado todavía a que se le presentara en un tono distendido la música clásica. Hubo gente totalmente en contra, que me enviaba anónimos amenazantes… Recuerdo una amenaza de muerte procedente de Santander con un sello de Juventudes Wagnerianas y un águila enorme, porque había osado decir que Wagner les robaba la mujer a todos sus mejores amigos. Hasta la mujer de un ministro se interesó para que me quitaran el programa porque le parecía una grosería llamar a Bach “El Viejo Peluca”, pero es que así es como le llamaban sus hijos. Pero por otra parte, hubo una reacción importante a favor del programa, de gente que estaba descubriendo gracias a Clásicos Populares la música clásica, una música maravillosa que no pensaban que pudiera existir o llegarles de esa forma. No las he guardado, lástima, pero cartas y cartas y cartas, ahora correos, pastores que te llamaban para pedir que le pusiera música de Händel “porque cuando pones música de Händel tengo que correr a apoyarme para no caer de la emoción”. Y eso en un país sin educación musical, en el que falta por hacer, pero que hoy es irreconocible. Ahora ves un chaval con un estuche de violín por la calle y es lo más natural del mundo pero hace no tanto tiempo era sospechoso de sabe Dios qué, como mínimo se le consideraría rarito.<br /></span><br />Un país en el que en gran parte la educación musical generalizada ha tenido mucho que ver con Clásicos Populares.<br /><br /><span style="color:#333399;">Hombre, yo no lo quiero dar esa trascendencia al programa. Algo habremos hecho, con 32 años de programas diarios con una media de 300.000 oyentes. Habremos ayudado. Pero ha sido el avance de la propia sociedad española, social y económicamente. Una sociedad que avanza económicamente deja de pensar en el día a día y empieza a buscar la satisfacción de otras necesidades. Hoy los padres quieren que sus hijos tengan la educación que ellos no tuvieron. Claro, era Radio Uno, que era la única que se escuchaba en todo el país, la única que podías sintonizar bien en el coche, y se situaba entre las Noticias y los Deportes, así que te atacaba por sorpresa, te encontrabas con todo tipo de gente y no sólo con el público educado que estaba buscando eso. Y la gente la escuchaba por accidente y cambiaba su idea de la música, que ya no era eso aburrido, largo y solemne o la programación de Viernes Santo. Y yo decía “ahora hemos escuchado al Viejo Peluca, que cuando compone esto estaba completamente cabreado, porque…” Y de pronto descubrían la música de Bach y cuando querían darse cuenta estaban enganchados.<br /></span><br />Y en un país donde la mayoría de las ciudades no tenían teatros o programaciones estables de música… ¿qué pasaría si de pronto tu padre resucitara y viera la situación actual?<br /><br /><span style="color:#333399;">Este país no lo reconoce nadie. Hombre, estaría sorprendido por todo, por ti grabándome en un aparatito. Pero estaría encantado y sería un bombazo porque aprovecharía todo el poder de los medios. Piensa que abría con conciertos matinales el Teatro Monumental para que los estudiantes pudieran escuchar música y no había entradas nunca, qué no pasaría teniendo a su disposición Internet o la televisión.<br /></span><br />Y ahora que hablas de ese aspecto, de la música educativa, de la música para los estudiantes… ¿Cómo es el paso hacia “El Conciertazo” que desarrolla esos conciertos pedagógicos que ya venías haciendo?<br /><br /><span style="color:#333399;">Sin esos conciertos yo no hubiera podido hacer “El Conciertazo”. En mi primer concierto para niños yo no había presenciado ninguno, el primero fue en el 86 y me llevé una sorpresa porque la respuesta de los chavales fue tan grata, tan espontánea, que me sentí feliz. Y eso los chavales lo perciben, alguien que es casi tan niño como ellos. Y eso que me visto de señor mayor y me pongo la corbata… no quiero engañar al niño. Pero él me ve como alguien natural. Habíamos pensado salir con ropa de calle, pero al final decidimos que cada música tiene su ritual y su estética. Los heavys tienen su estilo, los del hip hop y el rap la suya. Bien, pues la música clásica tiene el suyo. Y era importante que los niños se integraran en todo el ritual del concierto.<br /></span><br />Ahora en Torrelavega, un “conciertazo” con jazz.<br /><br /><span style="color:#333399;">Sí, con jazz. El jazz es otra asignatura pendiente. Tenemos muchas y a mí me encantaría poder hacerlo también por ejemplo con el folklore. El jazz no está tan alejado de los jóvenes, pero es muy minoritario. Y algunos estilos de jazz como el dixieland son terriblemente divertidos, contagiosos, y con ellos los chavales se pueden contagiar. Hago el concierto con un grupo fantástico, con músicos entusiastas. Y es un concierto que merece la pena porque tanto padres como niños salen felices, dando botes.<br /></span><br />Está claro que la música juega un papel central en tu vida, pero para terminar, ¿recuerdas cuál es la última vez que lloraste escuchando música?<br /><br /><span style="color:#333399;">La recuerdo. Para mí es muy difícil llorar en cualquier circunstancia, pero aquel día dirigía Carlo Maria Giulini, ya muy mayor, más de ochenta años, un símbolo de una época, y todos los músicos siguiéndole en una Séptima Sinfonía de Beethoven grandiosa… Había que llorar.<br /></span></div><div align="justify"></div><div align="justify"><span style="color:#ffffff;">. </span></div><div align="justify"><span style="color:#ffffff;">..<br /></span><span style="color:#333399;"><strong><span style="font-size:180%;">AQUÍ Y AHORA</span></strong> </span></div><span style="color:#333399;"><div align="justify"><br /></div><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230373106996224226" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhskMUUuxh7NAxVYDelPoa7MeKySnZkwvKDtTFbNvbMjtYEQ7aPa0WtVyu5lY61SAHvQ9-B7HWSl17G1eaKpSCpXgiQs_LzU0ObSpC9ycyQQooNqTYQH-lUPw_0wRldh_Zhd8IpuFdRydLf/s400/AQUI+Y+AHORA.jpg" border="0" /><br /><span style="font-size:130%;"><strong>A fuerza de mirar, he visto</strong><br /></span></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por REBECA LE RUMEUR</span></strong><br /><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Un acercamiento al callado oficio de fotógrafo, que tiene mucho de investigador privado, de observador al acecho. Claude Dityvon paseó por Cantabria en el verano de 1978, hace ahora treinta años, e inmortalizó algunos momentos que ya no morirán.<br /></span><br />Claude Dityvon nació en la Rochelle, Francia. En 1967 se hizo con su primera cámara fotográfica. Un día escuchó la noticia de que había una revuelta estudiantil en la Sorbona. Era París, mayo de 1968. Pasó un mes y medio recorriendo las calles fotografiando la revolución. En plena efervescencia estudiantil supo estar, detenerse y ver. Logró inmortalizar el movimiento y las imágenes han recorrido el mundo entero. Su testimonio ha quedado como el símbolo de una generación.<br />Hasta entonces se había ganado la vida pintando paredes de apartamentos. Al cabo de unos años ganó el premio Prix Niepce en 1970, fue fundador de la Agencia VIVA, tiene más de veinte obras publicadas y ha expuesto su arte en Francia, Estados Unidos, Reunión, Brasil, Djibouti y China. Uno debe aprender algo de las vidas ajenas: en el juego no sólo el azar está implicado, también es labor del hombre saber jugar bien sus cartas. Aunque uno corra el riego de perder la partida, hay que saber reconocer la verdad que dictan ciertas intuiciones.<br />Poco tiempo después de haber fotografiado la revolución de los estudiantes, Dityvon llevó sus fotografías a la revista Match. Allí las rechazaron y se rieron de él: “¡Otro que se cree artista!”, dijeron. Desde hace muchos años Dityvon trabaja solo. Se pasea por París de noche. Uno de sus trabajos se llama Nocturnos. Es una visión impresionista, subjetiva e inacabada. Si hay algo hermoso de la fotografía es que sabe eternizar momentos prácticamente imperceptibles. Es como si la vida fuera una fiera atractiva y salvaje que ningún hombre es capaz de atrapar. El fotógrafo puede dar testimonio de ella. Todas las noches la espera, la busca por las calles y, sin embargo, a pesar de haberla fotografiado, su esencia se sigue escurriendo. La vida no cabe en ninguna red, en ninguna mano, ningún artista podrá agarrar su esencia. Sólo quedará el testimonio de haberlo intentado. El último trabajo de Claude Dityvon se llama La intrusa y es una muestra de cómo la enfermedad y la muerte se adentran irrespetuosamente en nuestros cuerpos.<br />Claude afirma que la fotografía muestra algo que los ojos no ven. Es una gran paradoja: ¿Cómo captar mediante una imagen lo invisible? Desde la escritura ocurre lo mismo, muchos autores buscan expresar lo inefable. Uno de los poetas favoritos de Dityvon es Rimbaud. Hace unos años le encargaron hacer un reportaje sobre las huellas de Rimbaud en Djibouti, África. El poeta francés pasó allí la última época de su vida cuando ya había dejado de escribir y se dedicaba al comercio de armas. El trabajo de Claude recoge una extraordinaria búsqueda de la poesía que Rimbaud nunca llegó a escribir. Lo cierto es que la relación entre Claude y Rimbaud es estrecha. Cuenta Dityvon que cuando era joven, y la vida comenzaba, un hombre le regaló un libro de poemas diciéndole que había algo en él que le recordaba al poeta. Aquel hombre estaba en lo cierto, Dityvon es un poeta, un autoexcluido y un maldito.<br />"A fuerza de observar, he visto" es una frase suya. Es capaz de pasarse varias horas quieto esperando el instante preciso en el que la vida se confabula para dar paso al arte. Es un silencioso coreógrafo de la existencia. Para atrapar el instante en el que el baile de belleza se extiende hacia la humanidad hace falta un poco de talento y mucha paciencia. También le he escuchado decir que en muestro mundo ya nadie observa. Para ver hay que observar. Para encontrar hay que buscar.<br />Hace treinta años, en 1978, Dityvon visitó Cantabria. Llegó aquel verano con su mujer y su hijo. La mujer de Dityvon trabajó para la casa de Christian Dior. Es una de esas mujeres hermosas que han sabido balancearse siempre sobre columpio de la elegancia. Si uno busca entre la obra de Claude la puede encontrar como a una especie de Nadja escondida en una barca del río o en una sonrisa difuminada y nocturna.<br />Dityvon fotografió Cantabria aquel verano. Si uno observa detenidamente las fotos que hizo, percibe que la actitud, el ánimo del fotógrafo, se proyecta muchas veces sobre la realidad fotografiada. En ellas hay un espíritu lúdico, una visión divertida de la montaña y sus gentes. Hasta antes de ver las instantáneas que hizo en Cantabria nunca hubiera creído que se podía fotografiar la región con tanto humor. Hay unas instantáneas de un pueblo del valle de Cabuérniga, San Vicente del Monte, que contienen en su esencia una comedia de cine mudo. En ellas, los niños de la aldea corren, se suben a una barandilla, se giran, mueven las manos, las piernas, se abrazan y hay tanto movimiento que parece mentira que eso sean una fotografía y no una película. La rudeza del campo aparece en el escenario típico cántabro: casas de piedra, arados, carros, vacas, hasta se intuye el cielo nublado, pero de todas las imágenes rezuma un espíritu risueño. En algunas de ellas hay una anciana seria con gafas, bastón y moño que contrasta con el loco entusiasmo de los niños. Esta antítesis produce un efecto cómico. Del mismo modo que un hombre minusválido sentado en una silla de ruedas ayuda a crear un ambiente grotesco y estrafalario. Otro aldeano, un campesino encargado de llevar un carro de hierba, posa para la foto, sonriente y orgulloso, como un forzudo de bigotes largos a la puerta del circo. Las fotografías transmiten movimiento, felicidad, curiosidad y asombro por un pueblo. Era verano, viajaban por España, si uno pudiera hacer el camino inverso e ir de la fotografía al fotógrafo creo vería detrás de la cámara a Claude Dityvon sonriendo.<br />Y sería bonito hacer el camino inverso de la fotografía para ver a Claude recorriendo la región con su cámara. En San Vicente de la Barquera hizo una fotografía llamada Le Plongeur donde un hombre se lanza al agua desde un barco. Esta imagen con escenario cántabro forma parte de numerosas antologías de fotografía. El mismo Dityvon, hombre escurridizo donde los haya, ya tiene una pequeña entrada en la Enciclopedia. Sin duda, la mejor forma de acceder a él es lanzándose, como ese joven de San Vicente, a las profundidades de su obra.<br />Tal vez la célebre frase de la revolución de Mayo del 68: “Debajo de los adoquines está la playa” esconda tantas verdades como los sueños de aquellos estudiantes corriendo por las calles de París, tantas como la trayectoria de un fotógrafo adentrándose en lo invisible de la existencia. La vida es la mirada que uno proyecta sobre ella y para contemplar la belleza, a veces, basta con atreverse a buscarla.<br /><br /><br /><strong><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">Argenta: altura de miras</span><br /></span><br /><span style="font-size:85%;">por RICARDO HONTAÑÓN</span></strong><br /><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Revisión de la vida y trayectoria de Ataúlfo Argenta en el cincuenta aniversario de su desaparición.<br /></span><br />Cuando se cumplen los cincuenta años de la muerte de Ataúlfo Argenta su figura no se diluye y entra en las garras del olvido, sino que se alza con luz propia como una de las primerísimas batutas con proyección universal en la música española del siglo XX. Él, como otro cántabro, Jesús de Monasterio, supo engrandecer el sintonismo, y para Santander tiene una significación muy especial, pues con toda la razón es llamado el padre espiritual de nuestro Festival Internacional del que, junto a Ignacio Aguilera, José Manuel Riancho y Joaquín Reguera Sevilla, fue ferviente impulsor.<br />Si Castro Urdiales fue la cuna de quien nace un 21 de noviembre de 1913, es ahí donde despierta su vocación musical como triple y solista de coro que estudia solfeo y piano con Julia Blanco, así como violín y viola con Vicente Aznar. Será en 1927, año fundamental para la música y para la cultura española, cuando dé su salto al Madrid de Primo de Rivera y en el Real Conservatoria reciba clases de los músicos más representativos del momento, como Conrado del Campo, Julio Francés y Fernández Alberdi, quien será clave para su formación pianística, que culminará en 1930 con Cristina Nilson. Es admitido en la masa coral madrileña que dirige el maestro Benedicto y en ella hará sus primeras armas profesionales. En Bélgica recibirá el alto magisterio del pianista Jean de Chatein y de Armand Masik en composición.<br />Es ya el músico de sólida formación que sin embargo tiene que abrirse las puertas en un país donde la música es la cenicienta de las artes y él lo sabe. Por esto actúa en merenderos y orquestinas. Cuando se inicia la última guerra civil española entra en el Círculo Católico y actúa en el balneario de Mondariz, iniciando su condición de pianista acompañante y lo será de Lauri Volpi, de Francechi o de Miguel Fleta, con el que realizará una tournée.<br />Para comprender al director castreño en su época hay que recordar que la música española en la posguerra entra en crisis con Falla exiliado en la Argentina, donde muere en 1946 y se cierra la aventura musical europea de la primera mitad del siglo XX con la muerte de Béla Bartók fiel a sus postulados nacionalistas, mientras que Igor Stravinsky se orienta al neoclasicismo, y los compositores de la Generación del 27 se dispersan. La música española entre 1936 y 1945 vive cultural y espiritualmente aislada de Occidente, y en ella el retraimiento de toda actividad pública y la desorientación de principios creadores son las notas definitorias. No es el lugar aquí para analizar las causas, pero creo oportuno señalar la situación por cuanto es la que se encuentra Argenta. No hay conciertos, la penuria es grande y la necesidad de abrirse camino es apremiante. Él, contrario a su intención, actúa en una revista de cartel en el Coliseum madrileño en la que tiene como compañero al gran músico Jesús García Leoz. Tiene que recurrir a este género para vivir, pero esto no le basta y es entonces cuando se convierte en empresario y en agente, organizando en el Teatro de la Comedia recitales que le dejan libre la cantidad de ¡cien pesetas!, y es en uno de estos recitales, en el que precisamente no toca bien, al que asiste el concertista Wolf, quien no obstante intuye su talento, le estimula y le sugiere que se vaya a Alemania, donde entre 1941 y 1943 va a ampliar sus estudios y allí encontrará el germen de un cambio en su orientación, profundizando en la dirección de orquesta con Carl Schurich, que será su gran valedor. De vuelta a España realiza en 1945 las oposiciones a los puestos de piano, celesta y timbres de la Orquesta Nacional de España y dos años más tarde será director titular de esta señera agrupación que acaba de perder al excepcional Bartolomé Pérez Casas.<br />Argenta, luz en el desierto, llega a ocupar la rectoría de la Nacional en un momento difícil, fácil para el mediocre, no para el genio que sabe elevar a la veterana centuria al más alto prestigio aplaudido en Francia, donde se inicia su proyección internacional que hace compatible con los impulsos fundacionales del festival santanderino. Una internacionalidad que encuentra en Londres un hecho importante. Allí triunfa con José Iturbi en el Concierto para Piano de Chaikovski; en París triunfa con “su” Nacional y en Suiza sorprende con la Suisse Romande para la que Ansermet pensaba nombrarle director, y todavía cosecha más triunfos en Holanda, en Italia y en Buenos Aires. A punto estuvo de dirigir la Filarmónica de Berlín, y con la de Viena había un proyecto ambicioso: grabar las sinfonías de Beethoven. No pudo ser. Inquieto y nervioso ha triunfado, lo cual suscitará recelos y envidias hacia aquel a quien sólo le interesó la “obra bien hecha” según la expresión de Eugenio D´Ors; a ese principio someterá todo lo demás. Argenta, inasequible al desaliento, es elogiado por lo más conspicuo de la crítica europea. Claude Rostand, el gran conocedor de Brahms le elogia cuando interpreta el Réquiem Alemán y Emile Villarmoz, el descubridor francés de Federico Mompou, aplaudirá su Falla. Un día antes de su trágica muerte triunfaba con el Mesías de Haendel.<br />Será Brahms uno de sus músicos preferidos que difundirá con pasión enmendando la plana a Adolfo Salazar, para quien la música del hamburgués difícilmente podía calar en los públicos latinos. Su temperamento, su exigencia y su magnetismo fueron cualidades valiosas que le sirvieron para adecuarse a los más distintos estilos que van desde la pasión romántica de Robert Schumann y de Richard Strauss hasta el neoclasicismo de Igor Stravinsky, pasando por las sinfonías de Beethoven, las páginas impresionistas y naturalmente la música española, con muestras tan cimeras como el Retablo y el Concierto de Falla, la Sinfonietta de Ernesto Halffter, las Melodías Vascas de Jesús Guridi, la Sinfonía Sevillana de Joaquín Turina o sus antológicas interpretaciones zarzuelísticas, a las que despoja de vulgaridad para convertirlas en auténticas obras de arte, un arte del que fue acérrimo defensor. Todo ello nos refleja al director maduro, con claras preferencias por la música romántica, pero que no dudó en prestar atención a la música de su tiempo, repitiendo como bis una página de Bartók, rechazada por un público conservador. Y es que Argenta fue el artista de cuerpo entero con gran alturas de miras en un país de estrechos horizontes.<br /><br /><br /><strong><span style="font-size:180%;color:#333399;">Memoria y metáfora de la nostalgia</span><br /><br /><span style="font-size:85%;">por FERNANDO ZAMANILLO</span><br /></strong><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Reflexiones del ex-director del Museo de Bellas Artes de Santander propósito del centenario de la institución santanderina. </span><br /><br />“El camino de la vida no tiene retorno, la memoria sí. Al placer de la contemplación le sigue el de la meditación. El tiempo pasado se vuelve metáfora fragmentada. “La memoria es como una larga noche rota, dice Graham Green, mas los fragmentos siguen siendo los fragmentos”. La memoria es el tiempo pasado, me digo y me repito una y otra vez. Los dos son una misma cosa. Y contemplo la casa con el mismo ánimo melancólico y nostálgico con que se expresara Carolina von Günderrode en el libro de Javier García Sánchez: “Sé que he perdido mi capacidad de encantar a la gente, si es que alguna vez lo tuve, y de encantarme por nada”. Ahora, el tempo de mi alma es similar al de la Arietta de la Sonata para piano. Op. 111, de Beethoven, “adagio molto semplice e cantabile”, es decir, distendido y sosegado, sereno, porque sé definitivamente que la vida no ofrece segundas vueltas; porque sé que lo hecho hasta ahora es válido y valioso para mí; porque sé que he ido andando con el tempo de cada movimiento del tiempo. Llegó, por fin, el adagio de la meditación en el recuerdo. El principio del final, y miro de frente al futuro. Lo afronto, pienso…”<br /><br />Hace algunos años yo escribía estos pensamientos ciertamente melancólicos que me sirven de mínima introducción a los que se irán desarrollando en adelante. Y hace muchos más, sí, cuando uno tenía bastantes menos, hace veinticuatro concretamente, en 1984, también escribí las reflexiones, más técnicas que nada, que iré detallando sobre nuestro Museo de Bellas Artes en una memoria de museología general, reflexiones que creo son aún actuales y en consecuencia válidas:<br /><br />“Arquitectura museística afuncional.<br /><br />“Un segundo caso atípico es el de los museos que ocupan edificios más o menos antiguos, dignos de ser conservados como monumentos arquitectónicos, pero no concebidos como museos en su proyecto y desarrollo. Aquí su afuncionalidad museística se convierte en una disfuncionalidad que puede provocar como solución final la drástica desmuseologización. Pongo como ejemplo el mismo Museo Municipal de Bellas Artes de Santander, pese a los intentos del Ayuntamiento por actualizarlo y adaptarlo a su función y cometido actuales.<br />“El Museo nace (en su actual edificio) por crecimiento interno y desplazamiento de la institución cultural copartícipe del espacio arquitectónico. Leonardo Rucabado, su arquitecto, proyecta en 1918 el edificio de la Biblioteca Pública y Museo, reservando para éste el piso alto, bajo cubierta, además de una pequeña zona en la planta semisótano, cuyo acceso directo a la calle se abriría fuera de proyecto. El reparto del edificio quedó de esta manera: dos terceras partes para la Biblioteca, con su estructura y forma funcionales típicas, y una tercera parte subdividida en dos, marginales y separadas, además de subsidiaria en los reglamentos de la Comisión Biblioteca y Museo, para éste. Doy por supuesto que se hizo sin una normativa museológica teórica ni aplicada, al no existir en su tiempo en España. En el transcurso de los años el Museo ha ido ganando espacio dentro del edificio a costa del reservado a la Biblioteca (1948 y 1953). Incluso reutilizando la configuración espacial de la misma (salas de lectura de doble altura con balconcillos (años 1979 y 1981), cerrando vanos exteriores para una nueva iluminación artificial, renovada también con el tiempo (años 1948, 1973, 1975, 1979, 1981 y 1983) y reutilizando además, por transformación y modernización, la planta semisótano para sala de exposiciones temporales (año 1973, iluminación cambiada en 1983), gracias al definitivo desplazamiento de la Biblioteca Pública a un edificio contiguo más moderno. El amplio vacío temporal y funcional que existió entre la definitiva ubicación de la Biblioteca en su actual edificio (años 50) y la más reciente utilización de su anterior espacio por parte del museo (1979-1982), se debió al uso/no uso que se hizo de él para otros destinos bien ajenos a la específicas funciones de aquellos (Servicio de Urbanismo del Ayuntamiento de Santander).<br />“En esta historia de adaptación y readaptación nunca se han tenido en cuenta soluciones espaciales y ambientales específicamente museológicas, a no ser las escasamente museográficas decorativas. Por otro lado, y esto es un grave problema en la actualidad, las sucesivas ampliaciones han sido destinadas con exclusividad a salas de exposición objetual, marginando otros aspectos museísticos que hoy día se hacen necesarios: mayores dimensiones en los almacenes, sala de conferencias permanente, biblioteca, mínimo taller de control objetual y restauración, entrada y accesos convenientemente amplios, zona de gerencia y administración suficientes, por no hablar de la necesidad de ampliación de plantilla de personal museístico, etc. De este modo el crecimiento interno y externo del museo se encuentra en punto muerto, por hallarse ocupada la extensión total del edificio…<br /><br />No sigo con mi auto citación pues creo que, aunque pudieren seguir siendo actualmente evidentes las carencias y necesidades estructurales y espaciales de nuestro Museo, también son obvios ahora, no obstante, y esto lo subrayo, los continuos avances y logros que en estas y otras materias ha ido consiguiendo a lo largo de los años siguientes a mis anteriores reflexiones la dirección que desde entonces imprime al Museo su actual Director–Conservador, Salvador Carretero, subsanando y paliando deficiencias, ampliando instalaciones, creando la deseada biblioteca y el obligado departamento de conservación y restauración de obras de arte, ampliando, dentro de lo que cabe y haciendo encaje de bolillos, el espacio de administración, climatizando el ambiente, controlando los factores de temperatura y humedad relativa, aumentando el personal especializado y el personal de vigilancia, catalogando sus ya considerables fondos artísticos y numismáticos, informatizando y creando bases de datos de todo ello, potenciando el programa de exposiciones con calidad y en colaboración e intercambio con otras instituciones nacionales e internacionales, creando con imaginación y gusto ciclos de conferencias temáticos, que dan entrada a nuevos valores de la crítica y a los mismos artistas vivos, fundando y poniendo en marcha una revista del museo, Trasdós, de cualificado contenido, etc. En fin, una gran labor, muchas veces oscura o sorda, pero no por ello menos valiosa y digna reconocimiento. Mas, también es obligado decirlo, el museo está al cien por cien de sus posibilidades estructurales, sean espaciales, sean de servicios, y, en consecuencia, absolutamente colapsado, perviviendo yugulado en su sola actividad cultural y de programación de exposiciones, y viéndose obligado a no mostrar la totalidad de su colección, que crece sin descanso a causa del acuerdo de actuación y unión de esfuerzos entre el Ayuntamiento de Santander y el Gobierno de Cantabria, en su Consejería de Cultura, que aporta la ya extensa Colección Norte de Arte Contemporáneo.<br />Una de las polémicas, si bien muy soterrada, que ha creado esta situación ha sido la conveniencia, oportunidad y validez del proyectado y aún no realizado Museo de Museos, de los arquitectos Tuñón y Mansilla, para el Parque de Las Llamas, en el que nuestro museo se incorporaría junto a otros museos temáticos en un mismo edificio articulado. Aparte de no gustarme personalmente ese proyecto y preferir otros que se desecharon en el concurso de ideas, siempre me pareció que por muchas razones, no sólo consuetudinarias, de tradición y antigüedad, razones las menos importantes y menos dignas de tener en cuenta, llevándolo a cabo, se desposeería de tejido cultural el centro de Santander, expulsando al extrarradio una institución fuertemente arraigada en la vida de la ciudad. Y más, cuando se estaba llevando a cabo la rehabilitación del antiguo edificio de la Tabacalera de la calle Marqués de la Hermida para ubicar en él la Biblioteca Pública y el Archivo Regional, quedando a cambio vacía y sin uso una generosa superficie muy factible de ser reutilizada para la función museística en la misma área del actual museo.<br />Afortunadamente la sensatez se ha impuesto, pues dentro del convenio entre Gobierno de Cantabria y Ayuntamiento para la realización de un nuevo museo regional, se ha anunciado la adquisición de las antiguas naves, más de mil metros cuadrados, de la Imprenta Martínez, que por el Norte limitan con la calle Cisneros y por el Sur con las dependencias del Archivo, con lo cual el futuro espacio del Museo de Bellas Artes será más que suficiente, por la suma de todos ellos, además de las altura correspondientes. Esperemos también que el proyecto arquitectónico, sea en su parte nueva, sea en la recuperación de los espacios antiguos, se muestre a la altura de nuestras ilusiones y esperanzas. Qué cosa mejor, pues, para celebrar estos cien años que se cumplen ahora, desde aquella fecha de 1908, en que aquel Alcalde Martínez y aquellos generosos coleccionistas que aportaron sus obras de arte tuvieron la gran idea de crear el Museo de Pintura. Para ellos mi reconocimiento y homenaje, sin olvidar a Don José Simón Cabarga, esforzado valedor y custodio de la institución en los difíciles y oscuros años cuarenta hasta la década de los setenta, años que si no hubiera sido por su empeño el museo habría naufragado. Lo firma uno que mira con cariñosa nostalgia a la casa que lo acogió durante cinco mágicos y hermosos años de su juventud.<br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;"><strong>HORA CRÍTICA</strong></span></span> <span style="color:#333399;"></span><span style="color:#333399;"><br /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230373629461593970" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnMeX46TjM_O4Xkg04JrvYwUcd_PPzq5sxUJ5eNB_5FZHnTxJMXrVR8CmuogUs6m1FH6_uVwfGZZdK7RKEMMSo2BTvswhRMu21pBTEpQf3jtMywu3-ihd7Ox7AxlEEDLSJC_26q7_Wlk3B/s400/HORA+CRITICA.jpg" border="0" /><br /><span style="font-size:130%;">LIBROS<br /></span><br /><strong><span style="font-size:130%;">Narrativa<br /></span></strong></span><br /><strong>Gonzalo CALCEDO: <em>Temporada de huracanes</em>. Menoscuarto Ediciones, Palencia, 2007.<br /></strong><br /><br />Tras casi dos décadas de trayectoria narrativa, el palentino afincado en Santander Gonzalo Calcedo ha alcanzado en el ámbito del cuento el ideal de todo creador literario: la definición de un mundo propio; además de buen número de certámenes de ámbito nacional, como el Mario Vargas Llosa NH, el Alfonso Groso, el Tiflos, el Caja España o el Cortes de Cádiz. Se basa ese mundo –en gran parte heredero de la espléndida ficción breve norteamericana en el último tercio del siglo XX: Raymond Carver, principalmente- en la presencia de personajes que trasmiten sensación de desnudez, conseguida a través de un narrador que los despoja de lo superfluo, dejándolos a solas con sus sentimientos y utilizando con habilidad la elipsis para enfrentar al lector con unos pocos acontecimientos realmente significativos. Así mismo destaca un eficaz dominio del diálogo, con intervenciones breves y ásperas que sugieren o dibujan a la perfección el latente enfrentamiento entre los personajes.<br />De este modo se repite un esquema marcado por los rasgos siguientes: acción en localidades imaginarias; historias simples, presentadas casi siempre en tercra persona, desde el punto de vista de un ser humano que asiste de forma pasiva a las transformaciones que se producen en un medio familiar cerrado y agobiante; la sensación de fracaso se dibuja mediante detalles menores y el final abierto evidencia el desamparo de los protagonistas. Temporada de huracanes reúne once relatos, de los cuales al menos tres alcanzan la condición de obras maestras: “El poney rojo y otras lecturas” constituye un precioso homenaje a la literatura y a la relación paterno-filial, a través de ese profesor de instituto que para recuperar a la esposa que lo abandonó le manda mensajes en los libros que cada semana presta a su hijo. Encontramos también allí una prosa que llama la atención sobre sí misma a base del afortunado uso de las imágenes: “fue consciente de un modo extrañamente intenso de la lluvia que empezaba a manifestarse, del ronroneo del gato del motor, de la brisa enrabietada, del mecerse de los árboles a lo largo de la avenida, dándose codazos unos a otros”.<br />“Televisión por satélite” se centra en el contraste entre el hermano catedrático que acude con su novia joven a ver al resto de la familia que todavía sigue en el campo en medio de ancestrales tradiciones; el enfrentamiento desemboca en una excelente escena final de reconocimiento con el padre. Parecida oposición se da entre el hijo que vuelve a la casa de la infancia donde su madre viuda convive con un jubilado de carácter franco y primario (“La máquina del tiempo”). El resto de los textos mantienen un notable nivel de calidad, percibiéndose en unos cuantos ciertos elementos que dibujan una apertura a la esperanza: es el caso del relato que da título al conjunto, donde la protagonista espera en vano la llegada a un bar del amante ocasional que la ha citado allí; su desencantada visión del mundo se resume en estas líneas acerca de una vecina anciana “...obcecada en sus dos o tres diminutas ambiciones: no ser la última en la cola de la frutería, rascar con éxito la banda oscura y metálica del boleto regalo del supermercado, poco más”; sin embargo al volver sola a casa se queda en el portal compartiendo su soledad con ella.<br />La conversación con el guardabosques devuelve las ganas de seguir adelante a la mujer cuyo marido acaba de abandonarla (“El hombre que charlaba con las ardillas”); la llamada telefónica a un pasajero que conoció en el avión puede ser la única salida para la investigadora que regresa a la universidad de su juventud con el fracaso matrimonial a cuestas (“A dos mil metros de altura sobre el nivel de mar”). El viaje y un paisaje marcado por el frío, la noche, la lluvia o la nieve constituye en la mayoría de los casos el marco que sugiere el distanciamiento y la frialdad con la que los protagonistas pueden analizar su situación personal, casi siempre presidida por el tedio de la vida conyugal: es lo que descubre Nico, ajena a los demás invitados mientras fuma un porro el día de su cumpleaños (“Instrucciones para náufragos”) o el dibujante de cómic cuya mujer viaja al otro lado del Atlántico mientras él se cruza con los supervivientes de una fiesta nocturna (“Tres muñecos de nieve”). Por último, la ausencia de la figura paterna flota sobre la fantasía afectiva de la estudiante en “El Club Gucci”.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por JOSÉ MANUEL CABRALES<br /></span></strong><br /><strong>Pablo DÍEZ: <em>Comet</em>. XI Premio de Arte Joven de Novela de la Comunidad de Madrid. Lengua de Trapo, Madrid, 2008.<br /></strong><br />Siempre resulta grato acercarse a la primera novela publicada por un autor joven; más aun -como es el caso de Pablo Díez (1980)- si el escritor nació en Santander y en esta ciudad ubica su ficción; pero las páginas iniciales de Comet ofrecen ya un estilo engolado y espeso, que no tarda en convertirse en incomprensible; juzgue el lector: “La imperfección matrimonial de Manuel le infunde ánimos a Ángeles, al tiempo que le socava la conciencia por hacerla consciente de su mezquindad. Sin embargo ella es capaz de eso y de más, en el distrito carroñero del egoísmo y la desesperanza”. Esta prosa cantinflesca o acantinflada -que hubiera impedido a la novela pasar el primer corte en cualquier concurso serio- avanza resueltamente hacia lo cómico e irrisorio en trabalenguas como este: “A pesar del complejo que Ángeles siempre siente, los dos se funden en un afectado abrazo en el que Manuel siente los pechos caídos de la chica, insuficientemente contenidos en un sostén que es tan ancho como una bufanda. Siente la sangre de ella hablarle desde un púlpito de amor invertebrado, el riego de sus entrañas preñadas de devoción inexplicable hacia esa persona que no es sino él y que sintetiza todas las flaquezas de la insonoridad social que comparten…”<br />No faltan las erratas -algo no imputable al autor- ni los errores léxicos -estos sí- (“inhiesta” por enhiesta: p.94), para contar una historia incomprensible e interminable, de la que resumo los trazos que he logrado captar: a Manuel le han destituido de la caja de ahorros “por haber robado un dinero que faltaba” (¡viva el pleonasmo!), hecho que se despacha en tres líneas. Su matrimonio no funciona (no sabemos por qué) de modo que se dedica a pasear por Santander en solitario, o a ir al pueblo en compañía de su hijita Patricia. Allí vive la buena de Ángeles, al parecer muy fea –como la Marianela galdosiana-, enamorada de él de toda la vida, pero ocupada en cuidar a su anciano e impedido padre. No obstante de vez en cuando los dos se dan sus escapaditas -al monte, a un “Festival Intercéltico de Omajo” por la zona de Cabezón de la Sal-, e incluso comparten dos escenillas pretendidamente eróticas pero verdaderamente disparatadas, que el lector no debería omitir: páginas 93 y ss.; 193 y ss. (está última con una referencia a Churchill en verdad inolvidable).<br />Por lo demás, nuestro personaje pasea por la ciudad -barrio pesquero, muelles, entra en el Museo Marítimo, recuerda la inauguración del centro comercial cercano a Peñacastillo- al tiempo que emite consideraciones tópicas sobre todo lo que le pasa por las mientes. También medita mucho acerca de la pequeña Patricia y su futuro -no sabemos los años que tiene la peque, pues la novela carece por completo de cronología interna- y recibe de vez en cuando cartas de un tal Daniel desde el condado de Comet –cuya ubicación intuimos que debe de estar por los Estados Unidos, aunque quizá el autor aspiraba a crear una utopía- en las que le anima a acabar la tesis doctoral; hasta llegar a un final abierto, porque así no hay que dar sentido a tan polisémico rompecabezas. Con todo esto el lector -que ha visto en la contraportada: “Comet es una novela sobre las decisiones más importantes de nuestra vida: las que no tomamos”- llega a la conclusión de que la mejor novela de Pablo Díez sin duda alguna sería la que hubiera dejado de escribir.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por JOSÉ MANUEL CABRALES</span></strong><br /><br /><strong>José Antonio RAMÍREZ LOZANO: <em>La oca de oro</em>. Finalista Premio Tristana de Novela Fantástica (Ayuntamiento de Santander). Menoscuarto Ediciones, Palencia, 2008.<br /></strong><br />Puesto que también la literatura adolece de inflación en la actualidad y, al igual que el dinero, aumenta su volumen mientras pierde aceleradamente su valor, urgen mecanismos que enfríen el sistema literario. Basta contemplar los espacios principales de las librerías: cada vez más títulos llamativos, cada vez más historias tronantes, cada vez más reclamos grandilocuentes. El bulto es enorme y la claridad escasa. Se diría que las secciones de novedades de las grandes librerías se han vuelto el cuerno de la abundancia donde el lector hambriento saciará sin límites su apetito. Sin embargo, a menudo el lector no lo sacia. Con frecuencia creciente el lector experimenta la sensación de que toda esa librada (librasca o librorasca: habrá que elegir neologismo) vale poco y estorba mucho. Estorba a la cultura, tapa al saber y obstruye al arte. La arrogancia del éxito comercial expulsa a estos humildes personajes: el saber, el arte y la cultura deben buscar refugio en espacios pequeños y recoletos.<br />Y esto vale especialmente para un género o subgénero literario hoy muy en boga: la literatura fantástica. Habrá quien discuta lo de la boga, pero es lo cierto que, en su búsqueda de lo llamativo y lo sensacional, el actual sistema literario no desdeña, sino todo lo contrario, las historias que traspasan los límites de lo comúnmente admitido como realidad. Se inventa a escala industrial y se fantasea a lo grande para mejor camelar el impresionable lector-comprador de obras de ficción, que se lleva para su casa, tan convencido, kilos y más kilos de mentira artística brillantemente editada, eso sí.<br />Son los nuevos creyentes. Urge ayudarles, pero como no es posible, ni ha de serlo nunca, “publicitar” la verdad, la belleza y el bien, sólo cabe plantear alguna alternativa desde las instituciones públicas, cuando éstas son efectivamente públicas y no están coludidas con editoriales privadas, por desgracia ya las menos veces.<br />En Santander se ha puesto en marcha hace pocos años un certamen de novela fantástica, el Premio Tristana, precisamente desde una de sus instituciones públicas, y precisamente con ese fin de ofrecer una alternativa limpia y veraz a la infladísima producción de novelas mentirosas. La pretensión era modesta, como modestos son los medios de la institución que la sostiene, pero el camino emprendido es el que lleva, a medio plazo, salvo desviaciones, a buen puerto cultural. En su primera edición (2004) fue premiado un título, Desenmascarar a Kavarokios, de un escritor no conocido, José María García Hernández, que ya se ha convertido en una referencia entre los especialistas en el género de la literatura fantástica por la singularidad auténtica y sin pretensiones de su inventiva. En su segunda edición (2006) obtuvo el premio La coartada del Diablo, de Manuel Moyano, una brillante traslación a ámbitos carpetovetónicos del tema lovecraftiano de lo maligno telúrico, y fue mencionada honoríficamente por el jurado la novela finalista, La oca de oro, de José Antonio Ramírez Lozano, que ahora acaba de ver la luz en la misma editorial que las dos anteriores, Menoscuarto Ediciones, y que constituye todo un ejemplo de renovación y frescura en los estragados dominios del género.<br />Lucas, el protagonista de esta novela, emprende una mañana nevada de enero, desde su pueblo, Monsalud, la búsqueda de una oca blanquísima que ha huido del corral. Es la oca de la suerte, la oca de oro que estaba empezando a traer la felicidad a su familia. Lucas recorre lugares y paisajes maravillosos y conoce a personas insólitas que le ayudan o le desvían de su búsqueda, pero el interés del relato trasciende la peripecia o la aventura misma para morar en las palabras de que está hecho. Porque son éstas las que lo llevan y traen, su dicha o su infortunio; las palabras, como tales, son el oro auténtico, el valor real y no meramente simbólico que sustenta la vida humana.<br />Además de un ejercicio literario encantador por su belleza y concisión verbales, La oca de oro es una novela radicalmente original, rara mezcla de relato fantástico y de novela lírica, una invención que no carga a los lectores con el fardo de una historia abultada y difícil de creer, sino que le enseña y estimula a jugar y recrearse con su bien más verdadero y liberador: la fantasía.<br />En un panorama cada vez menos respirable de literaturas de letra gruesa y espíritu inerte, he aquí, pues, una novelita feliz y alada, un logro fecundísimo de la imaginación creadora, salido de un modesto y ejemplar concurso santanderino y editado por una también modesta y a la vez solvente editorial palentina.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por ENRIQUE ÁLVAREZ</span></strong><br /><br /><strong>Jaime ROYO-VILLANOVA: <em>Malvania</em>. Ediciones del Viento, La Coruña, 2007.<br /></strong><br />En 1951, con 35 años de edad Camilo José Cela publicó La colmena, novela destinada a marcar el rumbo de la novela española durante dos décadas a través de un modelo narrativo basado en tres rasgos: protagonismo colectivo por parte de una amplia serie de personajes; deliberado propósito de escandalizar a través de situaciones en donde se entrelazan violencia, sexo y humor negro, y finalmente un admirable dominio del lenguaje en sus variados registros. Todo ello ambientado en el Madrid de los años 40, dibujado con trazos descarnados y realistas.<br />A la misma edad pero más de medio siglo después, el periodista J. Royo-Villanova –afincado en Cantabria– debuta en el género narrativo con una ficción que repite el mismo esquema, pero en clave futurista o de ciencia-ficción, modalidad literaria de escasísima presencia en nuestras letras. En este caso la acción se desarrolla en algún momento del futuro en la ciudad de Malvania, enclave poblado de aristócratas y burgueses, cuyas extravagantes actividades tienen como contrapunto las penalidades que acontecen en el Suburbio, desde donde el malo Zurdo Scévola planea destruirla. Hay un personaje que comunica ambos mundos, además de ser el eje en el que confluyen la mayor parte de los personajes: el doctor Luis Claudio Quiérzanes de Fentanés, confidente, psiquiatra y eventual investigador de individuos y acontecimientos acaecidos en la urbe.<br />La acción se presenta desde el punto de vista de un narrador impasible, pretendidamente irónico y que -al modo de Brecht en el teatro- procura distanciarse de la materia narrada a base de introducir abundantes notas a pie de página, que de paso nos dan a conocer la gran cultura de Royo-Villanova, desde luego muy alejado del oficio narrativo de Cela. Porque aquí los innumerables personajes asisten a muchas fiestas y alguna orgía, vuelan en heli-taxis, clonan niños para que los poderosos practiquen la pederastia, se defienden de los sabotajes anarquistas y eventualmente mantienen diálogos con vocación de trascendencia, por ejemplo sobre el amor: “Amor es la voluntad de engañarse. Cuando la realidad sigue su curso, el amor termina en muchas horas de psiquiatra para paliar las consecuencias de ese engaño ¿Quién podría querer algo así, Adriana? El amor es claustrofóbico, inhibidor de la personalidad, catalizador depresivo, esclavista y proclive a la Enfermedad. No hay cabida para el amor en Malvania”.<br />Esa búsqueda del diálogo ingenioso -que recuerda a menudo a la alta comedia benaventina- cristaliza en frases redondas y sentenciosas (“La Enfermedad, Príncipe Axel, es la explosión del alma debido a la tortura a la que se la somete”); incluso se plantean cuestiones que ofrecerían sugestivos planteamientos novelescos -como la existencia de una editorial con un departamento dedicado en exclusiva a la fabricación de best-sellers- pero todo acaba por sucumbir por el afán de originalidad que se va apoderando del autor: falta unidad y sobran personajes; sobra imaginación en detrimento de la profundidad; la causalidad narrativa se deconstruye en la línea de la literatura del absurdo, pero la deconstrucción -soportable y quizá meritoria en música, pintura e incluso teatro- supone un castigo poderoso para el lector a lo largo de una novela de casi trescientas páginas.<br />De modo que ante el carrusel imparable de personajes que aparecen y desaparecen sin justificación alguna ni línea argumental coherente, el acto de leer va convirtiéndose en castigo o ascesis. Algo que en el caso de Cela solo llegó a ocurrir en sus dos últimas novelas.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por JOSÉ MANUEL CABRALES</span></strong><br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;"><strong>Poesía<br /></strong></span><br /><strong>Juan Ramón JIMÉNEZ: <em>Espacio</em> (edición facsimilar) y Cuaderno Adrede nº 7. Fundación Gerardo Diego, Santander, 2007.</strong><br /><br />No es la primera edición facsimilar que se hace en Cantabria de este poema sin parangón. Peña Labra, en sus números 40-41 del verano-otoño de 1981, ya reprodujo otro original con anotaciones manuscritas, que se encuentra en Puerto Rico, y que fue el que siguió Sánchez Romeralo al preparar su voluminosa Leyenda, de 1978. Sin embargo, como muy bien explica Adolfo Alegre Heitzmann, a quien todos hemos de estarle agradecidos por su exquisita Lírica de una Atlántida, desde la publicación de Tiempo y Espacio de 1986 a cargo del poeta cántabro Arturo del Villar el criterio generalizado ha sido considerar la versión aparecida en Poesía Española como la definitiva, pues todo apunta a que el original de Puerto Rico es anterior al que aquí tenemos, y aunque en vida aún de Juan Ramón el poema volvería a ver la letra impresa en la Tercera antología (1957), lo haría con una polémica amputación que tiende a atribuirse a Zenobia, preocupada al parecer por evitar las alusiones comprometidas de este famoso pasaje: “Caricatura infame (Heraldo de Madrid) de Federico García Lorca; Pieles del Duque de T’Serclaes y Tilly (el bonachero sevillano) que León Felipe usó después en la Embajada mejicana, bien seguro; Gobierno de Negrín, que abandonara al retenido Antonio Machado enfermo ya, con su madre octogenaria y dos duros en el bolsillo, por el helor del Pirineo, mientras él con su corte huía tras el oro guardado en la Banlieu, en Rusia, en Méjico, en la nada”.<br />Juan Ramón Jiménez dedicó su largo poema a Gerardo Diego en agradecimiento a su larga amistad con él y, sobre todo, debido al entusiasmo con que este último había celebrado las excelencias de los dos primeros fragmentos aparecidos en los Cuadernos Americanos. Pero la red de relaciones de este texto con algunos de los más destacados autores cántabros que traspasan los estrechos límites regionales no se agota ahí: ¿no está el Hierro de la “Canción del ensimismado en el puente de Brooklyn” prefigurado en estas líneas: “por debajo del Washington Bridge (el puente más con más de esta New York) pasa el campo amarillo de mi infancia”? ¿No está también lo esencial del arranque del Libro de las alucinaciones en este otro fragmento: “En el jardín de ST. John de Devine, los chopos verdes eran de Madrid”?<br />“Cómo pasa este ritmo, este ritmo, río mío, fuga de faisán de sangre ardiendo por mis ojos”, afirma Juan Ramón en el fragmento tercero. Y sí, como una fuga sin fin, como una prodigiosa corriente de conciencia, plena y libre, podría verse este Espacio, desbordado, en indesmayable sucesión, sin absurdas fronteras que limiten la pura expresión poética.<br />La Fundación Gerardo Diego nos brinda en una edición irreprochable al mejor Juan Ramón Jiménez en la versión más fiable de un poema irrepetible. Si es verdad que “el canto agranda”, como aquí se promete y se cumple a cada instante, el canto más grande del “andaluz universal” bien merecía este gesto también grande y noble, sin duda, para la historia.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por LORENZO OLIVÁN</span></strong><br /><br /><strong>José Luis HIDALGO: <em>Diez poemas junto al mar</em>. Edición facsímil. Fundación Gerardo Diego, Santander, 2008.<br /></strong><br />Lo inacabable no deja de tener su encanto. Lo inconcluso tiende a hacernos pensar en un enigma, en la posibilidad de qué-hubiera-ocurrido-si aquello no hubiera acabado bruscamente. En la literatura los ejemplos serían incontables. Obras y obras a las cuales sus autores no pudieron darle el punto final tan deseado para cualquier escritor. Pero dentro de ese género también se halla lo inconcluso de una obra casi nada más haberse iniciado, como una película que acabase en los títulos de crédito. Algo así como una planta que se marchita justo cuando empieza a quebrar la tierra y tender hacia la luz. Pero dejémonos de símiles. Pongamos sobre la mesa uno de los casos más sugerentes: el poeta torrelaveguense José Luis Hidalgo (1919-1947). Sin llegar a la treintena, y con una obra de la que sólo hemos podido saborear sus raíces de una profundidad y fuerza arrebatadoras, Hidalgo ocupa ya un lugar importante en la poesía española del siglo XX. Libros como Raíz de 1944 (año central para la poesía española con títulos como Hijos de la ira de Dámaso Alonso o Sombra del paraíso de Vicente Aleixandre) o Los muertos, libro que Hidalgo no llego a ver publicado ya que apareció pocos días después de su muerte en 1947, lo sitúan como un poeta fundamental en la nómina de poetas existenciales de posguerra. Representa además junto a Gerardo Diego y José Hierro, el tridente ofensivo de la poesía cántabra a nivel internacional del pasado siglo.<br />Sin embargo el poeta que fue Hidalgo, sumado al poeta que pudo haber sido de no haber fallecido tan joven, convergen evidentemente en un punto germinal. ¿De dónde surgió ese poeta? Se sabe que Hidalgo ya en la década de 1930 comienza a escribir, a publicar esporádicamente, e incluso en 1936 da una conferencia titulada “Poesía de vanguardia”. Es conocido igualmente que en esa época un poeta fundamental para la poesía española es su paisano Gerardo Diego. Tanto Hidalgo como Hierro recurren a él en diversas ocasiones, le llevan poemas, textos, dibujos, con la intención de que el poeta ya consagrado que era Diego, les expusiera su opinión. Se trataba de poetas jóvenes atentos a los movimientos literarios de la época, observadores y con interés por el aprendizaje literario. Precisamente, en fechas recientes, la Fundación Gerardo Diego, en esa labor arqueológica o espeleológica que lleva a cabo ha hallado entre los libros y cartas de Diego un casi-libro inédito de José Luis Hidalgo fechado entre 1938-1939, es decir, cuando el autor rondaba la veintena. Se trata de una serie de cuartillas mecanografiadas encontradas entre los papales de Diego bajo el título Diez poemas junto al mar. Como indica el título, se trata de diez poemas marítimos de Hidalgo más un poema pórtico o umbral de José Hierro. La Fundación Gerardo Diego ha tenido a bien editar facsimilarmente estos poemas con un estudio del poeta Juan Antonio González Fuentes que nos acerca perfectamente al contexto creativo de estos diez poemas, tratando de desvelar algunas de sus incógnitas.<br />Se trata de diez poemas que en su mayoría, con más o menos retoques, pasaron a formar parte posteriormente de libros como Raíz. Es decir, no se trata de poemas inéditos pero sí de hallazgos que nos permiten vislumbrar el proceso creativo de este poeta que fue y pudo haber sido José Luis Hidalgo. Con meticulosidad detectivesca González Fuentes nos va desvelando los orígenes y destinos de cada uno de estos diez poemas así como su contexto de surgimiento y desarrollo. Poemas de una marcada sensualidad y desconsuelo como “Playa”, que luego formaría parte del poema “Cantábrico” del libro Raíz (como la gran parte de los poemas aquí recuperados), donde leemos: “En el mar / con monótono cantar / agrios sueños se edifican”. O el poema “Sardinero” donde escribe: “La playa estaba sola: / ni penas ni alegrías / y la tarde muriéndose / sobre la barandilla”. Hallamos en estos poemas, en definitiva, una perfecta arqueología de la poética hidalguiana, entre el sufrimiento, el paisaje y la vanguardia, permitiendo así una nueva perspectiva en el conocimiento de la obra inconclusa de José Luis Hidalgo. Un poeta que, a pesar de todo, ha influido enormemente en poetas posteriores. Todo un hallazgo bibliográfico.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por ALBERTO SANTAMARÍA</span><br /><br /><br />Antonio MONTESINO: <em>Phantastiqué</em>. 100 Poemas visuales. Revista La Ortiga, 73/74 (otoño 2007). Editorial Límite, Santander.<br /></strong><br />Antonio Montesino es un poeta cuya versatilidad abarca territorios extensos. Desde la edición, realiza una labor cargada de merecimiento y cuidado, sobre todo a la hora de publicar títulos solícitamente ilustrados. Buen ejemplo de ello es la revista La Ortiga, en la que sobresale su interés por estimular el desarrollo del espacio visual, en la búsqueda de la interrelación verbal con la experiencia sígnica.<br />En la creación, contamos con una nueva obra suya, titulada Phantastiqué, que recoge el conjunto de poemas visuales fechados entre 1976 y 2006. Se agrupan en cinco unidades, organizadas bajo distintos títulos: “Pictografias”, confeccionados entre 1976 y 1991, reúne una relación de imágenes recurrentes, establecidas en series, donde aparecen letras onomatopéyicas que ingrávidas parecen flotar hacía destinos ajenos a la fábrica del propio texto y se organizan en metáforas lúdicas. La observación atenta nos permite establecer su lectura desde una analogía casi física con el icono representado. Algo semejante a las sorprendentes y totémicas construcciones verbales de Joan Brossa. Las “Meninas” datan de 1981, y en ellas se resalta la preocupación del autor por mostrar los límites de la experimentación lingüística, la palabra y el medio donde se expresa. Utiliza para ello una rigurosa codificación combinatoria, una doble correspondencia entre las imágenes y la realidad. Esta última, permanece encriptada en un código de representaciones sintéticas, heredero del lenguaje y con evidentes homenajes a los fenómenos de la comunicación socio-cultural. “Phantastique” pertenece a 1985, y a pesar de estar construida cuatro años más tarde que la anterior, se advierten cambios estructurales más descriptivos y hasta si se quiere, coreográficos. La información planea como una declaración de variantes, sutiles unas veces y otras, evidentes, con elementos de retórica gráfica que estimula una percepción de la misma más abierta y realizada, pues en ocasiones se utilizan como fondo argumental fotografías, intervenidas gráficamente (trazos discontinuos, hileras de puntuaciones, clavos que se convierten en signos matemáticos), configurándose como una obra distinta, muy alejada de la réplica y sí instaurada en la expresión estereotipada del universo de la comunicación. Entre 1988 y 2006, Antonio Montesinos, estructura otros trabajos bajo la denominación de “Graphein”. Las ilustraciones se representan aquí en una compleja estratificación de señales, muchas de ellas superpuestas y colisionadas con alusiones claramente ópticas y de resultados satisfactoriamente plásticos. La utilización de caracteres (signos-campo), entre planos de color, nos advierten de la presencia de símbolos funcionales, muchos de ellos irónicamente equivalentes, como paradigma radical de lo socialmente frívolo. A mi parecer, en este territorio se encuentran las piezas más logradas, con una evidencia y rotundidad extraordinariamente analíticas. Más recientemente, en 2006, compone la serie “Haigas”, elaborada partiendo de los principios orientales del poema-pintura como unidad de expresión artística totalizadora. Con este soporte estilístico tradicional, Montesinos experimenta, alterando el mismo enunciado poético para cambiar su tiempo y definición. La argumentación que utiliza el lenguaje en otros contextos se ve extrapolada hacia reflexiones más audaces y contradictorias, revelándose en una ficción autónoma con mensajes de belleza innegable, en los cuales, el poeta y el lector comparten la misma experiencia. Un encuentro instintivo e inmediato, más allá de la lógica a que responde. Son piezas que ilustran simulacros ideológicos y una incitación al debate estético sin eludir su propia argumentación y contestación. Se erigen a modo de juego de sombras, estrategias cromáticas y conflictos episódicos de resonancias fascinadas por el consumo y la ambigüedad de sus productos.<br />No deja de ser curioso que los argumentos ornamentales que utiliza Antonio Montesinos, en la elaboración de su producción sean hábilmente contestados por la misma lectura de las imágenes, pues el diálogo (publicitario, sexual y político), constituido entre la emisión del mensaje iconográfico y su propio éxito interpretativo, obliga a la interrogación permanente del lector. La función transgresora de las unidades visuales de éste discurso y los síntomas que las repercuten directamente, se ofrecen de manera natural, dispuestas a una crítica virtual, revelándose al observador desde una percepción esquemática que debe ser interpretada con una visión permeable a otras referencias, donde su comprensión resulte tan ilusoria como réplicas de la duda y la relación con el azar o el placer.<br />Resulta necesario señalar la correlación conceptual y estilística de algunos de los hallazgos visuales evidenciados en ésta obra, con los logros publicitarios de la cartelería centroeuropea y su capacidad de simbolizar de manera eficazmente sintética la información (Niklaus Roxler, Istvan Orosz, Lech Majewski, Lex Drewinski y otros). No obstante, se evidencia en éste trabajo de Antonio Montesino el compromiso y las concatenaciones engendradas con la poesía visual y los experimentos vanguardistas del movimiento Dadá.<br />Phantastiqué, pues, son 100 Poemas Visuales para interpretar el lenguaje desde los límites de la representación gráfica. Un libro hermoso, hecho para ser disfrutado por todos aquellos que se deleiten en los desafíos de este astuto inventario gráfico pleno de intuición y lucidez.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por JESÚS ALBERTO PÉREZ-CASTAÑOS<br /></span></strong><br /><br /><strong><span style="font-size:130%;color:#333399;">Estudios<br /></span><br />José Luis BERNAL SALGADO: <em>Manual de Espumas. La plenitud creacionista de Gerardo Diego.</em> VII Premio Internacional «Gerardo Diego» de Investigación Literaria 2007. Pre-Textos/Fundación Gerardo Diego, Valencia, 2007.<br /></strong><br />Acabo de recibir la séptima edición del cada vez más prestigioso Premio Internacional de Investigación Literaria «Gerardo Diego» que en esta ocasión ha recalado en la obra del profesor José Luis García Bernal, centrada precisamente en una de las obras capitales del poeta que concede su nombre a dicho premio, Manual de Espumas, elaborada en la efervescencia del creacionismo. Dos son los factores que hacen que esta nueva entrega resulte de especial interés. El primero de ellos es la edición facsimilar adjunta de la primera edición del poemario de 1924 realizada a partir del ejemplar de la biblioteca personal de Gerardo Diego. En segundo lugar, el estudio incluye un jugoso anexo donde se reproducen diez poemas autógrafos inéditos de dicho poemario con sus respectivas transcripciones y pertinentes anotaciones, que fueron enviados por Diego al poeta Juan Larrea en el año 1922. Particularmente atractivo resulta el hecho de que esta documentación, como ya señalase Ricardo Senabre, no haya sido nunca antes utilizada en investigaciones precedentes. Por todo ello, esta obra posee un doble valor: de una parte como estudio crítico de una obra singular en la trayectoria poética de uno de los principales valores del grupo del 27; y por otro lado, y no menos importante, como justificación o confirmación de que los archivos de la Fundación Gerardo Diego (principal fuente de documentación del profesor Bernal) juegan un importante papel a la hora de proporcionar materiales a los investigadores literarios.<br />El presente estudio viene avalado por la amplia trayectoria de crítica literaria de su autor, centrada especialmente en el poeta santanderino: La biografía Ultraísta de Gerardo Diego, Estudio bibliográfico de la poesía de Gerardo Diego. En 2002 editó en tres volúmenes la Prosa literaria de Gerardo Diego para la editorial Alfaguara; en 2003, en colaboración con Francisco Javier Díez de Revenga, Memoria y Literatura. Estudios sobre la prosa de Gerardo Diego; además de numerosos artículos, entre los que destacamos “Creacionismo y Neogongorismo en la poesía de Gerardo Diego y la vanguardia hispánica” (1993), “Gerardo Diego y las Vanguardias (1918-1931)” (1996) y “Cosmovisione poetica di Gerardo Diego” (1994).<br />Centrándonos ya en el trabajo de investigación, lo primero que me gustaría resaltar es su pulcra, ordenada y cuidada estructura (si pasamos por alto un preámbulo que, si bien resulta un tanto innecesario y aburrido, se ajusta perfectamente a la segunda acepción del término ya que se trata de un rodeo o digresión antes de entrar en materia o de empezar a decir claramente algo). El estudio se organiza temáticamente y comienza por presentarnos los entresijos de la edición de Manual de espumas. Este capítulo, uno de los más acertados del volumen, es un hallazgo por sí solo y un excepcional documento que trasciende a la poesía de Gerardo Diego y nos acerca a una realidad que no siempre es fácil de apreciar en los variados y diferentes manuales de historia de la literatura donde las fechas de edición se han sobrevalorado en demasía. De este modo el autor nos presenta un libro que, si bien fechado en 1924, distribuido al año siguiente y escrito en el 22 (un año después de que el poeta conociese a Huidobro), fue conocido sin embargo en el 23 por ciertos adelantos en revistas de la época, entre ellas Horizonte, dirigida por Pedro Garfias (con quien Diego acabaría tremendamente enfadado debido a cuestiones monetarias). Se trata, en definitiva de la apasionante historia de un libro, con sus acaeceres y sinsabores, narrada de una manera rigurosa y bien documentada.<br />El tercer capítulo del libro está dedicado al tiempo de composición del poemario, en donde el autor relaciona de manera muy inteligente el periodo de escritura con las influencias contemporáneas, sus lecturas, lo cual arroja suficiente luz acerca de la génesis de muchos de los poemas de Manual de espumas. Como en el capítulo anterior, esta parte de la investigación, jalonada de fragmentos de correspondencia privada, trasciende de lo particular a lo general, mostrándonos cómo todo input externo contribuye a la creación de una obra.<br />Los siguientes apartados resultan un tanto más convencionales, pero no por ello menos interesantes. Un cuarto capítulo trata de la crítica del libro en su momento, con opiniones que van desde Machado a Juan Gris, pasando por multitud de críticos de la época, entre los que cabe destacar a Eugenio Montes, Guillermo de Torre o Pérez Ferrero. Los últimos capítulos, en los que se destaca que el libro de Diego es ante todo un libro más musical que plástico, en contra de opiniones más establecidas, trata de extraer la poética subyacente en los versos del poemario: la poética del ritmo y de la imagen que renueva en parte la poética de Imagen y Limbo a pesar del continuum que se le supone. Y un capítulo final más extenso en el que se discuten los poemas desde el punto de vista de la invención como del de la composición. En resumen, se trata de un excelente trabajo de investigación, no en vano merecedor de un premio, que además cuenta con una excelente y me atrevería a decir que exhaustiva biografía acerca de uno de nuestros más insignes poetas.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por FRANCISCO LLANILLO</span></strong><br /><br /><strong>Mario CRESPO LÓPEZ: <em>La esfera de la dicha. Vida y obra poética de Leopoldo Rodríguez Alcalde (1920-2007).</em> Pronillo, Santander, 2007.<br /></strong><br />La colección Pronillo, impulsada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Santander, ha presentado su vigésimo quinto volumen, dedicado a uno de los hijos predilectos de la ciudad, Leopoldo Rodríguez Alcalde. Bajo el título La esfera de la dicha (título tomado de un verso del poema «Ante los días»: Si hay que vivir, vivamos. Si nos hablan de olvido / afirmemos, seguros, que no ha pasado nada. / Que se ha quedado inmóvil la esfera de la dicha), el profesor Mario Crespo ha realizado un excelente estudio de una de las facetas más desconocidas de este intelectual santanderino, la poética. La obra, de la que se agradece su correcta y fluida redacción sin retóricas superfluas ni filigranas innecesarias, es el fruto de diez años de relación y amistad, de largas conversaciones y de la propia voluntad de Rodríguez Alcalde de que fuese Crespo quien se encargase de este proyecto, que lamentablemente no llegó a ver terminado. Cuenta pues, el ensayo, no sólo con el beneplácito del fallecido crítico, articulista y poeta, sino con correcciones, documentos de su archivo personal y algunas interesantes anécdotas. Entrando en el análisis del ensayo, el lector se va a encontrar con una obra estructurada en cinco grandes secciones. La primera, “Perfil “biopoético” de Leopoldo Rodríguez Alcalde (1920-2007)”, como no podía ser de otra manera, nos presenta una biografía dividida en cinco apartados donde el autor hace especial hincapié en los acontecimientos poéticos más destacados de la vida del artista estudiado y que posee excepcionales documentos gráficos como fotografías o ciertos manuscritos literarios. “Hacia una caracterización de su poesía”, es el segundo apartado del estudio de Crespo, donde destaca el carácter intimista de la poesía de Rodríguez Alcalde frente a otras concepciones críticas anteriores. En este breve capítulo se analizan las influencias y los temas de su poesía, así como su ubicación generacional desde un correcto tono filológico. El siguiente apartado, uno de los que cuenta con la revisión de Rodríguez Alcalde, “Apuntes sobre los libros poéticos de Leopoldo Rodríguez Alcalde,” es una colección de reseñas elaboradas para este estudio de cada poemario, en el que se incluye además las de algunos inéditos o desaparecidos. El libro se complementa con una serie de anexos y una cuidada antología que recupera libros que hoy en día son imposibles de encontrar. Algunos de los criterios para realizar dicha antología fueron dictados por el propio gusto personal del poeta (de este modo no aparecen poemas de sus cuatro primeros libros); otros se deben a la relevancia otorgada por la crítica; y en tercer lugar se han seleccionado los que el autor del estudio ha considerado que alcanzan un mayor grado de significación en el corpus poético de Rodríguez Alcalde. Entre los diferentes y variados anexos a la obra nos encontramos con la explicación del epígrafe en un capitulillo titulado “A modo de epílogo ¿Por qué «La esfera de la dicha»?”; con una cronología de sus diferentes conferencias y representaciones públicas (si no todas, las más importantes) a partir de un cuasi exhaustivo rastreo en hemerotecas, notas de prensa, archivos y comunicaciones particulares; una colección de los diferentes juicios críticos que los libros poemas de Rodríguez Alcalde han recibido (donde podemos encontrarnos con las interesantes opiniones de Villaespesa o Ricardo Gullón); y una cuidada y completísima bibliografía que no sólo abarca los libros publicados por el autor sino todos aquellos a los que de algún modo le hacen referencia. En resumen, y para finalizar, nos encontramos ante un libro muy recomendable, entretenido, fácil de leer y extremadamente interesante al que quizá sólo le es achacable una apariencia y un diseño poco atractivo, que no ha sabido tener en cuenta que lamentablemente hoy día la imagen venda más que la palabra.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por FRANCISCO LLANILLO</span><br /><br /><br />Ramón MARURI VILLANUEVA: <em>Temer, rogar y festejar</em>. La Ortiga, Revista Cuatrimestral de Arte, Literatura y Pensamiento, 75/77 (invierno 2007). Editorial Límite, Santander, 2007.<br /></strong><br />Antes de que Ramón Maruri Villanueva (Santander, 1949) se revelara como poeta y promotor de actividades culturales, o antes, al menos, de que yo así le descubriera, le conocí como profesor de Historia Moderna en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Cantabria, donde sigue impartiendo sus clases y ha ocupado y ocupa diferentes cargos. Sus lecciones sobre la Europa Moderna del siglo XVIII solían estar pobladas de interesantes comentarios sobre la transición del Antiguo Régimen a la sociedad liberal del XIX y las diferencias entre ambos sistemas, radicadas, junto a otras consideraciones, en el paso de una sociedad de privilegios a otra de derechos, de una política absolutista a otra tendente a la participación democrática de los ciudadanos, teniendo como “luz” la Ilustración. De las implicaciones que estas claves, rigurosamente justificadas, tienen, no voy a hablar aquí, aunque sí creo que sitúan su discurso historiográfico en una coordenada crítica verdaderamente interesante. Dos de las monografías del profesor Maruri, Ideología y comportamientos del obispo Menéndez de Luarca (1984) y La burguesía mercantil santanderina, 1700-1850. Cambio social y de mentalidad (1990) figuran entre los títulos ineludibles para conocer la Historia Moderna en nuestra región. Ahora ha reunido en este volumen titulado Temer, rogar y festejar (primorosamente editado e ilustrado, como nos tiene acostumbrados Antonio Montesino y La Ortiga) siete estudios sobre la religiosidad y la fiesta pública en la España del Antiguo Régimen. Por un lado, en ellos se analizan las devociones a la Virgen del Carmen y a San Roque, la vida religiosa en la Cantabria de la época y la pervivencia en el catolicismo de la imagen del demonio; por otro, se publican investigaciones sobre las fiestas asociadas a los acontecimientos regios y la percepción de lo festivo en la España del siglo XVIII. Trabajos variados, dos de ellos hasta ahora inéditos, que ponen al alcance del lector interesado parte de la producción historiográfica del autor, y que muestran una de sus principales preocupaciones, el estudio de las mentalidades, con sus transformaciones y pervivencias, en unos siglos capitales de nuestro pasado.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por MARIO CRESPO</span><br /><br /><em>Cuaderno de amigos: Gerardo Diego-José Hierro</em>. Edición de Francisco Javier Díez de Revenga. Editorial Devenir, Colección Ensayo, Madrid, 2005.<br /></strong><br />Con la colaboración de la Fundación Gerardo Diego y de la Obra Social de Caja Cantabria, la editorial Devenir publicó un pequeño y precioso volumen que tal vez en su momento no tuvo la repercusión crítica que merecía. Se recogían en él cuatro textos de Gerardo Diego sobre José Hierro, dieciséis trabajos del poeta de Alegría sobre el maestro del 27, una carta de Diego a Hierro y, como apéndice final, un muy interesante texto de Hierro titulado “Los poetas del 27 y mi generación”.<br />La edición y el impecable estudio introductorio corresponden a uno de los mejores conocedores de la poesía española, tanto clásica como contemporánea. Nos referimos a Francisco Javier Díez de Revenga, Catedrático de Literatura Española de la Universidad de Murcia. Los textos se reproducen de acuerdo con los originales impresos en las diferentes publicaciones que los dieron a conocer y se nos revelan como un extraordinario intercambio intelectual entre dos maestros indiscutibles de la poesía española.<br />De 1947 es el artículo más antiguo que de Gerardo Diego sobre Hierro aquí se recoge. Titulado “Un poeta nuevo” y sugerido por la concesión del premio Adonais al joven autor por su libro Alegría, Diego se rinde ante la indudable calidad de la poesía de Hierro, si bien señala algún pequeño defecto al impulsivo poeta. En otro texto publicado en 1950 Diego reseña muy positivamente el libro de Hierro Con las piedras, con el viento, título que, como es sabido, procede de unos versos de El caballero de Olmedo de Lope de Vega, autor admirado por ambos poetas. Los juicios y opiniones de Diego tampoco están aquí exentos de objetividad poética y el maestro califica la poesía de Hierro como lírica personalísima, no sujeta a las modas del momento, “poesía dichosamente libre, humanista y comprometida exclusivamente con el hombre”. La tercera reseña, fechada en 1958, está dedicada al libro Cuanto sé de mí, de nuevo un título extraído de un verso de Lope de Vega, en esta ocasión de El médico de su honra. Diego sitúa la poesía de Hierro como un afán de conocimiento de sí mismo y se extiende en la seducción, común a ambos poetas, de la música, no sólo presente en el contenido del libro, sino en la propia manera de hacer el verso. El cuarto y último texto de Gerardo Diego aquí seleccionado se titula “Los dos HH”. Publicado en 1973, Diego relata en él la visita que a su casa de Santander hicieron dos jóvenes poetas, José Hierro y José Luis Hidalgo, quienes llevaron al maestro un libro escrito exclusivamente para él y hoy definitivamente perdido.<br />Por su parte, los textos recogidos de José Hierro referidos a Diego en esta edición son un perfecto ejemplo de su continuada admiración hacia el maestro y precisan muy bien el nivel de influencia que sobre su obra ejerció. Como muy bien subraya Díez de Revenga, “sobre todo demuestran que Gerardo Diego pasó de ser objeto de admiración a objeto de estudio”.<br />El primero de ellos, titulado “Prólogo a Gerardo Diego”, forma parte de la extensa dedicatoria del libro Con las piedras, con el viento (1950). En un tono confesional, Hierro comenta las relaciones de su poesía con la de Diego a través de algunos de sus libros fundamentales. Seguirán textos de gran interés en los que Hierro reseña algunos libros del poeta del 27 como Paisaje con figuras o Ángeles de Compostela. Destaca igualmente por su tono entrañable el artículo titulado “Reproches al tímido” (1959), pero sobre todo nos interesa el artículo que Hierro publicó en 1966, titulado “Entrañable Gerardo”, en el que el joven poeta analiza el creacionismo de Diego y las relaciones entre la palabra poética y la música en Rubén Darío, Juan Ramón Jiménez y el propio Gerardo Diego, siempre admirado y a quien, como se dice al final, “le debo casi todo”.<br />Algunos de los artículos de José Hierro que sobre Diego se recogen en esta edición son apologéticos y defensores del papel del maestro en la poesía española del siglo XX. Tal vez el trabajo de mayor interés sobre Diego sea el texto introductorio escrito para la Antología poética que la Diputación General de Cantabria publicó en 1988. En él, Hierro comenta la obra del maestro del 27, tanto de su poesía clásica y tradicional como de la vanguardista y creacionista, ambas perfectamente cohesionadas, a la vez que revela sus particularidades y aportaciones y analiza su lenguaje poético. Cierra el estudio Hierro con una explicación de por qué Gerardo Diego no ha sido nunca un poeta preferido por las generaciones posteriores y achaca a la crítica y a la comodidad de los lectores su incapacidad de asumir la variedad temática y formal de su poesía.<br />Recoge Díez de Revenga en esta edición algunos artículos más: la reseña que Hierro hizo de la primera edición de las obras completas de Gerardo Diego en 1989 y distintos artículos evocadores y conmemorativos en los que el poeta de Quinta del 42 vuelve sobre muchos de los juicios expuestos en los primeros textos, además de plasmar diversas vivencias y anécdotas. Es muy interesante el que redactó para el catálogo de la exposición “Gerardo Diego y los pintores” (1996), en el que Hierro subraya una nueva afinidad intelectual de ambos poetas: el amor a la pintura.<br />Por último, se reproduce una carta de Gerardo Diego a José Hierro y como apéndice final un interesantísimo texto titulado “Los poetas del 27 y mi generación”, artículo que, publicado en 2004, fue inicialmente escrito para una conferencia que impartió el poeta en la Universidad de Sevilla en los años 80, ocasión en la que, por lo visto, el mismo Hierro inventó el cóctel “Generación del 27”, elaborado con naranjas amargas, ginebra y azúcar. En el artículo Hierro repasa detalladamente las distintas etapas de la poesía de la generación anterior; reitera la importancia de la Antología de Diego de 1932 a la hora de señalar algunas de las más destacadas líneas estéticas de los poetas del 27; niega la influencia de la poesía neoclasicista o de vanguardia del poeta en los años de posguerra, y, finalmente, subraya la importancia de dos libros esenciales que, publicados en 1944, tendrán una gran repercusión en los poetas posteriores: Sombra del paraíso de Vicente Aleixandre e Hijos de la ira de Dámaso Alonso.<br />La publicación de Cuaderno de amigos: Gerardo Diego-José Hierro supone un paso no menor en el conocimiento de la poesía española del pasado siglo y nos ayuda a entender mejor la intensa relación y la admiración compartida de dos de sus mayores representantes.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por FERNANDO ABASCAL</span><br /><br /><br /><span style="font-size:180%;color:#333399;">MÚSICA<br /></span></strong><br /><span style="font-size:180%;color:#333399;">Discos<br /></span><br /><strong><em>hmGold. Les trésors de Harmonia Mundi</em>. VV.AA. 2008. Disponible en Harmonia Mundi Santander.<br /></strong><br />Con motivo de la conmemoración del 50 aniversario del sello discográfico Harmonia Mundi, aparece en el mercado- y en particular en nuestra ciudad en la tienda de Harmonia Mundi Santander– un lanzamiento que se incluye dentro de la clasificación comercial de “serie media”; serie “media” que apela a lo moderado de los precios, pero no a la calidad, que en todo caso es manifiestamente superior, conforme a la exquisitez a la que HM ya nos tiene acostumbrados, muy en especial dentro del ámbito de la música antigua. La colección, que consta de treinta títulos bien escogidos entre el amplio catálogo de la casa –y que pueden adquirirse individualmente–, cuenta no sólo con el ya mencionado aliciente económico, sino también con el de la posibilidad de recuperar para nuestra discoteca algunas grabaciones –“tesoros”– ya inencontrables. Por el momento se encuentran disponibles quince títulos, y está previsto que avanzado el verano estén a la venta los quince restantes. Excelentes orquestas, directores y solistas habituales del sello HM (Les Arts Florissants, Akademie für Alte Musik, Paul O’Dette, Philippe Herreweghe, René Jacobs, Vivica Genaux, Andreas Scholl o Alfred Deller, por sólo citar unos ejemplos) ejecutan espléndidas y delicadas versiones de repertorios amables y sumamente conocidos en algunas ocasiones, y sobre todo de rarezas y hallazgos en la mayor parte de las veces, en un repertorio que abarca desde la música antigua a la contemporánea (C.P.E. Bach, Brahms, Charpentier, Janacek, Kapsperger, Mozart, Purcell, Schumann, Vivaldi…). Se trata, por tanto, de una magnífica revisión de la historia de HM y al tiempo de una brillante tarjeta de presentación para quienes no conozcan aún el refinado ámbito de la discográfica francesa. Con semejantes nombres y la cuidadísima presentación con que tales discos llegan a nuestras manos, se recomienda abandonarse a la tentación y hacerse con más de uno.<br /><strong><span style="font-size:85%;">por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA<br /></span></strong><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">Espectáculos<strong><br /></strong></span><br /><span style="font-size:130%;"><strong>El sello inconfundible del maestro</strong> </span></span><br /><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Espléndido concierto de Grigory Sokolov en el Palacio de Festivales de Cantabria<br /></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por REGINO MATEO</span></strong><br /><br />La segunda visita de Grigory Sokolov a Santander sonó a acontecimiento. No sólo porque Sokolov sea a día de hoy uno de los más grandes pianistas del panorama internacional y uno de los que ofrecen interpretaciones en directo más sólidas, sorprendentes y personales, sino también porque en nuestra ciudad se ha ido poco a poco perdiendo la costumbre de escuchar música de cámara a cargo de grandes maestros.<br />Nunca hemos sido una gran metrópoli cultural, pero hace no tanto tiempo había un goteo constante de conciertos en formato de cámara en los que la calidad interpretativa era segura. Pero ni Festival Internacional ni Palacio de Festivales parecen hoy muy inclinados a programar formatos pequeños, aunque éstos faciliten la presencia de grandes nombres, y prefieren centrarse en propuestas más masivas, menos sutiles y más cercanas a un gran público al que, por otro lado, se está hurtando en cierta medida la calidad y la formación. Así que con este panorama, la oportunidad de un concierto a cargo del celebrado pianista ruso en plena madurez interpretativa resultaba doblemente apetecible.<br />No es Grigory Sokolov un pianista capaz de actuar “a la ligera”. Antes del concierto se pasó un par de días en Santander encerrado en la Sala Argenta y quemando horas a las teclas de ese magnífico piano Steinway con el que cuenta nuestro Palacio. Horas dedicadas a estudiar la pulsación del instrumento, sus posibilidades sonoras, la acústica de la sala. Consagradas en definitiva a la noble tarea de hacer música, de hacerla bien y hacerla respetando al público, se toque en Santander o en Viena. Otro detalle significativo, Sokolov necesita plena concentración y por eso toca (como se tocaba antes) con la sala prácticamente a oscuras, de manera que consigue aislar la presencia del público y se enfrenta al piano como único compañero de velada. Pero al mismo tiempo, el público, incluso a su pesar, se ve obligado a recogerse, a concentrarse en la escucha y olvidar otras partes más frívolas de la liturgia concertística.<br />¿El resultado? Espléndido. Una primera parte dedicada a Mozart, con las dos sonatas para piano en Fa Mayor (las KV 280 y 300) y una segunda convertida en un bello tour de force con la ejecución de los 24 Preludios para piano Op.28 de Chopin. En esta colección de pequeñas obras maestras brilló Sokolov, apuntando una paleta de colores infinita, un repertorio inagotable de emociones y sonoridades en las que se viajaba desde la lectura agónica y dolorosa del Preludio número 6 a la apacible canción del 21, de la tensión agitada y casi brahmsiana del 8 a la densidad polifónica del 20. Pero su Mozart, ufff su Mozart… ¿Qué es lo que espera uno del encuentro con un maestro? Sorpresa, belleza, emoción. Sorpresa hubo desde luego en un Mozart personal, rozando lo genial, casi excéntrico. Un Mozart en el que la articulación de los picados provocaba pequeñas burbujas de sonido redondo, matérico, impecable; un Mozart procedente de su periodo galante en el que la lectura del ruso nos abría puertas oscuras y llenas de tormentas armónicas y expresivas que anunciaban la llegada del Romanticismo mucho antes de que el concepto siquiera estuviera vivo.<br />El público, como no podía ser menos, concentrado y atento, se empapó de música y aplaudió con esa fuerza que sólo reserva para las mejores noches. Y hasta cinco bises fuera de programa nos regaló Sokolov, regresando a Chopin (una de las mazurkas, la Fantasía-Impromptu) y a las series de preludios construidas por Rachmaninov a imitación del modelo polaco. Una noche, esta vez sí, para la memoria.<br /><br /><span style="font-size:130%;"><strong><span style="color:#333399;">Una ópera de cine </span></strong><br /><br /></span><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;">Retransmisión desde el Liceu barcelonés de la Elektra de Strauss en las Salas Cinesa de Santander<br /></span><br /><strong>por ROBERTO BLANCO</strong><br /></span><br />No es lo mismo la ópera en el cine que la retransmisión, en tiempo real, de una sesión operística, como pudo demostrarse a finales de febrero en una sala cinematográfica santanderina con la proyección de la ópera Elektra de Richard Strauss. Las cámaras ubicadas en el Liceu de Barcelona enviaron vía satélite su señal a más de veinte salas de toda España cuyos espectadores pudieron disfrutar de la representación y del ambiente previo del coliseo de las Ramblas con un alto grado de calidad visual y sonora. Lástima que en nuestra ciudad, quizás porque no se publicitara suficientemente, la asistencia se redujo a una treintena de personas con incluso alguna deserción mediada la proyección. Y extraña más aún siendo Santander una ciudad que gusta de la ópera y llena la sala Argenta cuando nos visita, amén de los sorprendentes catorce euros que costaba la entrada. El atractivo de la idea es muy grande y merece la pena el esfuerzo de una mayor difusión para que el público aficionado no se pierda una experiencia más que satisfactoria.<br />La coproducción del Liceu de Barcelona y La Moneda de Bruselas, firmada por Guy Joosten, huye del clasicismo creando una atmósfera expresionista con unas cámaras –ocho en total- bien dirigidas que impiden que no perdamos nada de lo que ocurre en escena, alternando con precisión planos generales y medios que revelan una excelente concepción dramática: vestuario militar y clínico, decorados con bastidores desnudos que nos muestran los sótanos del palacio donde Elektra convive con las criadas, iluminación pobre, y los rostros de los personajes bien expuestos en busca del logrado efecto teatral.<br />Y llenándolo todo, fulgurante, aparece Deborah Polaski, creíble, convincente, una encarnación ideal de la Elektra creada por Strauss y Hofmannsthal. Basta con compararla sólo un instante con el Orestes de Albert Dohmen, estático, como si no fuese capaz de sentir, sin brillo, mientras que ella, en la magnífica escena del reconocimiento nos estremece con su canto, su interpretación, su mirada… Cuando la cámara se obsesiona en seguirla durante la escena citada, o en la escena con Klitemnestra y en la final, su paleta expresiva lo invade todo, desde la frustración hasta la ironía, desde el odio y los deseos de venganza hasta el paroxismo último.<br />A su lado, la que fuera otra gran Elektra, Eva Marton, viste las ropas de una Klitemnestra también magistral: cada gesto, cada mirada y entrada de plano de la húngara se convierte en inolvidable. De alto nivel también, por voz, fraseo y actuación, la Crisótemis de Ann-Marie Backlund, y correcto vocalmente el Egisto de Graham Clark, aunque desdibujada su contribución actoral. Desde el foso, Sebastián Weigle incendia a la orquesta demostrando sus habilidades tanto en el subito piano como en los inmensos tutti que contiene la genial partitura straussiana.<br /><br /><br /><strong><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;">La New Orleans Jazz Band y Woody Allen </span><br /><br /></span></strong><span style="font-size:85%;color:#333399;">Concierto del cineasta y su banda en el Palacio de Festivales de Cantabria<br /></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por JESÚS CABEZÓN</span></strong><br /><br />"No soy un verdadero músico de jazz, solo un aficionado insistente. No soy un virtuoso", afirma Allen Stewart Konigsberg, nacido el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn en Nueva York en el seno de una familia judía, más conocido como Woody Allen, nombre que adopta cuando cumple 17 años. Pero cuando se le ve y se le escucha en directo, su fuerza, entrega y profesionalidad ponen en cuestión su propia afirmación, entre otras cosas, porque ni él ni sus amigos músicos pretenden darnos lecciones de virtuosismo, sólo intentan hacernos disfrutar con su música. En idéntico sentido ha escrito, al recordar su adolescencia: “Yo no quería ser Bogart, tampoco quería ser John Wayne. Yo sólo quería ser el capullo de la clase, quería ser el chico con gafas que nunca consigue a la chica pero que es divertido y cae bien a todo el mundo”. El caso es que el director de Annie Hall, La rosa púrpura de El Cairo o Días de radio, y siempre que se lo permiten su trabajo y compromisos, ha venido tocando todos los lunes desde 1971 en el Michael’s Pub en la Calle 55 de Nueva York hasta que cerró, y desde 1997 lo hace en el café del Hotel Carlyle en Manhattan.<br />Con su concierto en Santander el 4 de enero de 2008 terminaban las actuaciones de la New Orleans Jazz Band en España (Barcelona, La Coruña y San Sebastián), que formaban parte de una gira europea que les ha llevado a Bruselas, Luxemburgo, París, Budapest, Lisboa y Atenas. Era la primera vez que estaban en Santander. Con la Sala Argenta del Teatro de Festivales sin huecos, Woody Allen con su clarinete, instrumento que toca desde que tenía 15 años, estuvo acompañado por el pianista Conal Fowkes (que sustituía a la Cinthya Sayer que aparecía en algunas fotos promocionales), el joven contrabajo Gregory Cohen, el eficaz batería John Gill, el trompetista de origen australiano Simon Wettenhall y por Jerry Zigmont al trombón. Dirigiendo la banda, el orondo Eddy Davis con su banjo, que ha acompañado a Woody Allen en muchas veladas y conciertos desde los años 60. Una buena y veterana banda cuajada en la complicidad de muchos conciertos compartidos, que se centra en la interpretación del jazz más clásico y tradicional; una banda de músicos blancos que se acerca con el mayor respeto al sonido del jazz negro de Nueva Orleans.<br />Es cierto que la mayoría del público estábamos de antemano a favor y disfrutamos con el concierto que nos ofrecieron. Woody Allen fue uno más de la banda. Después de la primera pieza se deshizo del jersey y durante el concierto mantuvo su permanente, rítmico y nervioso movimiento del pie izquierdo. Él era quien marcaba en muchas ocasiones la entrada de la pieza a interpretar, aunque sea Eddy Davis el verdadero guionista de los conciertos.<br />Importaba escuchar un concierto del jazz más clásico, que fue interpretado de forma correcta y sincera incluidos los solos de Woody Allen y de otros integrantes de la banda, pero sobre todo importaba tener la oportunidad de ver y escuchar al actor/director/músico/escritor/dramaturgo/guionista lo más cerca posible, sin que existieran más concesiones que las protocolarias por parte de quien era el protagonista de la velada: un saludo educado en inglés al comienzo del concierto y la presentación de los músicos poco antes de la despedida con dos propinas.<br />El aire ragtime, el swing, el dixieland, el blues, las marchas callejeras, los temas de fiesta, es decir, el jazz más vinculado a la tradición de Nueva Orleans, y algunas piezas cantadas por miembros de la banda en la segunda parte del concierto, incluida una conga, Para Vigo me voy, interpretada por el pianista, integraron una sesión pensada para que el público disfrutara. Woody Allen y su New Orleans Jazz Band cumplieron más que satisfactoriamente con el objetivo como buenos profesionales. Era todo lo que se esperaba, o al menos, era todo lo que yo esperaba, y así se lo agradecimos con los mejores aplausos.<br /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;"><strong>Forense de las culpas, oráculo del dolor </strong></span><br /><br /><div align="justify"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;">Concierto de Diamanda Galás en el Palacio de Festivales de Cantabria</span><br /></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por LUIS AVÍN<br /></span></strong><br />Una justificación: para cuando estas líneas se hayan publicado, algunos (espero que muchos) de los lectores habrán pasado por esa experiencia transformadora que representa tratar con la Galás en vivo. Asumo pues que cualquier descripción o análisis de los que aquí presento resultará tibia y superficial por comparación con el torbellino sensorial que esta mujer-fenómeno desata desde el escenario. A sabiendas de ello, mi humilde aspiración no es otra que dar contexto a la peripecia vital y artística de Diamanda Galás, una montaña rusa sin medidas de seguridad que tras más de treinta años se acerca a su apogeo con el impresionante Guilty Guilty Guilty que vino a presentar este 11 de Abril en Santander.<br />Descubrí a Diamanda Galás durante el verano de 1982, devorando un artículo sobre sus perfomances en lo que entonces era, para mí y los de mi entorno, guía (espiritual) y referencia (estética y de consumo): el glorioso NME de Barney Hoskyns, Ian Penman, Biba Kopf, Paul Morley y demás bestias de la crítica musical de aquellos tiempos salvajes. Todavía recuerdo con un estremecimiento el día que, después de muchas peripecias y retrasos, puse las manos encima de una copia de The Litanies Of Satan (en el llorado sello Y Records de Dick O'Dell ) y pude pasar de la intriga al verdadero pasmo en cuestión de minutos: Meredith Monk, Xenakis o Gil J. Wolman estaban lejos del alcance de mi radar adolescente, y nada, repito, nada, me había preparado para enfrentarme a esta especie de Castafiore apocalíptica que retorcía (hasta limites previamente inéditos para mi imaginación) los sonidos de la garganta humana; ululando, gimiendo y trasmitiendo un tipo de dolor arcano, primal y a la vez, tan familiar para cualquiera que conozca algo de Historia; el sufrimiento de milenios y ese diálogo simbólico entre culpa y expiación, venganza divina y voluntad fratricida que la Galás parecía estar bombeando desde un pozo ceremonial, transmisora de un ansia potencialmente letal, pero purificadora como nada más en este mundo. La Serpenta cantó, y un cuarto de siglo después, los efectos perduran.<br />La emoción desnuda, visceral en el grito/lamento por las víctimas de genocidios y plagas, arbitrarias entonces y ahora... La laboriosa, autoflagelante canalización de las órdenes -que no súplicas- de los fallecidos desde las maldiciones inscritas en sus tumbas contra aquellos que las profanen... Dedicatorias que son catarsis, sortilegios sonoros contra la demencia y la pérdida de dignidad y autorespeto derivadas del SIDA y la depresión crónica... Consuelo, desbloqueo, terapia, dignidad: la tentación recurrente de hacer de Diamanda Galás un señuelo cultural granguiñolesco y pseudo-satánico de nuestra engreída civilización, su reducción a mero espectáculo explotatitivo de la pornografía emocional que permite, con igual desparpajo, reproducir un campo de exterminio a base de piezas de Lego, choca frontalmente con un discurso que trasciende ampliamente las trampas y juegos de ilusionismo asociados a la tramoya gótica, el decadentismo como fin, la transgresión “conveniente” de tantos y tantos especuladores manirrotos del shock treatment como fuente de -artísticas- ganancias. Y sí, Galás utiliza a menudo recursos escénicos de alto voltaje, interpretables como efectistas, es cierto, y los más cínicos seguirán cargando contra un cierto deje “pirotécnico” en su imagen pública y el gusto exhibicionista de algunas de sus apariciones más mediáticas, pero creo que eso, con todo, es la pura epidermis del personaje: con una integridad conceptual comercialmente suicida, el discurso artístico y la profundidad de miras de quien ha recurrido a textos de Baudelaire, el Libro de las Lamentaciones, Levítico, los Salmos, Nerval, Pasolini... y un cancionero que mezcla con asombrosa coherencia a Edith Piaf, James Carr, Johnny Cash, Timi Yuro, Hank Williams, Ornette Coleman, Screamin' Jay Hawkins, Sinatra, O.V. Wright... no está en discusión, y su apabullante, emocionalmente agotadora discografía esta ahí para atestiguarlo, título a título.<br />A sus 55 años, Diamanda Galás acaba de presentarnos una colección de love songs que inciden en la imposibilidad de un “final feliz” para las relaciones emocionales y el desastre al que está abocado el sentimiento amoroso humano, contándolo con los propios materiales con el que se ha construido el mito sociológico a lo largo de décadas de música autoconscientemente romántica. El mismo fatalismo descarnado que hablaba de enfermedad y dolor más allá de la muerte, buscando sin encontrar reparación algún tipo de liberador equilibrio o justicia, se aplica con precisión quirúrgica a este Culpable Culpable Culpable que consigue hacer un feroz exorcismo del fracaso sentimental, llevarlo al terreno más extremo que la Galás domina a la perfección, y devorarse, casi literalmente, unas canciones que rezuman abandono, celos patológicos, soledad (extrema) en compañía, remordimientos y deseo teñidos de neurosis homicida, como nadie antes había intentado, dentro o fuera del pop. Y eso tiene mucho, pero que mucho más valor que la previsible aureola de malditismo full-time (una especie de caricatura transilvánica, Cruella de Vil para los duros de oído) con la que demasiados críticos perezosos describen, satisfechos con sus clichés, a nuestra protagonista. </div><br /><div align="justify"></div><div align="justify"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;"></span></span></div><div align="justify"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">ARTE<br /></span><br /><strong><span style="font-size:130%;">Foconorte, más y mejor </span></strong></span></div><br /><div align="justify"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;">La posibilidad de un gran festival de fotografía y vídeo para Cantabria</span> </span></div><div align="justify"><br /><strong><span style="font-size:85%;">por LIDIA GIL<br /></span></strong><br />Gracias a un gran esfuerzo y mucha ilusión por parte de artistas, galeristas, centros y organizadores, Santander acogió los pasados meses de diciembre y enero la segunda edición del Festival de Fotografía y Vídeo Foconorte, con una importante acogida por parte del público, los medios de comunicación y los numerosos artistas de diferentes generaciones que han participado a nivel local, nacional e internacional, tanto en las numerosas exposiciones (una treintena) como los concursos llevados a cabo. Estos concursos han disfrutado de una afluencia masiva de artistas interesados de toda la geografía española así como de Argentina, México, Chile, Cuba, Uruguay, República Dominicana, Brasil, Colombia, Canadá, Suiza, Francia, Italia y Portugal: unos doscientos en el de Fotografía Digital del Ayuntamiento de Santander-Foconorte, medio centenar en el de Videoarte Ayuntamiento de Astillero-Almacén de las Artes y otros tanto en el premio On-line de Movilmetrajes Juvecant.<br />Es indudable que sacar adelante un proyecto de ese calibre con la seriedad que ello implica, conlleva un tremendo trabajo, máxime cuando las dotaciones económicas no son las suficientes. El salto cuantitativo y cualitativo de esta segunda edición ha sido tan importante que resulta pertinente reflexionar sobre lo interesante que podría resultar para nuestra región impulsar el festival de modo que alcance el nivel competente a nivel nacional –quizás un referente en la zona norte-, dotándole además de una idiosincrasia y características propias que a la vez lo hagan único y especialmente atractivo. Esto sería posible con la experiencia cosechada en las anteriores ediciones, la unión de todos los colectivos implicados y la ayuda cómplice de las instituciones que ya vienen apoyándolo además de las que se puedan sumar en el futuro. Es indudable que se puede convertir en unos de los eventos culturales más importantes para la región.<br />La fotografía es quizás una de las disciplinas artísticas contemporáneas más asequible a un público masivo. Es practicada por una gran parte de la sociedad, aunque sea para documentar viajes o momentos inolvidables. Quién no ha hecho sus pinitos en la fotografía artística y se ha sentido fotógrafo por unos instantes seleccionando un encuadre perfecto o martirizando a un eventual y sufriente modelo. El resultado final de la fotografía tomada nos devuelve a la realidad recordándonos que hacer una buena fotografía no es nada fácil y requiere mucho más que ilusión. En cualquier caso, además de servir a esta demanda popular que familiariza al público con el formato haciéndolo cercano, a través de la cámara y los procesos de creación fotográficos se articulan discursos artísticos, estéticos y filosóficos que reflexionan sobre nuestra sociedad convirtiéndose en un medio idóneo tanto para el disfrute estético como para cierta toma de conciencia. La comunicación entre artista y espectador puede ser más fluida y efectiva que en otras disciplinas quizás más áridas para un público no lego en el arte contemporáneo. La inclusión del formato de vídeo en el certamen, amplía la oferta y posibilita el conocimiento de una disciplina cuyo peso en la actualidad artística no deja de crecer.<br />En un espacio de dos meses, la mayor parte de las galerías de arte y centros expositivos de la ciudad y la región abrieron sus puertas a la complejidad de la imagen, ese espejo roto que nos interroga desde las falsas apariencias de una suerte de realidad que nadie sabe dónde está. El fotógrafo indaga con su arma blanca los sutiles nexos que existen entre la imagen y la memoria, la conciencia o el conocimiento para conseguir que la obra llegue al público, a sus ojos, a su intelecto, a su alma, y los modos de hacerlo son infinitos. A lo largo de esas citas consecutivas hemos podido comprobar las múltiples posibilidades de este medio y descubrir los móviles estéticos y conceptuales de un ingente número de creadores, generándose un clima crítico -en el sentido más creativo de la palabra- muy interesante para artistas, gestores y público, como germinador de buenos degustadores de arte y, quizás también, consumidores de arte.<br />El mes pasado se clausuraban las últimas exposiciones y es el tiempo de hacer balance y tomar nota de aciertos y errores, así como de plantear posibles propuestas que enriquezcan la siguiente edición. En la página web, que aporta con fluidez y eficacia toda la información necesaria sobre lo ocurrido -artistas expuestos, participación y resultados de los concursos y demás curiosidades-, se establecen los objetivos establecidos por el certamen: “convertirse en un punto de encuentro y un foro abierto a la participación activa, consolidar un espacio de diálogo y convivencia, ofrecer una plataforma para los nuevos artistas y difundir la imagen, dado el significativo protagonismo que la fotografía y el vídeo han adquirido en los últimos años”.<br />Sería muy deseable que Foconorte se convirtiera en un festival de todos y para todos, y que cada parte implicada, desde las instituciones al público, pasando por artistas y gestores, se comprometiera para hacer juntos un festival de mayor calidad y proyección.<br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">CINE<br /></span><br /><span style="font-size:130%;"><strong>El cine que nos viene</strong> </span></span></div><br /><div align="justify"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;">Tres propuestas cinematográficas para el próximo trimestre</span><br /></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por JAVIER COLLANTES</span></strong><br /><br />Estas tres propuestas pretenden favorecer la mirada y la atención hacia un cine más comprometido, hacia un cine que se apoya en la realidad, la emoción y la humanidad, sin desdeñar el arte y la creatividad.<br /><br /><span style="color:#333399;">La edad de la ignorancia</span><br /><br />Del director Denys Arcand se recuerda su planteamiento de estructuras narrativas diferentes, con respecto a temáticas, estilos y argumento. En este sentido se mostraron dos películas que marcaron una época a muchos niveles, sugiriendo una clase de cine más incisivo, contestatario, contundente: El declive del Imperio Americano y Las invasiones bárbaras.<br />En La edad de la ignorancia se relatan los sueños de un caballero con armadura, una estrella de la pantalla, un novelista de éxito. La realidad es bien distinta: él es un personaje gris, un marido y padre fracasado, cuyas ensoñaciones le sirven para resistir su cruda realidad y otorgar un mínimo sentido a su propia vida. Como una disección de la actual sociedad, así se nos plantea esta película con una enorme visión decepcionada y no exenta de humor, en la conjunción estilística y argumental de una notable comedia llena de sabiduría sobre los corsés sociales con un tono profundo en los conceptos de un sistema de vida injusto, castrante, y lleno de matices aparentemente dignificantes.<br />La edad de la ignorancia es un film a contracorriente de los límites establecidos, necesario para reírse de las miserias humanas y del control exhaustivo al ciudadano de a pie; pero también es una película que resulta divertida en sus críticas a un sistema que no funciona y que denota sus agujeros negros.<br />Bien rodada, se trata de un relato crítico y poco “funcional”, si por ello se entiende el cine atento a los beneficios de la taquilla. Una película llena de compromisos que, no obstante, no olvida el entretenimiento, apta para quienes aceptan el acto de la reflexión sin tener que morirse de aburrimiento en una sala de cine.<br /><br /><span style="color:#333399;">Mil años de oración</span><br /><br />Galardonada como mejor película con la Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián en 2007 y con la Concha de Plata al mejor actor, el director de Hong Kong Wayne Wang nos introduce en su peculiar tono de películas “especiales”, asentadas sobre unas frases lapidarías típicamente orientales no exentas de sabiduría y verdad. “Hacen falta trescientos años de oración para cruzar un río con alguien en una barca. Hacen falta mil años de oración para compartir una almohada con alguien”<br />Se trata de una forma de historia sencilla, humana, basada en un relato de Yiyun Li, que en un contexto minimalista cabalga entre el drama y el humor, con un argumento que describe la historia de un anciano chino que viaja a Estados Unidos para visitar a su hija divorciada; este encuentro, en el que aflora el problema de la comunicación entre Oriente y Occidente, se convierte en metáfora de la auténtica esencia de la vida. La película deja paso a la emotividad, los sentimientos, las relaciones familiares, todo en un contexto poético, cuajado de hermosas imágenes. Mil años de oración es una historia con una caligrafía cinematográfica casi perfecta, asentada en unos elementos técnicos, artísticos e interpretativos que son la síntesis excelente de una clase de cine: el cine de calidad y texturas pictóricas, de lugares y hechos creados sobre la fragilidad humana, de espacios que oscilan entre la culpabilidad y la comprensión o el perdón. Una espléndida película.<br /><br /><span style="color:#333399;">My blueberry nights</span><br /><br />Del director Wong Kar-Wai, nos llega un film sugestivo desde varios planteamientos. Basándose en las condiciones de road-movie o película de carretera, las intenciones del director se dirigen a un relato semiliterario sobre corazones rotos, en un viaje a la búsqueda casi espiritual del amor verdadero. Una película con muchos atractivos, entre los que se encuentran el debut cinematográfico de la cantante Norah Jones, la ambigüedad de Jude Law, el misterio de Rachel Weisz o la aparente inocencia de Natalie Portman. A este reparto se añade un relato compuesto de sensaciones nada algodonosas, que como una buena balada destila dolor, recomposición anímica y amor del bueno.<br />My blueberry nights cuenta con aspectos de estética visual muy propia de su director, más cerca del cine en el principio del directo Alan Rudolph que de la estética digital o videoclip al uso en sus múltiples variantes actuales. A su favor contiene aspectos de corte más independiente, bien filmado, en una historia de esperanza en los tenebrosos senderos del contrasentido de una despedida y del inicio de una nueva relación.<br />Se trata de una película más arriesgada de lo que aparenta, bajo los conductos de una historia intensa, directa, sin concesiones a la galería, donde su fotografía y su banda sonora contrastan con las directrices de las normas cinematográficas habituales, proyectándose hacía un espectador más abierto a desarrollos narrativos diferentes, resultando un equilibrio entre imagen, puesta en escena y fotografía de tono nocturno con un buen granulado en sus secuencias.<br /><br /><br /><span style="font-size:180%;color:#333399;">TEATRO </span></div><br /><div align="justify"><span style="font-size:130%;color:#333399;"><strong>La sombra de Heiner Müller </strong></span></div><div align="justify"><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;">Sobre la inspiración del montaje Barroco de Tomasz Pandur en el Palacio de Festivales de Cantabria</span><br /></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por FRANCISCO VALCARCE</span></strong><br /><br />Con objeto de diferenciar ciertos espectáculos que puedan incomodar a su público habitual, el Palacio de Festivales ha instaurado unas sesiones de noche para acoger esos trabajos alejados del gusto del -llamémosle- espectador de abono. Así, quizás, se pretendan evitar las huidas y protestas que protagonizó algún sector del, mayoritariamente conservador, público santanderino ante obras como La vida es sueño en versión de Calixto Bieito, Baraja del rey Don Pedro de Agustín García Calvo o el montaje de Animalario de Marat-Sade.<br />Tras Homebody/Kabul de Tony Kushner, la segunda cita de este ciclo tuvo como invitado al tan aclamado como polémico Tomasz Pandur que desembarcó en nuestro país con Infierno, su visión de la Divina Comedia de Dante Alighieri, provocando encendidos elogios entre seguidores fascinados por su provocadora y espectacular modernidad visual, y críticas exacerbadas por parte de quienes aprecian únicamente un esteticismo gratuito y vacío de contenido. En esta ocasión, el director esloveno se inspiró para su montaje Barroco en las obras Las amistades peligrosas de Choderlos de Laclos (popularizada en el cine por las películas de Stephen Frears y Milos Forman) y Cuarteto de Heiner Müller, dramaturgo alemán fallecido a finales de 1995 al que, sin duda, puede calificarse como una de las personalidades teatrales más importantes en las últimas décadas del siglo pasado. Doce años después de su muerte, su figura se agranda y, probablemente, aún no se ha valorado suficientemente la influencia que ejerce en un buen número de creadores escénicos y dramaturgos de la contemporaneidad, sobre los que proyecta su sombra alargada.<br />En un momento histórico en el que la obra dramática (la pieza literaria) dejó de funcionar como principio arquitectónico del espectáculo escénico, Heiner Müller se convirtió en el apóstol de la nueva escritura teatral al afrontar la creación de propuestas textuales fragmentarias, de carácter abierto, cargadas de significados, estímulos y dispositivos provocadores de conflictos. La lucidez de Müller, como autor que escribió para el teatro desde fuera del escenario, radicó en su estrategia de destrucción de lo convencionalmente llamado dramático en el marco de la propia literatura dramática. Tras una primera fase en que coqueteó con el realismo, bajo la evidente influencia de Bertolt Brecht, se planteó la necesidad de realizar una escritura escénica distinta que transmitiera la inquietud del mundo contemporáneo sin apelar a los recursos del modelo aristotélico (preponderancia de los elementos intelectuales) y del modelo épico (el distanciamiento). Decía Müller que “usar a Brecht sin criticarlo es traición”. El autor alemán deseaba que sus obras proyectasen sobre el público un material que no acaba de someterse a la forma: la implantación de la dramaturgia fragmentaria, la instauración del caos y el desasosiego. Exige así un esfuerzo para el lector/espectador al que deja la tarea de ordenar y configurar el discurso o, sino, condenarle a permanecer en el caos de las impresiones. Así lo escribió: “La fragmentación de un proceso acentúa su carácter procesual, obstaculiza la desaparición del acto de producción en el producto, la mercantilización, convierte el reflejo en campo de experimentación, abierto a la coproducción del público. No creo que una historia que tenga ‘pies y cabeza’ (la fábula en su sentido clásico) pueda hoy hacer justicia a la realidad”.<br />La incursión en el territorio del inconsciente, la indagación de procedimientos asociativos, la fragmentación violenta del discurso dramático o la evocación de imágenes en la zona de sombra, son síntomas de un desplazamiento hacia otros territorios teatrales que ya habían apuntado Beckett, Genet y Artaud, y en los que Müller profundiza de manera más radical vinculando su obra a un propósito eminentemente político; la imposibilidad de construir un nuevo orden justifica el anhelo de destrucción y de catástrofe: “la destrucción crea el espacio libre para el movimiento”.<br />Para alguien que dijo que “el teatro o es una proyección en la utopía o no es nada de particular” escribir teatro es, en realidad, escribir poesía dramática en donde encontramos una variada fluctuación de personajes y de las coordenadas espacio-temporales, una yuxtaposición de conflictos sin solución, una interpenetración de los diversos niveles de realidad y una potencia inusitada de imágenes y asociaciones icónicas y verbales. Esta brutal complejidad convierte en imposible una puesta en escena convencional de la mayor parte de sus obras, que sólo pueden ser abordadas desde su consideración como un material textual autónomo susceptible de ser utilizado en un proceso de composición y creación escénica. </div><div align="justify">A partir de Les liaisons dangereuses, novela que Choderlos de Laclos publicó en 1782, Müller escribió Cuarteto casi exactamente dos siglos después. En un espacio-tiempo constituido por un salón antes de la revolución francesa y un bunker tras la tercera guerra mundial, Valmont y Merteuil asumen también los papeles de Madame de Tourvel y de Cécile de Volanges. En lo que se refiera a la acción y ambientación, como en otras piezas del autor alemán (Hamletmaschine o Medeamaterial), no se trata de una adaptación moderna del original, sino de una reflexión desde la obra sobre nuestra propia contemporaneidad. Es la construcción de un paisaje lleno de espanto en donde podemos intuir a los célebres aristócratas paseándose entre nosotros como espectros de la historia.<br />El pesimismo utópico (extraña y discutible dualidad), fruto de sus contradicciones personales y las de su país (la R.D.A. que, a pesar de su disidencia, nunca quiso abandonar) es una de las características de la producción literaria de Müller, algo que, de alguna manera, queda patente en este poema –“Ayer en una tarde soleada”- donde recuerda a su mujer Inge (poeta de talento que se suicidó en 1966): Mientras atravesaba la muerta ciudad de Berlín/ recién llegado de un extranjero cualquiera/ sentí por primera vez la necesidad/ de desenterrar a mi mujer en su cementerio./ Dos paladas de tierra arrojé personalmente sobre ella/ y ver qué queda de ella/ huesos que nunca he visto/ sostener en la mano su calavera/ e imaginar cuál era su rostro/ tras las máscaras con las que atravesó/ la muerta ciudad de Berlín y otras ciudades/ cuando todavía estaba vestida con su carne./ No cedí a mi necesidad/ por miedo a la policía y al aplauso de mis amigos.<br /></div><br /><br /><div align="justify"><span style="font-size:130%;color:#333399;"><strong>Pièce bien faite </strong></span></div><div align="justify"><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Sobre el vodevil y <em>Hay que purgar a Totó</em><br /></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por ALBERTO IGLESIAS</span></strong><br /><br />En su esfuerzo continuado por soportar el peso del tiempo y no ser aplastado por emergentes formas de entretenimiento, y para seguir siendo imán del interés del público en los diferentes contextos políticos y sociales a los que la historia, ese dinamismo de las víctimas, nos somete con periodicidad, el teatro ha ido buscando armas nuevas, fórmulas de salvación, estrategias de ataque que le permitiesen ganar la batalla contra ese rubio mastín que duerme a las puertas de Dios, como escribió Dámaso refiriéndose al tiempo.<br />En el siglo XIX las gentes del teatro acuñan un nuevo concepto: pièce bien faite, que podríamos traducir por obra bien hecha o también obra de carpintería. De esta manera pasaron a denominarse un tipo de obras caracterizadas por una buena organización lógica de la acción. Entre los autores que construyeron sus textos con este espíritu encontramos a Sardou, Labiche, Feydeau e incluso Ibsen y en ella se basa la fortuna de los dramaturgos de bulevar, un teatro que, como define Pavis en su Diccionario del teatro, “se especializa en las comedias ligeras, escritas por autores de éxito para un público pequeño-burgués de gustos estéticos y políticos absolutamente tradicionales, que jamás resultan molestas ni originales”.<br />Los antecedentes de la pièce bien faite así como del Teatro de Bulevar lo encontramos en el Vaudeville (traducido textualmente: “antigua zarzuela, vodevil, sainete de enredo”), que tiene su origen en el siglo XV y que hasta el XVIII viene a ser un espectáculo en el que se dan cita la acrobacia, los números musicales y los monólogos de humor. En el siglo XIX, como ya hemos apuntado gracias, entre otros, a Feydeau, el vodevil se transforma en una comedia de intriga, una comedia ligera, sin pretensión intelectual: “El vodevil es a la vida real lo que el muñeco articulado es al hombre que camina, una exageración muy artificial de una cierta rigidez natural de las cosas”, escribe Bergson en 1899.<br />En el programa de mano de la obra Hay que purgar a Totó, encontramos una cita de su autor, Georges Feydeau: “¿Qué cómo me hice vodevilista? Muy simple. Por pereza pura y dura. ¿Cómo?, ¿le sorprende? Entonces se le está olvidando que la pereza es la madre milagrosa y fecunda del trabajo. Y digo milagrosa porque el padre es un completo desconocido”. Nos topamos, además, con una nota del director, Lavaudant, del que ya hablé en otro artículo a propósito de su trabajo como director del Play Strindberg de Friedrich Dürrenmatt, en la que apunta que “El verdadero protagonista de la velada es, por tanto, el lenguaje, al que Feydeau maneja como un pirotécnico escrupuloso”.<br />No voy a entrar aquí, pues no es el objetivo de este espacio, en el mayor o menor interés que pueda tener el hecho de montar hoy en nuestro país un vodevil francés de principios de siglo sobre un vendedor de orinales, su loca mujer y la estreñida criatura fruto de una antigua pasión matrimonial. El espectador que asistiera a la representación que hicieron en el Palacio de Festivales habrá sacado su propia y más que respetable conclusión. Sin embargo, sí me parece una tarea más edificante el investigar la evolución de este tipo de teatro. Para ello debo volver al imprescindible diccionario de Pavis, donde encontramos el siguiente peldaño en la escalera de nuestro artículo: “Autores de vodevil como Labiche, Feydeau o Courteline, o de dramas absurdos como Ionesco o Beckett perpetúan hoy la tradición de una comicidad del no-sentido”.<br />Comicidad del no sentido o Teatro del Absurdo. Como apunta Jan Kott, “El teatro de ayer siempre repite las interpretaciones del teatro de anteayer”. A los nombres de Beckett e Ionesco, podríamos añadir, para ser justos en la paternidad de este tipo de teatro, a Genet y a Adamov. Nuestros Mihura y Jardiel, también bebieron de esta fuente del vaudeville, de esta pirotecnia del lenguaje (“A mí me hubiera encantado que Lady Espert le hubiera dicho a Lavaudant y a Mario Gas: ‘Hagamos algo de Mihura. O de Jardiel. O de Carlos Llopis. O de Neville’”, escribió Marcos Ordóñez en su crítica de la obra de Feydeau).<br />Reconozco mi predilección por Ionesco. Una de mi obras favoritas, supongo que será por mi condición de dramaturgo, es La improvisación del alma. En ella, un escritor trata de llevar sus ideas al folio aleccionado por tres caballeros que le imponen cómo debe desarrollar su trabajo. El escritor, Ionesco se llama el personaje, se rebela y lucha contra estos tres Bartolomeos, doctos en las artes de la dramaturgia, y cuando, finalmente, está a punto de ser derrotado, es la criada la que, con su escoba se encarga de echar a la calle a estos tres huéspedes indeseables.<br />No todo dramaturgo cuenta con una aguerrida criada. Los más apenas pueden vivir de su oficio y los pocos que lo hacen estudian ese Teatro de Vodevil para romperse la espalda luego escribiendo guiones en series de televisión. No creo que hoy en día aquel que viva única y exclusivamente de su trabajo como dramaturgo pueda hacer suyas las palabras de Feydeau sobre la pereza. Vivimos en otros tiempos, en una época que impone sus formas y sus ritmos. Es posible que lleguemos a un Teatro del Despropósito (entiéndase dentro de un discurso “clásico”) en el que el público encuentre en el teatro una chispa que alumbre y de un mínimo sentido al caos, al despropósito, de su existencia.<br />Y todo ello con humor, eje principal de todo este discurso. El dramaturgo del absurdo se apoya en él como si de una tabla de salvación se tratara y él se encontrase a la deriva, único náufrago en el proceloso mar de su solitario devenir. Eso sí, al final de su vida alcanzan una cierta clarividencia y llegan a la conclusión, como en el caso de Adamov e Ionesco de que la vida no es absurda; es rematadamente complicada, pero no absurda... No sé qué me atemoriza más, si creer que lo que sucede tiene lógica o pensar que no la tiene. Quizás sea por eso que cuando uno ve en escena este tipo de obras se ríe menos de lo que lo hace cuando las lee.<br />Hoy en día somos muchos los que vemos en este tipo de teatro, en esta mezcla de humor negro y absurdo, de complacencia y mala leche, una vía de comunicación teatral directa con el público de nuestro tiempo; un público acostumbrado a casi todo, con necesidad de entretenerse y divertirse pero que no desdeña una buena y no agresiva reflexión sobre los vicios de la sociedad en que esta inmerso. Autores como el francés Guy Foissy o el argentino Daniel Dalmaroni son dignos hijos de estos padres. Y digo padres porque la madre es una absoluta desconocida, como bien podría haber añadido Feydeau.<br />En conclusión: la búsqueda jamás se interrumpe. Dramaturgos, directores y actores tratan de encontrar nuevas maneras de comunicarse con su público y, como cualquier persona, miramos hacia atrás para poder seguir hacia delante.<br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">DANZA<br /></span><br /><span style="font-size:130%;"><strong>En cuerpo y alma</strong> </span></span></div><br /><div align="justify"><span style="font-size:85%;color:#333399;">Reflexiones sobre ética y estética en la danza contemporánea<br /></span><br /><strong><span style="font-size:85%;">por MARÍA LUISA MARTÍN HORGA</span></strong><br /><br />La exitosa actuación en Santander, dentro de la programación del Palacio de Festivales de Cantabria, del Joven Ballet de Europa, compañía que sorprende por la extensa variedad morfológica de sus componentes, nos lleva a plantearnos la coherencia de las agrupaciones que, como primer requisito para seleccionar bailarines, les exigen medir determinados centímetros de altura o ni siquiera consideran para los papeles protagonistas a aquellas bailarinas que no estén por debajo de determinado peso.<br />Hace ya una década Maria Fay se preguntaba si Vaslav Nijinski u Olga Preobrajenska, de proporciones no muy estilizadas el primero, y con considerables defectos físicos la segunda, serían admitidos en nuestros días en alguna escuela de ballet del mundo. La respuesta parece bastante clara: NO. La danza perdería dos talentos excepcionales, dos personalidades únicas, en favor de rasgos físicos externos compartidos por una multitud de jóvenes de medidas idénticas y ¿perfectas?, obviando que el verdadero artista aporta algo más que un cuerpo ágil y esbelto, como tantos otros.<br />Los bailarines llegan a poseer una capacidad física igual o superior a la de los deportistas de élite, pero ésta no es suficiente para destacar en la danza. Dos cuerpos de tamaño y morfología muy similares y con un rendimiento físico y técnico muy parecido -equivalente extensión, elevación, y giro- pueden producir dos ejecuciones de nivel artístico muy diferente. El problema con la danza es que el bailarín es a la vez violín y violinista; por ello, los límites entre el instrumento, la ejecución y la creación no siempre están claros. La obra coreográfica, dado el carácter corporal y visual de la danza, sólo puede observarse por el espectador ligada al cuerpo del intérprete que la está ejecutando. En demasiadas ocasiones los coreógrafos y los directores de las compañías confunden a los bailarines con su obra y se consideran con derecho a intervenir sobre el cuerpo de estos artistas: una situación poco ética cuando afecta a su salud, máxime cuando puede conducir a personas jóvenes y sanas a una muerte prematura.<br />El culto al cuerpo de nuestra sociedad occidental se ha impuesto también en el ballet. Decía Ortega y Gasset: “El culto al cuerpo es eternamente síntoma de inspiración pueril, porque sólo es bello y ágil en la mocedad, mientras el culto al espíritu indica voluntad de envejecimiento, porque sólo llega a la plenitud cuando el cuerpo ha entrado en decadencia. (...) Hoy los chicos y las chicas se esfuerzan en prolongar su infancia y los mozos en retener y subrayar su juventud. No hay duda: entra Europa en una etapa de puerilidad”.<br />En algunas compañías, tanto bailarines como bailarinas, aunque conserven sus capacidades físicas, han de retirarse a una edad en la que se encuentran en plena madurez interpretativa. Por ejemplo, la estrella de la Ópera de París Elisabeth Platel tuvo obligatoriamente que retirarse al cumplir 40 años, edad tope en esta institución para las bailarinas -los hombres pueden permanecer activos hasta los 45 años-, a pesar del disgusto del público, más sabio, en este caso, que quienes no alcanzan a ver más allá de gimnásticas extensiones y tersas expresiones.<br />Igualmente desde hace algunos años está siendo muy discutida la concepción de belleza femenina de algunos coreógrafos y la presión que determinadas compañías de ballet ejercen sobre las bailarinas que no presentan una extremada delgadez. Gelsey Kirkland, en Bailando sobre mi tumba, comenta que Balanchine era conocido por comentarios como “no comas nada” o “tengo que ver los huesos”. La anorexia nerviosa, gravísima enfermedad psiquiátrica mortal en la décima parte de las afectadas, acabó, entre otras causas, con su carrera.<br />Por supuesto, ni justificamos a las bailarinas ancianas interpretando papeles de adolescentes ni aceptamos que una bailarina profesional pueda tener sobrepeso. La bailarina debe estar ágil y delgada pero, sobre todo, sana. Exactamente igual que el bailarín. La estilización enfermiza que algunas compañías o coreógrafos exigen a la bailarina -obsérvese que la presión es menor en el varón- no cumple ni una función artística ni una función de facilitación técnica. La bailarina, que según Mallarmé nunca fue mujer, es menos mujer ahora que nunca; al respecto basta comparar las fotografías de las estrellas de la danza actuales con las de hace 40 años. Las bailarinas están avocadas a convertirse en “artistas del hambre” kafkianas para poder llegar a ser “artistas de la danza”. No obstante, es bien cierto que un cuerpo proporcionado y con miembros y cuello largos contribuye de manera indiscutible a facilitar las líneas y diagonales básicas del ballet. Piénsese en la dificultad de conseguir un arabesque realmente hermoso en otras condiciones. El físico es importante tanto por razones técnicas como por razones estéticas, pero el ballet no puede ser patrimonio exclusivo de las jóvenes anoréxicas de raza blanca. Aunque el tema racial da para otro capítulo aparte.<br />Isadora Duncan, en La danza del futuro, arremete contra el ballet: “¡El ballet se condena a sí mismo al forzar la deformación de la belleza del cuerpo femenino! ¡Ninguna razón histórica ni coreográfica puede prevalecer sobre esto!”. No compartimos las negativas opiniones sobre la técnica de ballet que expresa en ese mismo texto, aunque sí es cierto que ésta no es aplicable, y ni tan siquiera recomendable, a todo tipo de cuerpos. El en dehors, principio sobre el que se fundamenta toda la danza académica, y que amplía las posibilidades de movimiento de las piernas al rotarlas externamente desde las caderas, exige algunas aptitudes anatómicas que no todas las personas poseen. Mejor no imaginar que diría Isadora en nuestros días, en que la mayoría de cuerpos NO SON APTOS, ¡y no por razones orgánicas!, para el ballet. Hoy las razones para desechar cuerpos -bailarines, artistas, personas- son pretendidamente estéticas, ¿o más bien antiestéticas? Aún recuerdo el enorme disgusto que me produjo una bailarina cadavérica destinada a ser lanzada por los aires de bailarín en bailarín, e incapaz de sostenerse por su propio pie, mucho menos girar o saltar con una mínima estabilidad y potencia: la mujer queda convertida, por obra y gracia del coreógrafo, en un ser dependiente y manipulable.<br />Los gustos estéticos cambian según las épocas. Resulta hilarante en nuestros días el comentario de Gautier sobre la bailarina del romanticismo Louise Fitzjames en una crítica aparecida en La Presse en 1837: “Siempre es desagradable condenar a una mujer por sus defectos físicos, y nos apena hablar de la triste realidad de la señorita Fitzjames. Somos bien conscientes que no es culpa suya no estar más gorda, pero la simple vista de tal falta de carne es muy dolorosa. No debiera nunca olvidarse que la principal cualidad requerida en una bailarina es la belleza. (...) Es esencial para una bailarina tener un cuerpo que, si no perfecto, sea al menos elegante. La señorita Fitzjames no tiene ni siquiera cuerpo. No tendría sustancia suficiente ni para los papeles de los fantasmas”.<br />La estética corporal es fundamental en el ballet porque la obra es indisociable del cuerpo que la interpreta y sin el que no la podemos percibir. No obstante, hemos de considerar que los gustos estéticos son producto de una convención cultural y, por tanto, cambiantes a lo largo de la historia. Además, la parte más importante de la anatomía de un bailarín es un cerebro que le permita convertir sus movimientos en algo más que en unos ejercicios físicos: en una obra de arte.<br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><strong><span style="font-size:180%;">FIAT LUX</span></strong></span></div><div align="justify"><strong><span style="font-size:78%;color:#ffffff;">.</span></strong></div><div align="justify"><span style="color:#333399;"><strong><span style="font-size:180%;"></span></strong></span></div><div align="justify"><span style="color:#333399;"><strong><span style="font-size:180%;"></div></span></strong></span><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230373946111458738" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkZCYTKYY_I4uiQdmjePXhOa6NoK-DVV2TRvNz49kE7ejaRD-pEZVl14oc89zm8GPJHsFC2QzVpgDUg-kXbqgCq4brCymVgWMJXQzAb_osIaizYR-H3C6fh-2LSe0CfeVuBd5IzQsK4_lR/s400/fiat+lux+(6).JPG" border="0" /><br /><strong><span style="font-size:130%;">Poemas,<br /></span></strong>por JAVIER F. RUBIO<br /><br /><span style="font-size:85%;">(Poemas inéditos)<br /></span><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">JAVIER F. RUBIO. Santander, 1966. Licenciado en Ciencias Sociales y de la Información, ejerce el periodismo desde hace veinte años. Colaborador deportivo de El País y corresponsal en Cantabria de El Mundo en su nacimiento. Ha sido redactor de El Diario Montañés durante diecinueve años y es, en la actualidad, redactor jefe de El Mundo Hoy en Cantabria. Ha colaborado asiduamente con agencias de noticia, diarios digitales, radio y televisión, así como con revistas culturales y de actualidad. Premio “Ana María Cagigal” de periodismo (2007). Ha ejercido como jurado en certámenes literarios.<br /></span><br /><br /><strong>CON SU FIERA DISTINCIÓN</strong><br /><br />adoro todo este silencio que te rodea<br />toda esta paz deletreada de un verso antiguo<br />cada célula que te recuerda a mí me pertenece<br />como tu hermoso cuello de alejandrina tristeza<br />quién fluye como tú y como tú se desvanece<br />con su fiera distinción?<br /><br />si estás tomando vino guárdame un sorbo<br />apareceré desnudo y con la sangre espesa<br />de los que arden mas nunca se consumen<br />nuestro dolor será nuestra verdad no dicha<br />ahora no digas nada y cruza mi piel<br />ven<br /><br />el cuchillo flota en el agua<br />mecido en oleaje de mármol<br />palabras negras en la boca<br />para los que dijeron amor<br />y lo perdieron<br /><br /><br /><strong>FIEBRE<br /></strong><br />la gran casa reverbera como una campana en la enfermedad<br />hasta el día parece haberse hastiado de mí y huido<br />la luz se ha quedado fuera y las ventanas bostezan<br />es posible que todo el mundo esté muy ocupado al otro lado<br />aunque sé que no es así por mi experiencia al otro lado<br />me orino oigo voces he visto a amigos que creía perdidos<br />como las llaves un paraguas o un bolso<br />es esta lejanía la que me los deja a los pies igual que pecios<br /><br />me he recluido aquí harto de pasear el cangrejo<br />mis manos mansas duermen a cada lado<br />como olas diminutas me ofrendan su mansedumbre<br />sobre el embozo de las sabanas que dulcemente pliegas<br />las mismas sábanas sobre las que nos amamos y pariste<br />otro calor otras miasmas las hacen ahora pegajosas<br />menos honrosas a lo que te debo más parecidas a mí<br /><br />es esta fiebre la que te llama en la noche no yo<br />es tu mano la que alza mi nuca y me da de beber<br />no aparto los ojos de ti mientras abrevo hasta el fin<br />el mismo sencillo vaso que tantas veces compartimos<br />y pienso que algo bueno habré hecho para que estés ahí<br />algo bueno debió ocurrir para esta ventura de tenerte<br /><br />y si sólo fuera por esto bienvenido sea lo que viene después<br />una buena muerte que esté a mi altura es lo que pido<br />será aquí entre estas cuatro paredes que aún guardan tu risa<br />con el cuco y las fotos viejas que no me quitan ojo de encima<br />entonces algo se te despertará dentro en la gran casa verdadera<br />y ya no te separarás de mi lado hasta cerrar mis ojos<br />pero aún hay tiempo de disfrutar de las cosas sencillas<br />como cuando te metes entre las sábanas y me cantas bajito<br />o cuando me lees poemas que te sabes de memoria<br />y que me recitas a cualquier hora del día o de la noche<br />porque mi respiración ya no te deja dormir<br />aunque a mí la tuya todavía me quite el sueño<br /><br /><br /><strong>LIMONES DEL JARDÍN DE SUMI</strong><br /><br />la noche viene con una pistola<br />a pisar el umbral de mi casa<br />mi casa que es un espacio de paz en donde nada asombra<br />en donde la realidad no me alcanza y la soledad es perfecta<br /><br />la noche me ofrece su perfil luterano<br />y pisa los finos cordones de filástica<br />que comunican mi casa con la tuya<br />a 400 kms las aguas del garona bajan encendidas<br />y en las riberas se miran árboles suicidas<br /><br />entró y la habitación se iluminó de tu ausencia<br />buscó tu sombra en mi hueco en mi palma<br />pero no te halló pues ésta no es tu casa<br />aunque hagas el amor como los hombres<br />y no engañes al río que corre y permanece<br /><br />estas naranjas amaron nuestra vida<br />estas espigas de lavanda que adoras<br />y te admiran no son como tú que<br />te vistes con la carne de los vivos<br /><br />deja que la noche me ponga la camisa<br />que alegre compraste aquel sábado<br />y vista lo que amas con tus colores<br />y deja que desenrosque los limones<br />que penden de tu jardín<br />y los desconecte<br /><br /><br /><strong>EL VINO DE LOS DÍAS</strong><br /><br />estos ojos que la tierra se habrá de comer<br />se llevarán consigo todo lo que vieron<br />tu amor que gesticula venido a menos<br />el temblor del cigarrillo como una copa alzada<br />mi mano comida a besos también se llevará<br />y los besos que picotearon en tu mano<br />-mano manchada de carmín que el tiempo sorbe-<br />son gusanos<br /><br />quisiera que alguien me enseñara a no quererte<br />porque a mí no se me ocurre nada<br />ya sé que no es momento ahora de monsergas<br />pero temo llevarme todo lo que mis ojos vieron<br />tu pequeño pecho de atabal cual caja de violín<br />la delicada arquitectura de tus blancos tendones<br />-trapecio para la eterna pirueta del dolor-<br />me acompañarán bajo tierra<br /><br />si lograra dejar allá arriba todo lo que yo vi<br />mis hijos que algún día habrán de amortajarme<br />lo harían cantando y no rodarían más lágrimas<br />tomaría mi copa de vino y cantaría con ellos<br />por los días y las horas que me hicieron de ti<br />cuando la muerte me vaya alejando de mí<br />-y se pudra toda esta ternura abandonada-<br />y las distancias sean doblemente largas<br /><br />de todo fui testigo y todo quedará atrás<br />cobijaré<br />toda mi vida en la cárcel de ámbar de este poema<br />que alguien meterá en el bolsillo por equivocación<br />o algún otro dejará olvidado encima de la nevera<br />y tanto lo uno como lo otro estará bien<br />-y nadie debería protestar por ello-<br />y arrope me darás para tan larga noche<br /><br />qué pena no haber tenido más de una vida<br />que dedicarte y no ser más que memoria<br />harto de sufrir me acuesto bajo la tierra<br />apago la dulce candela y me rindo<br />los brazos que otros brazos cogieron<br />-brazos que no quise saber nunca-<br />no<br />esos no me los llevo<br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><strong>El verano del pinganillo,<br /></strong>por JAVIER RODRÍGUEZ PÉREZ-RASILLA<br /><br />(Relato inédito)<br /><br /><br />JAVIER RODRÍGUEZ PÉREZ-RASILLA. Los Corrales de Buelna, 1967. Obra: Lavapiés ultramarinos (2004, Premio de Novela Casino de Mieres), Parrafada del pastor (2000), Los sabios (1999, en el vol. Idas y vueltas), Radiografía de un entierro (2003), Arena, agua y cemento (1997, I Premio de Cuentos Manuel Llano), Amigo de los apeaderos (1996, XV Premio Relato José Hierro).<br /></span><br />Pese a la gravedad del accidente, David Barrio, el excelente jugador de bolos, se recuperó con una facilidad pasmosa. A su regreso a la consciencia luego de dos días en coma parecía totalmente ido y temieron sus padres que jamás volviera a ser el mismo, pero los médicos afirmaron con rotundidad que todo iría mejorando en las semanas siguientes y que, en el plazo de muy pocos meses, quedaría de la tragedia tan sólo el recuerdo y la obligación de tomar alguna que otra pastilla.<br />Confortados por la opinión de los expertos, que se reafirmaron a diario en sus predicciones durante las dos semanas que el muchacho aún pasó en el hospital, los padres de David decidieron centrarse desde el traslado al hogar en su recuperación física, sin hacer caso a su extremada lentitud de respuesta, confiando en que con la fortaleza corporal iría llegando también la normalización mental. No es que David se hubiera quedado tonto, simplemente se despistaba en cualquier conversación, se alelaba con la vista fija en un punto indeterminado. Lo visitaban sus amigos en aquellos primeros días en casa y parecía no alegrarse de verlos ni interesarle mucho o poco las cosas que le contaban para animarlo y hacerle llevar mejor su inactividad. Sin embargo, pese al temor de sus padres a que no volviera a su ser, la opinión de los médicos se fue imponiendo, y pronto David, para sosiego de los suyos, fue retornando a su estado anterior.<br />Animado por la mejora tan apreciable de su hijo, Lolo, su padre, vio llegado el momento de retomar los entrenamientos. Si algo había extrañado sobremanera a familia y amigos durante el periodo de convalecencia, había sido sin duda el nulo afán mostrado por David de regresar a la bolera. “En cuanto vuelva a jugar a los bolos se le pasa la poca tontera que le queda”, había sentenciado su abuela, a medias para tranquilizar a su madre y a medias por convencimiento propio. Lo cierto es que David ni siquiera había hecho mención al juego, ni una referencia, y ese detalle, que había causado perplejidad a todo el mundo, tenía a Lolo, que presumía de conocerlo mejor que nadie, muy preocupado.<br />Por todo ello, esa primera mañana en que David bajó a la bolera los nervios consumían a sus padres, aunque por diferentes motivos. Flora suspiraba por que el regreso al juego le hiciera dar el último paso para ser el David de siempre, cumpliendo el vaticinio de la abuela; Lolo se comía las uñas por comprobar cuánto nivel bolístico había perdido el hijo, y le venía a la memoria sin poder evitarlo Casanova, un fino chaval de Lombera que no llegó a debutar en primera por culpa de un extraño accidente de bicicleta que le desgració la base del codo. Aunque meses después regresó al juego, jamás logró recuperar el temple exhibido antes de la caída y muy pronto optó por la retirada.<br />David, viene a cuento decirlo, había sido desde su más tierna infancia un niño tranquilo y poco hablador, que halló muy pronto su manera de decir aquí estoy yo en la bolera. Si a un hombre se le mide por sus actos, bien puede decirse que a David se le medía por sus tiradas, porque apenas se había dedicado a otra cosa desde muy pequeño. Por lo demás, nunca había dado grandes disgustos ni había tenido problemas con nadie. Los estudios, eso sí, nunca habían ido con él. Su madre se mataba con la razón, pero en privado asumía que David no había nacido para los libros.<br />Esa primera mañana –junto a casa, en la bolera que su padre se había empeñado en construir en la parte trasera de la casa a cuenta de la huerta, para no perder tiempo yendo hasta la del bar de Celis– tuvo que insistir muchísimo Lolo para que David se animara a tirar unas bolas, cuando jamás antes había sido perezoso para entrenarse, sino todo lo contrario, y de ello podía dar fe Flora, pues le costaba dios y ayuda sacarlo de allí cada tarde para que al menos abriera los manuales de tercer curso de formación profesional, rama mecánica. Lolo achacó la desgana del chico al hecho de estar aún convaleciente, un poco débil a pesar del mes ya transcurrido desde el percance. Le pareció muy sospechoso que David no reaccionara cuando, al indicarle que se fuera al tiro, el chaval lo miró como si realmente no estuviera entendiendo, con esa mirada extraviada que tanto les había preocupado y que había ido desapareciendo paulatinamente. Luego se tranquilizó bastante, porque David estuvo subiendo bolas desde catorce metros —no era cosa de forzar— con resultados que Lolo juzgó perfectamente normales tras la inactividad. Desde el birle, sin embargo, la cosa no mejoró en toda la mañana, y cualquiera se hubiera dado cuenta de que ocurría algo más que lo achacable al obligado parón: David, una vez tras otra, se quedaba quieto, mirando fijamente a la caja sin ni siquiera colocarse en posición para lanzar, erguido y sosteniendo la bola como si fuera una manzana o una hamletiana calavera. Apremiado por su padre, armaba apenas el brazo y elegía jugadas incomprensibles. Lolo, fingiendo a duras penas su congoja, se lo tomó medio a risa esa tarde, pero la risa dejó paso a una profunda consternación cuando el comportamiento de David se repitió sin diferencia alguna en los días siguientes; sin ayuda de su padre, sin que Lolo le marcara las jugadas e incluso lo colocara en posición, haciéndole doblar la cerviz o extender el brazo, David era incapaz de birlar adecuadamente. Desde el tiro no había apenas problema, porque el muchacho parecía encontrar cierto divertimento en arrearle al primer bolo de la calle de en medio, pero también es cierto que si el padre no estaba atento David podía cambiarle el efecto a la bola sin hacerle el más mínimo caso a la posición indicadora del emboque: es decir, que le daba lo mismo lanzar a la mano que al pulgar, concentrado únicamente en acertarle al primer bolo, sin tener en cuenta tampoco si se le había marcado raya alta, o al medio, o si se le había puesto, por ver cómo reaccionaba, un emboque muy fácil de sacar. La cuestión grave, no obstante, era el birle, porque David parecía dispuesto a convertirse en un manual viviente de todo lo que no se debe hacer: si había espacio para irse a la calle de fuera, David se empeñaba en buscar la del medio; si la distancia aconsejaba elevar algo la bola para que botara poco antes del bolo, la lanzaba a ras de suelo, tan lenta que para cuando llegaba a la caja llevaba tan poca fuerza que el contacto con el primer palo era suficiente para detenerla; si la bola le había quedado muy cerca de caja, ideal para practicar una siega y arramblar con cinco o seis como mínimo, David elegía indefectiblemente tres por la punta; todo esto, además, después de darle Lolo una voz para que espabilara, porque de no mediar orden sonora, el chaval se quedaba en la babia de los pastores. En resumen, y para no hacer el cuento largo: David Barrio, que había llevado a la modesta Peña Ibio hasta un impresionante segundo lugar en la última liga de primera categoría y era considerado por gran parte de la afición como una seria alternativa a la implacable hegemonía del gran Jesús Salmón, se había olvidado de jugar a los bolos. No había perdido sus facultades, iba además recuperando fuerza física de forma totalmente satisfactoria y los médicos, en cada visita marcada para seguir su evolución, les hablaban a los padres maravillas de su soberbia constitución, pero David ni entendía el juego ni le interesaba lo más mínimo. Si con los días había ido también mejorando su rapidez mental y se reía ya de buena gana con las bromas de los amigos que venían de visita y con sus series de televisión favoritas, en lo tocante a los bolos había quedado instalado en un estado muy próximo a la catatonia.<br />Lolo, ante esta tesitura, no dejó pasar quince días antes de encarar el problema. Escondiendo a todo el mundo su decisión, pues tenía por cierto que acudir a un psicólogo –pese a que las peñas más poderosas incluían ya sesiones con ellos para sus jugadores– era poco menos que una evidencia de locura, hizo de tripas corazón, se tragó su tradicionalismo y comenzó a llevar a David a un reputado profesional de la capital. Ni siquiera su madre supo en un principio la verdad, y quedó convencida de que miércoles y viernes el chiquillo acudía a un fisioterapeuta milagroso, capaz de recuperar el tono de cualquier masa muscular tumbada sobre su camilla. Los concursos de verano, en los que David debía confirmarse como el mejor jugador en individuales de la región, estaban al caer. Y hablando de bolo-palma montañés, decir campeón regional es decir campeón del mundo.<br />Poco pudo hacer el psicólogo. Ni siquiera consiguió definir el mal que aquejaba a David, porque el chaval demostró en todos los demás aspectos tener una cabeza totalmente normal, tirando a pobremente amueblada, pero normal. Lo cierto, lo único cierto es que se había olvidado de jugar a los bolos, y confirmó, tras un par de sesiones de ejercicios específicos dedicados al problema, que iba a ser incapaz de aprender de nuevo. El psicólogo habló de una extraña dolencia poco estudiada todavía, un cuento chino que a Lolo no le sirvió de nada, visto que el especialista tenía nombres para todo, pero no encontraba cura ninguna. David comprendía los rudimentos del juego, respondía correctamente a las insistentes preguntas que le hacía su padre cada día en la bolera, pero llegado el momento de decidir la jugada, se equivocaba siempre. Para desesperación de Lolo, el arranque de los torneos continuaba acercándose... Prejubilado de una fundición y jugador mediocre en su juventud, Lolo Barrio había encontrado en la carrera deportiva de su hijo un asidero, un sentido a la vida, y todo, incluso el tiempo de ocio de la familia, giraba en torno al mundo de los bolos y a la posición destacada que su único vástago ocupaba en el panorama bolístico antes de su desgraciado choque frontal contra un muro, culpa de una maldita mancha de aceite.<br />Decir que el asunto afectó a Lolo sería poco decir: estuvo a punto de costarle la salud. Ni comía ni dormía bien, y se desesperaba cada mañana con David, que no mostraba signo alguno de recuperación. En cuanto a pulso y brazo estaba ya estupendo, pero su padre seguía obligado a cantarle cada movimiento, cada postura. Lolo sabía que eso no sería en ningún modo posible al llegar la alta competición, no podría colocarse al lado de su hijo, como en la bolera de casa, para decirle qué debía hacer, y se devanaba los sesos buscando una solución. David, ajeno a preocupaciones, lamentaba tan sólo el vocerío desesperado de su padre exigiéndole que jugara como sabía. David no podía hacerle caso, porque había olvidado y no era capaz de reaprender, de retener las recomendaciones y enseñanzas no ya de un día para otro, sino de una bola para la siguiente. Además, habían dejado de interesarle los bolos. Ese desinterés era lo que carcomía a Lolo, la prueba última de que algo grave le ocurría al chiquillo: ¿cómo iban a haberle dejado de gustar los bolos, si antes de saber andar en bicicleta ya se quedaba bobo cada vez que lo llevaba a la bolera?, ¿cómo entender ese desapego si David era capaz, desde que las televisiones regionales retransmitían partidas un día sí y otro también, de renunciar a la tentadora playa para tragarse horas y horas de juego repantingado en el sofá? Ocurría algo, eso no se lo iba a quitar nadie a Lolo de la cabeza, pero mientras él estuviera vivo ninguna enfermedad o cosa parecida alejaría a su hijo del ambicioso sueño de convertirse en el nuevo Tete Rodríguez, ilusión que David tenía en mente a todas horas antes de perder el control del flamante monovolumen en aquella curva mal peraltada.<br />Fue a un mes de comenzar la temporada veraniega cuando Lolo creyó encontrar la solución. De nuevo sin consultar a Flora, con quien la relación se había agriado bastante por culpa de su diferente manera de enfocar el problema del muchacho, Lolo adquirió por Internet un equipo completo de comunicación, y la misma mañana en que lo recibió le instaló al chaval el pinganillo en la oreja, ya en la bolera, diciéndole estas palabras en voz baja y tono muy solemne:<br />–David, de momento no nos quedan más cojones que usar esto.<br />Así fue como padre e hijo comenzaron a jugar a medias, uno pensando, decidiendo, y el otro actuando como brazo ejecutor. Lolo, sospechando que le costaría un tiempo encontrar el lenguaje adecuado, lo suficientemente rápido y complejo como para transmitirle a David las instrucciones necesarias en escasos segundos, decidió saltarse las primeras citas y debutar de nuevo en La Rasilla, la señorial bolera de Los Corrales que mantuvo hasta su muerte en perfecto estado el mítico Adrián Solar, un corro difícil que siempre se le había dado muy bien al chico y donde la afición le otorgaba en cada visita grandes muestras de afecto. Las eliminatorias para San Juan comenzaban la última semana de mayo, aún no había terminado abril. Lolo decidió entregarse al reto con toda su alma; David, como para decidir ya estaba su padre, no decidió nada.<br />Como ya quedó apuntado, David, a excepción de ese extraño mal que le había hecho olvidar las claves del juego y le impedía aprenderlas de nuevo, se había recuperado a la perfección. Se manejaba con su humor afable de siempre y era de nuevo la compañía grata en su grupo de amigos, el colega fiable a quien se podía acudir con un plan o con un problema. Tan sólo ensombrecía su ánimo la urgencia paterna en la bolera, las voces perentorias y, ahora, desde la compra del equipo de transmisión, su cháchara constante, en la que mezclaba las indicaciones sobre el juego con alusiones al torneo de San Juan y a los siguientes envites, a la carrera bolística de David y a la menor capacidad de los demás competidores, a los que hacía alusión por sus nombres, comentando sus fallos o puntos flacos, con especial mención para Jesús Salmón, el gran jugador a quien su hijo debía destronar. David acababa loco los entrenamientos. Horas después de quitarse de la oreja el pinganillo aún le parecía seguir escuchando las órdenes de su padre y sus soliloquios mientras armaba los bolos que David derribaba sin pasión. El cariño fue, con total seguridad, lo que impidió al muchacho rebelarse y espetarle a Lolo que no estaba dispuesto a semejante tortura ni un día más. Pero el amor de un hijo por un padre supera en ocasiones cualquier límite, y David, que ya había dado el curso por perdido y tenía toda la jornada libre, a lo único que se negó, con el apoyo explícito de su madre, fue a entrenarse en la bolera mañana y tarde. Lolo tuvo que conformarse a regañadientes con las dos horas de trabajo matutinas.<br />Lo cierto es que el método parecía funcionar. Al menos allí, en la bolera de casa, sin presión de público ni contrarios, David se iba aproximando cada día más a sus registros de antaño. Lolo le daba instrucciones precisas, instrucciones, por otra parte, que cualquier buen aficionado a los bolos podría dar sin esfuerzo. Porque en los bolos, como en casi todas las disciplinas de la vida, lo difícil no es decir, sino hacer. Y para hacer estaba David allí, con su pulso casi inverosímil de siempre para el birle, con su tino desde el tiro ya famoso de Unquera a Castro, de los corros de Campoo a las boleras encastradas entre altos edificios de la urbana Santander.<br />Se fue acercando el día, y, en paralelo, aumentaron los nervios de Lolo, pero ya no por desconfianza en el juego de su hijo, sino porque se descubriera el secreto. Tenía por cierto que le iba a ser imposible esconder la estrategia; quizá un día consiguiera hacerlo, en una eliminatoria con pocos espectadores, pero llegadas las finales, con las boleras a rebosar y sin un sitio libre en las tribunas, ¿cómo evitar que vieran el pinganillo, aunque fuera minúsculo? No, se sabría más pronto que tarde. Por ello, Lolo fue elaborando la mentira que tenía pensado soltar a todo aquel que preguntara, porque la verdad no pensaba contársela a nadie, y tampoco David, a quien había aleccionado convenientemente, la haría pública.<br />–Ni a tu madre, ¿entiendes?, ni a tu madre. Esto solo lo podemos saber nosotros dos –le había repetido a su hijo en la soledad de los entrenamientos, hasta que David, algo tenso, le juró que no lo diría si él era capaz de no volver a repetírselo.<br />Porque a Lolo el otro aspecto del asunto, el hecho de que fuera aceptado o no el uso del pinganillo, le preocupaba menos. Confiaba en la capacidad del universo bolístico para asimilarlo. Él había sido testigo de la evolución del juego, su paso de ser el único entretenimiento de los pueblos de Cantabria y el oriente asturiano a convertirse en un deporte en mayúsculas, en el que tan importantes eran ya las palabras contrato, patrocinador o presupuesto, como las estrictamente deportivas. Él había asistido al cambio drástico en los jugadores más jóvenes: sus bíceps torneados en el gimnasio, sus complicados ejercicios de calentamiento previo, su renuncia a la ronda de vinos tras las partidas, su calzado deportivo de las mejores marcas, sus bebidas isotónicas, incluso sus milagrosos medicamentos; había visto como se transmutaba una práctica al aire libre, identificada con el buen tiempo, en una competición de casi ocho meses ininterrumpidos, gracias a la construcción acelerada de maravillosas instalaciones cubiertas, similares a pequeños estadios. Todo eso, unido a la presencia formidable en los canales regionales, a la creación e impulso de numerosas escuelas, al desembarco impensable años atrás de las féminas en los corros y a otros mil detalles más que hablaban de la camaleónica adaptación a los tiempos modernos del antaño alpargatero juego, le hacían a Lolo sospechar, en buena lógica, que habría menor o mayor polémica, la misma que podría darse en deportes multitudinarios como el fútbol, pero que nada grave ocurriría si ellos conseguían ocultar el fin secreto del equipo emisor-receptor.<br />Llegó, por fin, el día del retorno. Le correspondió a David emparejarse con un muchacho de Reinosa, Cuena, jugador muy por debajo de su nivel. Lolo le dio las últimas indicaciones de viva voz a su hijo, mientras el chico calentaba lanzando bolas desde el tiro, y se colocó en un lugar estratégico, junto al tablón y frente a la caja, para cubrir todos los ángulos. Había pocos aficionados, era un día de diario a las cuatro de la tarde, circunstancia que le resultó a Lolo muy de agradecer. David se comportó como su padre esperaba, y se fue hasta 127 con una bola queda que le hizo daño en el oído por el juramento que Lolo, nervioso perdido, dejó escapar en voz alta, sin tener en cuenta que el volumen estaba a la máxima potencia para que su hijo pudiera recibir en susurros las indicaciones. Quizá alguien advirtió que algo extraño sucedía, pudo un anciano de esos que parecen dormitar en las boleras fijarse en que Lolo no había dejado de hablar durante la hora larga que estuvo David en competición, pero nadie dijo nada. Padre e hijo se fueron a tomar un refresco al Casino Buelna, junto a la bolera, y Lolo se mostró sonriente y henchido de orgullo cuando dos admiradores le comentaron lo bien que se había recuperado el chaval y las ganas que había de verlo llegar muy lejos en el torneo.<br />De vuelta a casa, el padre no dejó de hablar sobre las siguientes citas, planificando sin desmayo. Ni a la hora de la cena interrumpió las alabanzas sobre el juego de David, de lo que estaba por venir y del canguelo que le iba a ir entrando a Jesús Salmón. David, que aún no se atrevía a coger el coche, llamó a un amigo para que lo acercara al bar-tienda de Bielva a pasar un rato. Su madre notó en la cena un aire extraño en su hijo, al que vio tan ensimismado como en los primeros días tras el accidente, y le animó a salir en contra de la opinión de su padre, que encontraba más sensato descansar, para estar en una forma óptima al día siguiente, nueva jornada eliminatoria.<br />Vayamos al meollo: en su vuelta a los corros David jugó mejor que nunca, y eso era mucho jugar. Se llevó de calle el concurso de San Juan en Los Corrales, al que no acudió Salmón por culpa de una tendinitis. Se llevó también el de San Pedro en Tezanos, pocos días después, y para entonces el mundo bolístico en pleno hablaba del famoso pinganillo. La pluma más brillante de la crónica especializada le dedicó al asunto un incisivo artículo, sin ninguna mala fe, pero dando a entender que quizá demasiada tecnología podría en un futuro hacerle un daño irreparable al deporte vernáculo. Ilustrando la columna, una foto mostraba la oreja de David adornada por el rabito casi invisible del pinganillo. Dio lugar el citado artículo a una polémica que se extendió a la radio y a la televisión, y expertos contertulios expresaron su parecer sobre el caso. Los hubo, como era de esperar, a favor y en contra, se enfrentaron resultadistas y puristas en ocasiones con encono, pero no llegó la sangre al río ni la Federación Cántabra de Bolos encontró en su reglamento epígrafe alguno del que echar mano para prohibir la utilización de equipos de escucha.<br />Como era de esperar, el uso del aparato le dio a David una celebridad no buscada. A sus partidas comenzó a acudir más gente que de costumbre, ya no aficionados, sino simples curiosos alertados por las imágenes de la tele y por las nuevas páginas en prensa que la innovación había ido mereciendo. Así fue visto el asunto, como una innovación, a lo que contribuyeron las idénticas declaraciones de padre e hijo al ser consultados al respecto, afirmando ambos que simplemente se trataba de una ayuda más buscando el máximo rendimiento. A nadie se le ocurrió ni por asomo que el motivo único de utilizar semejante sistema tuviera su origen en una incapacidad o carencia de David. Viéndolo jugar, ¡quién podía pensar semejante cosa!<br />Aquel verano del pinganillo, en el que David consiguió unos resultados excelentes, acabó con un tremendo enfrentamiento en La Cocina de Roiz, ya mediado septiembre, que más tarde recordarían viejos y jóvenes como una de las más bellas partidas presenciadas nunca en esa histórica bolera, pero, sobre todo, sería y es aún recordada por su abrupto y extraño final. Desde el inicio del último concurso, al que David y Jesús Salmón habían llegado prácticamente empatados, se vio que allí iba a dirimirse un terrible duelo entre dos jugadores en racha, que iban a exigir al oponente sudar sangre para llevarse el primer premio, consistente en cinco mil euros más trofeo. En la bolera, como es de suponer, no cabía un alma. No habían coincidido Salmón y David, por diferentes causas, en ningún concurso durante el verano, pero los dos llegaban con un palmarés que metía miedo: si Salmón había revalidado su título de campeón de España y se había llevado el Torneo del Millón más otros cuatro prestigiosos concursos, David había inscrito su nombre por primera vez como campeón regional y había conseguido otros tres concursos de similar prestigio a los de su contrincante. Había ganas terribles entre los aficionados de verlos por fin medirse mano a mano: el momento había llegado en la bolera del barrio de La Cocina, en Roiz.<br />Todo fue discurriendo esa tarde como salido de una novela de suspense. Llegaron a la final empatados, como hemos dicho, y empatados salieron de las primeras ocho manos. Si uno hacía veinte bolos, el otro los igualaba; si uno perdía una bola por caballo, como le ocurrió a David en la quinta tirada, el otro parecía despreciar esa ventaja añadida y quedaba una suya acto seguido, como hizo Salmón en su sexto turno, y por tocar fleje, cosa increíble en él. Tanteo: 125 por cabeza, que ya son bolos. Hubieron de jugarse por tanto dos chicos para decidir, y ahí se destacó David, que se había mostrado muy contundente y un punto agresivo toda la partida, y había incluso reaccionado airadamente, algo insólito en él, cuando un fotógrafo aficionado se le había acercado demasiado para tomarle una instantánea, justo por el lado del ya famoso pinganillo. Se llevó el primer chico y colocó el emboque a la mano, raya al medio, para el segundo. Hizo Salmón una primera tirada aceptable, 18, pero David, con un birle sensacional, se fue a 25. El lastre del –7 afectó a Salmón, que con otros diecisiete mandó a ganar a once, guarismo que el propio gesto abatido del campeonísimo al sentarse confirmó como muy escaso. Los murmullos de la bolera sentenciaron que David, salvo improbable desastre, tenía en la mano la victoria.<br />Subió su primera y arrastró tres bolos, subió su segunda y tumbó cuatro en medio del silencio que precede a los más épicos desenlaces. En esos momentos se detuvo, no se agachó a coger la tercera bola como hubiera sido lo habitual, sino que buscó con la vista a su padre y le hizo un gesto enérgico –colocando la palma de la mano en paralelo al suelo, a la altura de la cintura, y moviéndola varias veces de forma ostensible– que todo el mundo entendió como petición de silencio. Pero, ¡ay!, quién iba a hacer callar a Lolo si su hijo estaba a punto de ganar la partida del siglo.<br />David subió cuatro con la tercera bola, nada más caer los palos el aplauso incontenible del público acalló su grito, sólo oído por los más cercanos al tiro, que luego lo contaron a los cuatro vientos tergiversado o sin tergiversar. El caso es que alguien en quien confiamos bastante, de quien no tememos mentira ni apenas exageración, reprodujo para nosotros lo que entendió a David aquella tarde:<br />–A la mierda el pinganillo y tú, no vuelvo a tocar una bola en la puta vida.<br />Dicho esto, David se arrancó el cacharrito de la oreja, lo tiró al suelo y se abrió paso entre la gente para abandonar la bolera. Ni hizo su birle ni guardó sus bolas en la bolsa, ni recogió su premio ni tendió una mano caballerosa al perdedor. Se borró. Parece ser que un amigo, al verlo abandonar la bolera de manera precipitada, se fue a por el coche con muy buen criterio y lo acercó hasta casa.<br />David Barrio Menocal, David el del pinganillo, cumplió su promesa –al menos parece haberla cumplido hasta la fecha, van para cinco años ya– de no tocar una bola nunca más.<br />Su innovación, mejor dicho la de Lolo, se extendió como la pólvora, y ya es muy raro el jugador que no lleva pinganillo adosado a la oreja, mediante el cual su entrenador personal –no queda un solo jugador del top 50 que no cuente con los servicios de uno– le indica el mejor modo de aprovechar las bolas. El juego se ha tecnificado mucho, y no es raro que entre tiro y tiro haya largas conversaciones entrenador-jugador que a veces el árbitro, en aras del dinamismo y de las exigencias publicitarias, se ve obligado a cortar. Los asistentes a las partidas deben apagar sus móviles para evitar interferencias, y casos ha habido en que se ha llegado a pedir por megafonía a algún despistado portador de marcapasos el abandono del recinto, para no perjudicar la comunicación entre los entrenadores y sus pupilos. Representa también la implantación del entrenador personal una ocasión magnífica para que los jugadores retirados sigan aportando sus vastos conocimientos, y el volumen total de negocio del rubro bolos ha aumentado, merced a esta figura, de modo considerable.<br />El deporte cántabro por excelencia, que da muestras año tras año de su empuje y su vigencia, no ha olvidado a David, que tanto contribuyó, sin quererlo, a su definitivo traslado al siglo XXI. David el del pinganillo, mentado a menudo con afecto en las charlas de los aficionados, aparece junto a su padre –este en letra pequeña– en la numerosa bibliografía sobre bolos que ha ido apareciendo en los últimos años. Ninguna antología ha negado importancia al impulso modernizador derivado de la implantación del pinganillo. Su fotografía de aquel verano, un primer plano de la cabeza, de perfil, con el rabito del minúsculo audífono saliendo de su pabellón auditivo, es ya un clásico a la altura de la famosa instantánea del legendario Zurdo de Bielva en el trance de birlar, con la boina calada hasta las orejas. “Dos imágenes que condensan –declaró el Consejero de Cultura y Deporte del Gobierno regional en la inauguración de la exposición fotográfica Los bolos: pasado y presente– el ayer y el hoy de nuestro deporte, la manifestación lúdica más importante y auténtica de una región viva y con personalidad propia, el símbolo perfecto de nuestra querida tierruca”.<br />David emigró a Madrid poco después de su espantada en Roiz, como tantos otros jóvenes montañeses. No en busca de un futuro mejor, sino simple y llanamente a la caza de un trabajo. En la parte de atrás de la casa de Flora y Lolo, desde entonces, comenzó a crecer sobre la bolera una hierba como de campo silvestre.<br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><strong><span style="font-size:180%;">CIUDAD DE LEJOS </span></strong></span><br /><br /><strong><span style="font-size:180%;color:#333399;"></span></strong><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230375770412002594" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1zqAUAVFNT9b5EccfXHYft0RV93vYZ0bxu5hVIUrCIoEfFT_GMqVEJeyBb1BjryT27XjtLMnoqvCakmy3PGc1CFa0PnE1aYD8lx5EcSueNO50igG8WEgcnRp7ZD0GjS9t4uARj_hTchoF/s400/CIUDAD+DE+LEJOS+(4).JPG" border="0" /> <span style="color:#333399;"><strong><br /><div align="justify"></strong><strong><span style="font-size:130%;">Modigliani visita Madrid<br /></span></strong></span></div><strong><span style="font-size:85%;">por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA<br /></span></strong><br />El 3 de diciembre de 1917 la galerista Berthe Weill cruzaba, entre risas y también imprecaciones de los transeúntes, desde el 50 de la parisina Rue Taitbout hacia la comisaría de policía que se hallaba justo enfrente de su espacio de arte; Berthe Weill cruzaba la calle por indicación expresa del Comisario, y cruzaba con una mueca que oscilaba entre la sorpresa y la sonrisa. En el escaparate de Chez Berthe se exhibía un desnudo, salido de los pinceles de un artista italiano que en aquella muestra paladeó la única y efímera exposición individual que realizó en toda su vida. El Comisario instó a Berthe Weill a retirar inmediatamente el desnudo de la comunal contemplación y a someter al ostracismo al resto de desnudos que se albergaban en el interior de la galería, unos treinta entre lienzos, dibujos y grabados, so pena de su requisa forzosa. En la surrealista conversación entre los dos personajes, que recrea Klaus Honnef en El arte como negocio, se desliza la clave que causó el escándalo entre los viandantes de la Rue Taitbout: el vello púbico –más público de lo debido, al parecer– que exhibía sin complejos la dama del cuadro en cuestión. Aquella sombra oscura adormecida sobre la encendida piel de una mujer quebraba el ideal asexuado de la ebúrnea carne femenina. El vello impúdico era la conciencia de la mortalidad del mundo, el punto de fuga de una existencia apacible, el Maelstrom del que se emerge no más viejo pero sí más sabio.<br />Léopold Zborowski, marchante y poeta, fue quien impulsó la frustrada muestra de Modigliani en la galería de Berthe Weill, una galería en la que ya habían expuesto Matissse, Picasso o Derain. Weill, movida por la piedad hacia el entusiasta marchante y el artista empobrecido, acabó comprando por pocos francos a Zborowski cinco de aquellos desnudos anatematizados para su colección particular. Uno de ellos se vendió por más de 27 millones de dólares en 2003. Ahora pueden contemplarse todos los desnudos reunidos, amén de otros muchos cuadros de Modigliani, hasta el 18 de mayo, en la grandísima exhibición (grandísima por número de piezas y calidad de la concepción expositiva) que albergan el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid.<br />La exposición, que comprende la práctica totalidad de la obra de Modigliani desde su llegada a París en 1906 hasta su prematura muerte a los 35 años, aúna no sólo sus obras más representativas en pintura, escultura y dibujo, sino también las de artistas (maestros, pintores, amigos) directamente relacionados con su entorno artístico y vital. En particular, en el Museo Thyssen pueden encontrarse obras de Modigliani y sus maestros (Cézanne, Gauguin, Picasso, Munch…), con especialísima atención al retrato y al desnudo y con muestras de delicadas y bellísimas esculturas, en tanto que la Fundación Caja Madrid custodia obra (retratos, dibujos, paisajes) no sólo del Cisne de Livorno sino de sus amigos más próximos (Chaïm Soutine, Moïse Kisling, Tsugouharu Foujita… más interesantes que artísticamente importantes, por cierto), además de una sala dedicada a fotografías de Modigliani y sus allegados, en la que también puede uno asomarse a los lugares donde Amedeo trabajó y vivió. En definitiva, un festín para los sentidos y, sin duda alguna, una de las mejores y más completas e inteligentes exposiciones del año en España, que se complementa a la perfección con la edición de un excelente catálogo que no debe dejarse pasar.<br /><br /><strong><span style="font-size:130%;color:#333399;">Impresiones sobre el nuevo ARCO<br /></span><span style="font-size:85%;">por FERNANDO ZAMANILLO</span><br /></strong><br />Quiero dejar sobre la Feria unas notas tan breves como también breve fue mi visita a la edición de ARCO de este año. Notas muy generales y subjetivas basadas en impresiones rápidas, como ráfagas de viento.<br />En primer lugar, parto de la premisa de que una feria comercial de arte es un lugar de trabajo y no de mera visita. Un lugar donde trabajan primordialmente las galerías de arte y todas aquellas personas que se ocupan de las transacciones comerciales de obras de arte, sin olvidar o marginar a los artistas que asisten y que por sus pasillos pululan, pues sin ellos no existirían aquellas, coadyuvando además con su trabajo de mensajeros alados. Una feria de arte, en fin, es para galerías y galeristas, coleccionistas privados e institucionales, comisarios de exposiciones y conservadores de museos, críticos de arte y asesores de todo tipo. ¿Y el público aficionado y curioso? Esta es para mí la gran pregunta permanente, cuya contestación plantea difíciles y complejos recovecos mentales y matices varios. No cabe duda de que las ferias de arte, así como las ferias en general, se han convertido en espectáculos de masas, en parques temáticos, nutriéndose en buena medida las instituciones feriales de las visitas multitudinarias, tanto en sus arcas como en su ánimo vital, pues las estadísticas así lo insuflan y mandan. Pero tampoco cabe duda de que la masificación es una de las causas por las que las ferias de arte se convierten en intensamente aburridas, cansinas e incluso atroces. Como el excesivo e inflacionado afán comercial de vender sea como sea, hace que nuestra visión de las cosas, objetos, pinturas, esculturas, vídeos, instalaciones, etc., dadas en número inconmensurable, se bloquee, nuestras piernas flaqueen y nuestra resistencia caiga vencida antes de lo que desearíamos. Hoy en día las exposiciones de arte se han convertido en una industria cultural de alcance comercial impresionante, de modo que todo vale en ella para conseguir los fines crematísticos que se imponen a todos y a todo. El resultado es excesivo, las colas impresionantes, de horas, las visitas muy rápidas, la gente no mira y mucho menos contempla, y las industrias paralelas hacen su agosto, sean las agencias de viaje, sea la industria fotográfica, por poner solamente dos ejemplos. Y el síndrome del horror stendhaliano alcanza cotas de la mayor estupidez. El ridículo se palpa en el aire, las mentes embotadas nos hacen parecer autómatas desorientados.<br />ARCO ha estrenado este año dos nuevos pabellones, enormes y uno de ellos con dos plantas. Dos pabellones circulares y feos como un dolor y en algún espacio, como en la segunda planta, con tal exceso de stands que obligan a hacer una visita laberíntica y especialmente incómoda. Tanto es así que mi balance de ARCO se ha ido reduciendo con el paso de los días a un bello cuadro de un pintor español y a unas cajas de luz y unas fotografías de dos artistas rusos.<br /><br /><strong><span style="font-size:130%;color:#333399;">¿Maestros norteamericanos? en Bilbao<br /></span><span style="font-size:85%;">por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA</span><br /></strong><br />De modo extremadamente ambicioso se ha propuesto la última gran exposición del Museo Guggenheim Bilbao, que con el título de “Art in the USA” y durante casi siete meses ha estado dedicada, hasta el 27 de abril, a la pintura norteamericana desde el XVIII a la actualidad. En dos plantas y a lo largo de seis secciones cronológicas (Colonización y Rebelión, 1700-1830; Expansión y Fragmentación, 1830-1880; Cosmopolitismo y Nacionalismo, 1880-1915; Modernidad y Regionalismo, 1915-1945; Prosperidad y Desilusión, 1945-1980; y Multiculturalismo y Globalización, 1980-actualidad) se despliega una gran cantidad de obra, esencialmente pictórica, que pretende actuar como guía conceptual e histórica de los principales avatares de la Historia Norteamericana desde los prolegómenos de la Independencia de los Estados Unidos hasta nuestros días.<br />Cabe decir que “Art in the USA” posee la virtud de desmontar un tópico muy extendido respecto al arte norteamericano más o menos contemporáneo: y es que no todo son latas de Sopa Campbell o seductoras féminas protagonistas de escenas de cómic. Bien al contrario, la exposición incide con insistencia tal en los periodos iniciales que la curiosidad se satisface más que sobradamente y la paciencia termina por menoscabarse. Porque, en efecto, es más que notable el desequilibrio entre los fondos de las secciones primera y segunda, mientras que, por el contrario, los grandes pintores del XX apenas encuentran representación, y la que encuentran no es precisamente muy señera (pienso, por ejemplo, en los dos únicos Pollock recogidos en la muestra, uno de ellos minúsculo, por añadidura, y eso por no descender a enumerar otros autores de similar importancia). No sería esto malo si el exceso de atención prestado a los siglos iniciales se justificara por la presencia de un elevado número de obras maestras; en principio, la exhibición de un fondo exhaustivo y poco trillado puede deparar sorpresas agradabilísimas; desgraciadamente, y salvo honrosas excepciones, los lienzos de los siglos XVIII y XIX e incluso comienzos del XX carecen de interés en un gran porcentaje, poniendo de relieve que el reflejo norteamericano de las corrientes por entonces en boga en Europa (Impresionismo…) queda reducido a eso, a un mero reflejo que denota carencias e inseguridades técnicas. Por lo demás, incluso dentro de la época contemporánea, hay dictaduras selectivas: Liechtenstein o Rauschenberg fagocitan a enormes nombres cuya mayor y más efectiva presencia echamos en falta de modo escandaloso (De Kooning o Rothko, verbigracia).<br />Hay que apuntar también los pésimos contenidos de la audioguía. A diferencia de la espléndida exposición dedicada a Anselm Kiefer también en el Guggenheim el pasado año, con profusión de obras bellísimas y material complementario, en que la didáctica del audio constituía un apoyo importante y provechoso, en “Art in the USA” son muy pocas las obras de arte comentadas, y las que lo están adolecen de una precariedad sonrojante (los comentarios a la maravillosa obra de Twombly, Nueve discursos sobre Cómodo, constituyen una de las muestras más lamentables, pero desde luego no la única).<br />Por último, desde un punto de vista conceptual, hay que subrayar dos aspectos no desdeñables y que conviene conocer para enjuiciar la muestra en su justa medida: en primer lugar, la ausencia de autores fundamentales aunque no estrictamente norteamericanos, aun a pesar de haber desarrollado su vida artística en los Estados Unidos (me viene a la cabeza Duchamp de modo incontestable), junto a la ausencia de norteamericanos más o menos “incómodos” (Sol LeWitt, Joseph Cornell…); en segundo lugar, la visión prefabricada y en cierto modo idílica, Ad Maiorem Gloriam Patriae, que se obtiene de la contemplación de la muestra.<br /><br /><strong><span style="font-size:130%;color:#333399;">47 Semana de Música Religiosa de Cuenca<br /></span><span style="font-size:85%;">por ROBERTO BLANCO</span><br /><br /></strong>De variadísima, sugerente y atrevida puede clasificarse la programación que este año ha propuesta la Semana de Música Religiosa de Cuenca en su cuarenta y siete edición, con obras infrecuentes, obras clásicas y estrenos, y con una nómina de intérpretes de primera línea: Il Fondamento con Paul Dombrecht, L’Arpeggiatta, Tenebrae, la JONDE con Estellés, The English Baroque Soloists y el Monteverdi Choir con John Eliot Gardiner, y un largo etcétera.<br />Con la Rappresentatione di Anima e di Corpo de Emilio de Cavalieri (1550-1602), Christina Pluhar y L’Arpeggiatta nos mostraron una obra históricamente tan esencial como L’Orfeo de Monteverdi, con una interpretación y presentación impecables que embelesaron tanto a la vista como al intelecto. Pluhar consigue que la obra -considerada como la primera ópera y a la vez el primer oratorio de la historia de la música-, recupere su sideral modernidad privilegiando lo espectacular (el coro de almas condenadas), lo elegíaco (la sorprendente y melancólica sinfonia de la obertura) y la claridad del texto. Y aunque, pasados ya cinco siglos, el contenido teológico de la obra nos queda muy lejano, su belleza y el generoso esfuerzo de sus intérpretes consiguieron atrapar tanto al oyente neófito como al iniciado.<br />Uno de los estrenos de esta edición correspondió a Jorge Fernández Guerra, quien presentó su obra La esfera de Pascal con textos del “Paradiso” de La Divina Comedia de Dante, una reflexión musical sobre cómo se imagina su autor el paraíso. Completando la sesión se representó Die sieben Todsünden (Los siete Pecados Capitales) del tándem Kurt Weill y Bertolt Brecht: la historia de dos hermanas que viajan a través de siete ciudades norteamericanas durante siete años para alcanzar el éxito y conseguir dinero para que su familia compre una casa. Concebida artísticamente por Frederic Amat y servida por el coro de cámara Tenebrae y la Joven Orquesta Nacional de España bajo la batuta del José Luis Estellés, el montaje se plantea como una road movie coreografiada con profusión de imágenes y sombras chinescas que interactúan con la pantalla y el escenario. Musicalmente, la obra nos remite especialmente a Mahagonny y a La ópera de tres peniques, aunque también hallamos elementos que luego estarán presentes en Street Scene y que son tan característicos de Weill. La voz solista y el cuarteto vocal masculino se vieron magníficamente arropados por una JONDE excepcional dirigida por el inspirado Estellés.<br />Y de antológica puede calificarse la Johannes-Passion, BWV 245 de J.S. Bach que propuso J.E. Gardiner con el Monteverdi Choir y The English Baroque Soloists. Con todo en su lugar y perfecta proporción: la tensión dramática, los momentos de recogimiento, la desolación, todo reflejado en una sobrecogedora lectura caracterizada por el rigor histórico y la precisa austeridad. Orquesta, coro y solistas contribuyeron por igual al éxito de la velada: la orquesta conjuntada y exquisita en matices y timbres, el coro afinado y cautivador por la belleza, frescura y empaste de sus voces, los solistas (Mark Padmore, Dietrich Henschel) con un absoluto dominio del estilo y amplia calidad artística, todo integrado por la pasión por lo perfecto de Gardiner para servir una versión muy profunda y enormemente expresiva.<br /><br /><strong><span style="font-size:130%;"><span style="color:#333399;"><em>Così fan tutte</em> en el Euskalduna de Bilbao,<br /></span></span><span style="font-size:85%;">por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA</span><br /></strong><br />La fidelidad, las relaciones de pareja y la superficialidad de los sentimientos son los temas que con desenfado y diversión tratan Mozart y Da Ponte en su última colaboración operística, Così fan tutte, aunque mejor sería decir Así hacen todas y todos, pues nadie sale realmente bien parado en esta deliciosa comedia erótica y audazmente sexual que con sus pequeñas dosis de amargura y de pimienta no dejará nunca de divertirnos.<br />La producción polaca de la Ópera de Wroclaw que desembarcó en el Palacio Euskalduna está ambientada en la actualidad, con una escenografía en dos niveles que agiliza enormemente los cambios de decorado, y con algunos aciertos elogiables, como las imágenes del agua del primer acto reverberando en las pantallas laterales, o los árboles del segundo acto tendiendo sus retorcidas ramas sobre la mesa del banquete nupcial; otros elementos resultaron simpáticos, como el uso del karaoke o las gafas luminosas, y otros, en fin, fueron de gusto más dudoso y trazo más grueso: la segunda escena del primer acto con las damas ferraresas haciendo ejercicios gimnásticos en espera de sus amantes, o la consumación de la seducción de Fiordiligi por Ferrando ante los ojos vidriosos de Guglielmo, el amante oficial.<br />De la parte musical se encargó Eduardo López Banzo y su grupo Al Ayre Español que, tras una destemplada obertura de mal presagio, supo enderezar la nave orquestal de instrumentos originales llevándola a buen puerto, respirando con los cantantes y dando mayor libertad a los instrumentistas de una orquesta que ya se mantuvo siempre alerta, con el resultado de una velada mozartiana muy amena y provechosa.<br />Desde el escenario, la réplica la dio un sexteto de solistas muy homogéneo que demostró la compenetración y comprensión que se alcanza tras un buen número de representaciones. Soile Isokoski cantó un “Per pietà” magnífico y encarnó una Fiordiligi de coloratura, hermoso trazo vocal y expresión impecable, aunque no muy convincente en su caracterización actoral; justamente lo contrario que Laura Polverelli, quien compuso con acierto una picante y frívola Dorabella de elegante línea vocal. Sus amantes fueron el tenor Topi Lehtipuu como Ferrando y Frank Leguerinel como Guglielmo, ambos mejor en sus segundas arias, pero cuyo entusiasmo y entrega consiguió minimizar sus carencias. La tercera pareja la formaron Marta Ubieta con una Despina segura y convincente, y el gran Don Alfonso de Lorenzo Regazzo, de poderosa voz baritonil y acertada caracterización mediterránea, elegante y con buena expresión y fraseo.<br /><br /><br /><strong><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;">PUNTOS DE ENCUENTRO </span></span></strong><div align="justify"><strong><span style="font-size:78%;color:#ffffff;">.</span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="font-size:180%;color:#333399;"></span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="color:#333399;"><span style="font-size:180%;"></div></span></span></strong><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230374645874082818" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTnG9AGBbGuXBWKsof-6Lr7ki8jUuXFO9UXqjhSq8WFES_m6epZYTxEA7m0JMi3X2fPOuhb8jVTZVmqILekFAuRnbQWSjArfI-mqpOiIOkqARlUKARfXoctBf2UaihWGh0mQZJQSeo5QsR/s400/PUNTO+DE+ENCUENTRO.jpg" border="0" /><br /><span style="font-size:130%;color:#333399;">Secreta armonía del mundo<br /></span><br /><span style="font-size:85%;">texto ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA<br />fotografía JAVIER LAMELA<br /></span><br /><br /><span style="color:#333399;">HARMONIA MUNDI. Calle del Medio, 9. Santander.<br />Teléfono: 942229204. E-mail: santander@harmoniamundi.com<br /></span><br /><br />En una calle fresca y con estilo del antiguo Barrio del Arrabal santanderino, entre el tráfago de vivaces transeúntes, entre tiendas pequeñas y sin embargo coquetas, hay un espacio propicio para el oído y la conversación, recoleto y –extraño logro– cálidamente austero. Baldosas de terracota, piedra y color en las paredes, madera en vigas, anaqueles y mobiliario, y discos, miles de discos con portadas variadas y sugestivas, conforman el entorno con que Harmonia Mundi en Santander recibe al visitante. La poética del espacio de que hablara Bachelard se escribe aquí con la caligrafía de la música, con sones de tiempos y lugares diversos: flamenco, jazz, clásica, étnica; contemporánea, barroca, renacentista; cámara, vocal, orquestal; hay días, también, en que poner etiqueta se hace más complejo, y la música fluye insolente y sorpresiva. En Harmonia Mundi la presencia ineludible y constante de la música no estorba al silencio, a la sensación de calma que se respira entre los expositores atestados de cedés y dvdés, de novedades, de notificaciones de conciertos, de revistas de temática musical. En Harmonia Mundi se aprecia la conciencia de estar un poco fuera de la estruendosa realidad, o quizá más bien la conciencia de la banda sonora ideal que quisiéramos para nuestra vida cotidiana. Ese plácido sueño, esa ligerísima utopía se prolonga después, cuando se sale de la tienda con una bolsa blanca y negra que se abre con impaciencia ya en casa, para prolongar con la audición de los discos adquiridos la serena y satisfactoria sencillez de aquel espacio “arrabalero”.<br />Es probable que cuando el ya octogenario Bernard Coutaz fundó hace cincuenta años en París el sello discográfico Harmonia Mundi, dudando entre dedicarse a la edición de libros o de música, no imaginaba –a pesar de su extraordinaria intuición– que las “tiendas HM” (tres de ellas en España: Madrid, Gerona y Santander) generarían en el visitante un sentimiento semejante, en el que reside una parte importante de su éxito. Porque es cierto que a los intérpretes de primera línea, al cuidado manifiesto en las ediciones (casi siempre con alusiones a las artes plásticas, en detrimento de los retratos de divos más propios de otros sellos discográficos, por lo habitual de dudoso gusto), a la relativa especialización en el ámbito de la música antigua (sin desechar otros ámbitos, cada vez más amplios, dentro de la música contemporánea o de la peculiar etiqueta de “músicas del mundo”), a la constante incorporación de novedades, a la apuesta por intérpretes jóvenes… a todo ello se añade esa atmósfera especial que se respira en los espacios de venta, más orientados al disfrute que al negocio.<br />En Santander, Rocío Martín ejerce una hospitalidad generosa. Rocío habla de música, de conciertos, aconseja títulos o versiones, permite escuchar discos ante los que dudas y que finalmente, de modo indefectible, acabas por llevarte. No es infrecuente tampoco llevarse lo que ella misma está escuchando, esa parcela de armonía que comparte con quien cruza el umbral de la tienda, o algún disco casi robado a las cajas recién llegadas, que ofrecen tesoros tímidos, aún silenciosos, que no conocen todavía los estantes del local.<br />Los siniestros augures de la destrucción, que no faltan en apenas ningún campo, llevan tiempo predicando el fin: el fin de la historia, el fin de la novela, el fin del libro como objeto, el fin del disco; en definitiva, el fin del hombre y del placer. Pero el tacto agradecido de la música en el espíritu, en las manos, puede más que el exceso de tanta teleología amenazante. En ese territorio sosegado se gesta la armonía invencible y secreta del mundo, acompañada del rumor de unos pasos en la hierba y del planto inconsolable de una viola.<br /><br /><br /><div align="justify"><strong><span style="font-size:180%;color:#333399;">BREVERÍAS </span></strong></div><div align="justify"><strong><span style="font-size:78%;color:#ffffff;">.</span></strong></div><div align="justify"></div><div align="justify"><strong><span style="font-size:180%;color:#333399;"></div></span></strong><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5230376719334565586" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiKJSyjWXxcCdaT-oQZ4pe97OAMFvbUgZlu0smAufDlKg9i_T0MY1yxZ6rELVzNsX9cqes2_QytOE0LOAKyHY89wdLEz31DGMa1N771r6ltqlKDEGYxLEHfxm5CXq42Uujj4gGkPeK4G_o/s400/Breverias+(2).JPG" border="0" /><br />El dramaturgo Alberto Iglesias suma un nuevo premio a su trayectoria como autor al recibir en Extremadura el IV Premio de Textos Teatrales Raúl Moreno – FATEX 2007 por Como un caballo sediento amarrado a las puertas de un saloon (Tragicomedia en 3 actos). Iglesias, también actor (vinculado durante muchos años a la compañía cántabra La Machina Teatro) y director de escena, cuenta en su haber con otros premios: I Premio de Textos Teatrales Ricardo López Aranda, VI Premio de Teatro de Autor Domingo Pérez Minik, XX Premio Palencia de Teatro, III Premio de Teatro Serantes (ex aequo), Premio de la Escuela de Teatro y Danza de Extremadura… El pasado año, el jurado del Certamen Nacional de Teatro Garnacha de La Rioja otorgó también el máximo galardón de su novena edición a la obra ¡Nasdrovia, Chejov!, alumbrada por el autor cántabro a partir del universo del dramaturgo universal.<br /><br /><span style="color:#333399;">El realizador Daniel Sánchez Arévalo, que afronta en este 2008 su segundo largometraje –Gordos, protagonizada por Antonio de la Torre y Raúl Arévalo– tras el éxito cosechado con su Azuloscurocasinegro, que le reportó el Goya al Mejor Director Novel, ha recibido a comienzos de este año el Premio Guindilla 2008 que concede el público en el Panorama de Cortos del Festival “Actual 2008” de Logroño por su obra Traumalogía. El corto se gestó durante la asistencia de Arévalo a una boda, en que el cineasta comenzó a reflexionar sobre un acontecimiento donde “parece obligado sentir alegría”. El director se preguntó entonces qué podría pasar en semejante situación si tu padre está a punto de morir y saca a la luz todos los traumas y miserias familiares. En cuanto al rodaje de Gordos, efectuado parcialmente en Santander y que se encuentra en la tercera de las cinco fases previstas, se calcula que esté finalizado para el otoño de este año.<br /></span><br /><span style="color:#990000;">El cineasta Álvaro Oliva ha realizado una interesante y necesaria aportación contra la lacra de la violencia de género con su corto ¿Por qué no te pones en su piel? En el corto, de dos minutos de duración, intervienen los actores cántabros Víctor Lamadrid, María Hoz y Diana Ruiz. Oliva ha visto recientemente reconocida su labor dentro del cortometraje con su obra Foxy Lady, galardonada con el premio al mejor cortometraje realizado en video en la Muestra Nacional “Murcia Joven”. Para quienes no tuvieran ocasión de ver el corto en el mes de febrero, en que se exhibió en varias salas cinematográficas de la región, ¿Por qué no te pones en su piel? puede verse en esta dirección: </span><a href="http://www.alvarooliva.com/?p=415#more-415"><span style="color:#990000;">www.alvarooliva.com/?p=415#more-415</span></a><span style="color:#990000;"><br /></span><br /><span style="color:#006600;">Concebido como un espacio abierto y multidisciplinar, el proyecto “La nave espacial” acaba de nacer en Santander con la intención de dotar a la capital cántabra de un referente alternativo para el arte y la cultura. La iniciativa, impulsada por el artista cántabro Francisco Santibáñez, se desarrolla en una gran nave de dos plantas asentada en una finca de casi dos mil metros cuadrados en Monte. Este espacio albergará trabajos plásticos y audiovisuales, ensayos y programas escénicos, rodajes de cortometrajes, performances e instalaciones y actividades expositivas. Se puede contactar con la organización en </span><a href="mailto:lanaveespacial@yahoo.es"><span style="color:#006600;">lanaveespacial@yahoo.es</span></a><span style="color:#006600;"><br /></span><br /><span style="color:#996633;">La cineasta santanderina Aránzazu Gómez Bayón ha obtenido con el cortometraje Un hombre tranquilo –su tercer título como directora, aunque ha participado en numerosos proyectos como guionista– uno de los premios del Festival de Cine de Mujeres de Créteil, cita que se celebra en los aledaños de París. Gómez Bayón obtuvo el galardón Canal+ del Festival, que cumplió su trigésima edición y en el que participaron una treintena de cortometrajes, de los que tres eran españoles. Producida por Rafael Nieto, la cinta está interpretada por Áureo Gómez, Patricia Cercas y Cristina Lanza. En ella, guiado por la voz de Estrella, el espectador se embarca en un viaje a través de los episodios de una familia colorida y excitante, celebrando la vida, los rituales y la cultura española. Gómez Bayón se licenció en Dirección de Cine en el Reino Unido en el prestigioso London College of Printing.<br /></span><br />José Miguel Llata, integrante de la Camerana Coral de Santander, ha acometido una iniciativa empresarial dedicada al mundo de la música. Musicantes es una empresa fundada para la promoción de artistas españoles o residentes en España que hacen música de cámara de pequeño formato con programas en los que se busca la emoción y la originalidad. A pesar de ser músicos <span style="color:#000000;">reconocidos por su trayectoria profesional, prefieren estar representados por una empresa de corte más intimista y trabajar la calidad musical por encima de otras consideraciones. En la web de Musicantes se pueden escuchar fragmentos de los artistas representados. Su dirección: </span><a href="http://www.musicantes.es/"><span style="color:#000000;">www.musicantes.es</span></a>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-65142106248525539312008-01-20T06:34:00.000-08:002008-12-11T01:14:25.817-08:00QVORVM 3 - Sumario y Créditos<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgliDxjEYQWKedMwcemmWWNKUMc_bkxAyP8wKAfEDmYVgLUD0645e_xhqbekWxFXSjfcEmefKnHcwcc4kEGaqBtqvIyoPiWCoJNL2IMy988s4MFuruGPtvYB2fE1EbnAG3KzKdKqBFRlCQs/s1600-h/Portada+Qvorum.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157570314804440498" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgliDxjEYQWKedMwcemmWWNKUMc_bkxAyP8wKAfEDmYVgLUD0645e_xhqbekWxFXSjfcEmefKnHcwcc4kEGaqBtqvIyoPiWCoJNL2IMy988s4MFuruGPtvYB2fE1EbnAG3KzKdKqBFRlCQs/s400/Portada+Qvorum.jpg" border="0" /></a><br /><div><span style="color:#333399;"><strong>SUMARIO</strong></span></div><br /><div><span style="color:#333399;"></span></div><div><span style="color:#333399;">EL PERSONAJE<br /></span>Encuentro con Lindsay Kemp, por Guillermo Balbona. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/entrevista-con-lindsay-kemp.html">leer</a>]<br /><br /><span style="color:#333399;">AQUÍ Y AHORA</span><br /><em>Santander en la Web 2.0: Patrimonio bibliográfico y propuestas</em>, por Javier Menéndez Llamazares. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/santander-en-la-web-20-patrimonio.html">leer</a>]<br /><em>Escenografía: ¿para o contra la ópera?,</em> por Roberto Blanco. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/escenografa-para-o-contra-la-pera.html">leer</a>]<br /><em>Aquiles y su escudero</em>, por Javier Fernández Rubio. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/aquiles-y-su-escudero.html">leer</a>]<br /><em>José Hierro: cinco años de ¿memoria?,</em> por Ana Rodríguez de La Robla. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/cinco-aos-de-memoria.html">leer</a>]<br /><br /><span style="color:#333399;">HORA CRÍTICA</span><br /><strong>Literatura<br /></strong>Reseñas de libros, por Fernando Abascal, Mario Crespo, Regino Mateo, Jesús Alberto Pérez-Castaños, Francisco Llanillo y Fernando Llorente. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/reseas-sobre-narrativa.html">leer narrativa</a>, <a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/reseas-sobre-poesa.html">leer poesía</a>, <a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/reseas-sobre-estudios.html">leer estudios</a>]<br /><br /><strong>Música<br /></strong>Reseña de discos, por Darío Fernández y David Bustamante Alonso. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/repertorio-sacro.html">leer DF</a>, <a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/el-estilo-de-marlango.html">leer DB</a>]<br /><em>Música fresca: jóvenes intérpretes en la Fundación Botín</em>, por Regino Mateo. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/msica-fresca.html">leer</a>]<br /><em>Marlango, elegancia sonora y visual</em>, por José María Gutiérrez. [l<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/elegancia-sonora-y-visual.html">eer</a>]<br /><br /><strong>Arte<br /></strong><em>El Puente de la Visión 2007</em>, por Lidia Gil. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/el-puente-de-la-visin-2007.html">leer</a>]<br /><em>Vanity Fair?</em>, por Fernando Zamanillo. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/vanity-fair.html">leer</a>]<br /><br /><strong>Cine<br /></strong><em>El cine que nos viene: seis propuestas cinematográficas para el próximo trimestre</em>, por Javier Collantes. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/el-cine-que-nos-viene.html">leer</a>]<br /><br /><strong>Teatro</strong><br /><em>El chico de la carnicería</em>, por Francisco Valcarce. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/el-chico-de-la-carnicera.html">leer</a>]<br /><em>El docente</em>, por Alberto Iglesias. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/el-docente.html">leer</a>]<br /><br /><strong>Danza</strong><br /><em>En danza con las paradojas</em>, por María Luisa Martín-Horga. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/en-danza-con-las-paradojas.html">leer</a>]<br /><br /><span style="color:#333399;">FIAT LUX</span><br />Creación. Inéditos:<br /><em>El pasajero del sueño</em>, por Ángel Sopeña. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/el-pasajero-del-sueo-poemas-del-libro.html">leer</a>]<br /><em>Crisis de fe</em>, por Marc Rodríguez Soto. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/crisis-de-fe-relato-indito.html">leer</a>]<br /><br /><span style="color:#333399;">CIUDAD DE LEJOS</span><br /><em>La sombra del mar</em>, por José María Guelbenzu. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/la-sombra-del-mar.html">leer</a>]<br /><br /><span style="color:#333399;">PUNTOS DE ENCUENTRO<br /></span><em>Sentido y sensibilidad</em>, por Ana Rodríguez de La Robla. [<a href="http://revistaqvorvm.blogspot.com/2008/01/sentido-y-sensibilidad.html">leer</a>]</div><br /><div></div><br /><div align="justify"><br /><span style="color:#333399;">Dirección y coordinación: Ana Rodríguez de La Robla<br /><br />Autores y colaboradores: Alberto Iglesias, Ana Rodríguez de La Robla, Ángel Sopeña, Antonio Limeres, Darío Fernández, David Bustamante Alonso, Fernando Abascal, Fernando Llorente, Fernando Zamanillo, Francisco Llanillo, Francisco Valcarce, Guillermo Balbona, Javier Collantes, Javier Fernández Rubio, Javier Lamela, Javier Menéndez Llamazares, José María Guelbenzu, José María Gutiérrez, Jesús Alberto Pérez-Castaños, Lidia Gil, Lindsay Kemp, Marc Rodríguez Soto, María Luisa Martín Horga, Mario Crespo, Pablo Hojas, Regino Mateo, Roberto Blanco.<br /><br />Fotografía revista: Pablo Hojas (portada y cabeceras de secciones).<br /><br />Edita: Ayuntamiento de Santander.<br /><br />Contacto: </span><a href="mailto:REVISTA.QVORVM@terra.es"><span style="color:#333399;">REVISTA.QVORVM@terra.es</span></a><br /><span style="color:#333399;"><br />Textos e imágenes propiedad de sus autores. Reservados todos los derechos de reproducción sin mediar la citación correspondiente.<br /><br />Los colaboradores de <em>QVORVM</em> hacen suyo el adagio romano <em>cuique suum</em>, de manera que se manifiestan enteramente responsables de sus propias opiniones, excluyéndose así que esta revista se haga cargo por ellos de las ideas vertidas en sus textos.</span> </div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-66037949141162786102008-01-20T06:26:00.000-08:002008-12-11T01:14:26.001-08:00EL PERSONAJE<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEfOh9gSmVpC7zzdF5le-S_Jsc3oL7K8Iv91cEuZZC47MpYbh3tavf2eh-w-AsvtpY-ld3hup0PQWycL04zwVRFz6wxHbMNq8njLZ89CAwvZ2zS40K7QjzT31KDNoOxBOZmJWeKRUuFfjo/s1600-h/el+personaje.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157565405656821154" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEfOh9gSmVpC7zzdF5le-S_Jsc3oL7K8Iv91cEuZZC47MpYbh3tavf2eh-w-AsvtpY-ld3hup0PQWycL04zwVRFz6wxHbMNq8njLZ89CAwvZ2zS40K7QjzT31KDNoOxBOZmJWeKRUuFfjo/s400/el+personaje.JPG" border="0" /></a><br /><div></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-14531958497511465722008-01-20T06:13:00.000-08:002008-12-11T01:14:26.106-08:00ENTREVISTA CON LINDSAY KEMP<div align="justify"><span style="font-size:180%;color:#333399;">“Es más importante la vida de un hombre que sus sueños de papel”</span></div><span style="color:#ffffff;">. </span><br /><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157562815791541650" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5ePTYviboZPec5E4aNlnIbe60WQnJJFfhe80COcNkMdMQE9Wg4NBffqtOocegRWK9ydg4iVnqUu5KwHCczKtmW1zKoG7qCd1cFwf-eAfzhpH4FCgzmpKUQe0cD5J4QlYJnhkbXXxyNt3c/s400/Lindsay+Kemp.jpg" border="0" /><br /><div align="justify"><strong>texto GUILLERMO BALBONA<br />fotografía JAVIER LAMELA<br /></strong><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Es un hombre intoxicado de sueños que genera oportunidades para encontrar la belleza. Dotado de esa energía que sólo se desprende de las criaturas que poseen un vínculo secreto con la creación, Lindsay Kemp vuelve a habitar el mundo de la escena con sus obsesiones y recuerdos para ilustrar su imaginario seductor y cómplice, plasmado en los laberintos de la ópera <em>Los cuentos de Hoffman</em>, de Jacques Offenbach. El director de escena, coreógrafo y actor británico, uno de esos escasos ejemplos renacentistas que sobreviven en los escenarios europeos, ha destinado su concepción teatral al servicio de un libreto de hace más de siglo y cuarto, inspirado en tres relatos del poeta alemán E.T.A. Hoffmann que propiciaron toda una “epifanía creativa”. Con esta ópera, Kemp vuelve al territorio iniciático de su infancia y adolescencia, para transformar un descubrimiento y un sueño en un mosaico escenográfico. Su origen: la película de Michael Powell y Emeri Pressburger que en 1951 cuando era un niño, acompañado de su madre, vio en el cine causándole una honda impresión. Una nueva visión de la obra maestra de todo el repertorio francés, la ópera de Jacques Offenbach, que supone para este artista total un contenedor de sueños, una representación visual, un paseo por el eterno femenino de la mano de un hombre que cae en las tentaciones con inocencia de adolescente. Kemp, acompañado por su inseparable colaborador en la dirección escénica, David Haughton, se confiesa, ante todo y por encima de todas las etiquetas que han quedado ligadas a su carrera, un poeta.<br />Este verano arrancó la coproducción del Festival de Peralada, la Quincena Musical de San Sebastián y el Palacio de Festivales de Santander, que recientemente acogió el montaje. Lindsay Kemp, que ha hecho del teatro santanderino uno de sus refugios creativos preferidos, casi fetiche, ha regresado con su inagotable pasión para trazar una huella más de inspiración y libertad imaginativa. En su regreso a la capital cántabra, esta personalidad de gesto y ritual, de permanente vocación creativa y transgresora, confesó su inquietud por esa búsqueda gratuita de originalidad que lleva a traicionar determinadas esencias sencillas, allí donde reside la magia y la poesía. </span></div><div align="justify"><span style="font-size:85%;color:#ffffff;">.</span></div><div align="justify"></div><div align="justify"></div><p align="justify">¿Cómo y qué ha buscado en la teatralidad de <em>Los cuentos de Hoffman</em>?<br /><span style="color:#333399;">El contenido de esta puesta en escena lo puedo contar desde una querencia y vinculación claramente personales, es decir, es una ópera ligada a mi descubrimiento del mundo del arte cuando yo era un niño. Mi madre me llevó a ver el filme de Powell y Pressburger y eso supuso una experiencia reveladora. Y ahora al trasladara a la escena se ha convertido en un sueño hecho realidad. De hecho, en aquella visión se produjo un doble descubrimiento: la materia específica de los cuentos de Hoffman y su mundo particular como escritor; pero, a su vez, la gran película constituyó su encuentro inicial, revelador con el mundo de la ópera. Desde muy pequeño amaba el mundo de la danza, el baile, la pintura, pero aquella visión supuso el impacto de la ópera, un momento muy especial que se ha quedado ahí esperando hasta hacerlo posible ahora gracias al Palacio de Festivales. Un momento culminante donde he logrado aglutinar ese mundo de fantasía, intentado superar antiguas formas y aportando magia a través del baile. La película está habitada por grandes intérpretes y los medios visuales que proporciona el cine, pero ahora la puesta en escena se ha traducido desde la búsqueda de medios y lenguajes específicos para la escena. No se trata del resultado de una obsesión por la película, sino de un homenaje y una evocación. Hay momentos donde se imita o se copia un traje o un gesto, pero son muchos otros los que parte de la originalidad surge de la búsqueda de otras visiones. Está claro que mi referente ha sido la película de los años 50, pero aquí he introducido el mundo del escritor y el mío. En este sentido, mucho de lo que he incluido es mera invención de textos y situaciones. De aquello me quedó esa huella infantil que debe preservar todo artista. Hay una especie de entusiasmo infantil por estos cuentos fantásticos y mundos exageradamente recargados, llenos de locura.<br /></span><br />Sus montajes siempre suelen tener como origen un recuerdo de infancia…<br /><span style="color:#333399;">Absolutamente cierto y pleno. Tiene razón porque en el proceso de creación de todas mis obras se puede rastrear algo que nace en mí conectado con la infancia. Es como el vino con el paso del tiempo. Que todas las emociones de la infancia van madurando hasta controlar el momento en que se pueden plasmar como sucedió en <em>Butterfly</em>, en <em>Elizabeth</em>… Se entiende esa subjetividad cómplice del momento a través de una conexión con la infancia.<br /></span><br />Palabras como sueños y belleza siguen siendo claves de su imaginario particular de construcción escénica.<br /><span style="color:#333399;">Como siempre cuando afronto la dirección de una ópera sitúo su origen en el mismo terreno. En mi casa, en Italia, pongo la música y cierro los ojos y espero a ver qué sucede, qué me sugiere. Creo que toda puesta en escena de una ópera debe nacer desde las frases, de la textura de la música, no de ideas abstractas. Lo que despierta en mí la música es la base aquí también, al margen de lo que me impactó la película. La ópera intenta hacer visual la música, pero claramente también se trata de crear belleza con colores, con la danza, con el gesto, pero sin olvidar contar historias. En estos cuentos hay cuatro historias, a cual más fantástica, una invitación constante a juegos teatrales sobrenaturales, a locuras; en realidad es un mundo muy <em>kemp</em>. Y es precisamente este imaginario el que me impactó en Hoffman, y en la película. En mi caso la plasmación de los materiales en una creación tienen poco de pose intelectual y, sin embargo, la mayoría surge de diversos aspectos de la creatividad. En este caso, por ejemplo, haciendo hincapié en la figura de actores bailarines y en mi identificación con la mayor parte de los personajes de estos cuentos. Ahora por ejemplo, estamos preparando una producción de <em>Carmen</em> y este es un personaje que está bailando dentro de mí desde hace más de sesenta años.</span><br /><br />¿Cuál es el papel de su vida, al margen de que para el público lo sea su Divine de <em>Flowers</em>?<br /><span style="color:#333399;">Quizás sí, podría decirse que Divine lo es. Sobre esto siempre se dice que los personajes son como los niños para una madre que no puede decir cuál es su preferido porque todos los son, pero por el modo en que nació, la puesta en escena y su significación me quedo con Divine. No era tanto el <em>Divine</em> de Genet como el mío. Genet era un estímulo, una trampa, pero el personaje era mi autorretrato, la creación más espontánea y libre donde puse todos mis recuerdos y medios personales.<br /></span><br />¿Qué le proporciona, de dónde surge y cómo renueva esa energía que transmite su trabajo?<br /><span style="color:#333399;">No lo sé (entre carcajadas). Quizás parezca un secreto para mí mismo pero no, no es un secreto; pero la complicidad con el público también consiste un poco en esto. Si tuviera algún secreto en este sentido en la vida, no lo tendría sobre el escenario. Porque ahí es donde reside la libertad total, la que no hay en la propia vida.<br /></span><br />¿Considera que el arte o la creación tienen obligaciones morales?<br /><span style="color:#333399;">Por supuesto, es una sensación evidente. Siempre he concebido mi creatividad y mi arte como una medicina, en el sentido de que no se trata de algo decorativo, sino que tiene que afectar a la gente, a su modo de vivir, y esto tiene importantes raíces morales. Pero quiero dejar claro que prima en mí lo instintivo. No me planteo nunca de manera directa esas cosas, sino que es precisa la espontaneidad a la hora de hablar de amor y de las relaciones humanas. No es algo superficial, sino más profundo. Y su reflejo en el público es lo más importante como cuando alguien me dice que tras ver <em>Flowers</em> le cambió la vida o su modo de pensar. Ese es el concepto moral. Algo que llega de forma espontánea. Hay una parte que es la magia del teatro, lo primitivo. Y hay otra que está dentro del lenguaje universal, de mi propia creación, que no cae en particularismos o en hechos concretos de denuncia o de reivindicación, sino que busca lo universal para actuar sobre la gente, una modalidad de poesía en el fondo.<br /></span><br />Sus facetas son múltiples. Su mirada artística inabarcable. Su inmersión en los lenguajes de la creación casi renacentista. Pero Lindsay Kemp ¿cómo define a Lindsay Kemp?<br /><span style="color:#333399;">Como un poeta porque todos los aspectos que me han atribuido o definido conducen y alimentan el aliento poético. Luego la tinta puede serlo en unos casos, la voz, el gesto o el propio cuerpo, pero todo conduce y está destinado a la expresión poética.<br /></span><br />¿Se considera un transgresor?<br /><span style="color:#333399;">Totalmente. A la hora de afrontar compromisos también muestro esa postura personal frente a cualquier tipo de obstáculo. Lo que también sucede y no me gusta es que se plantea la palabra transgresor a veces como una especie de obligación de mi trabajo. En ocasiones la crítica o la gente dice de una creación mía que no ha sido suficientemente transgresora, pero es que no puede ser nunca una actitud obligatoria. Lo importante es ser uno mismo y responder a los cambios de la vida. Hoy en día a lo mejor ya no es tan necesario ser un transgresor o buscar el escándalo, sino adquirir un compromiso con la coherencia.<br /></span><br />Acaban de morir Marcel Marceau, -uno de sus maestros-, y Maurice Béjart y pocas semanas antes Bergman y Antonioni. Los genios del siglo XX se van apagando. ¿Cree que es posible aún innovar, hablar de nuevas vanguardias y aportar más pasión a la escena y al lenguaje artístico?<br /><span style="color:#333399;">Por un lado, está claro que cada generación acaba por tener un recambio, pero es verdad que hoy en día parece difícil observar cuáles son los grandes artistas, aunque cada arte tiene su mundo y, por ejemplo, parece que el cine tiene salud. A lo mejor están surgiendo en internet y a través de las nuevas tecnologías. Pero es verdad que los grandes creadores como Marceau o Bergman marcan un antes y un después. Soy optimista por naturaleza, pero no contemplo tanto talento hoy en día como en el pasado.<br /></span><br />Asegura que toda creación debería ser una celebración de la vida. Y, sin embargo, la muerte es una de sus dulces obsesiones. ¿Cómo sobrelleva esa paradoja?<br /><span style="color:#333399;">Vida y muerte van unidas y esa es la clave para expresar o moverse por esa especie de falsa frontera. Además, mientras pasan los años uno tiene una percepción de la muerte más intensa y uno llega a la conclusión de que si queda menos tiempo hay que hacer más. Cuando reflexionaba antes sobre esa necesaria y misteriosa energía vital, quizás la respuesta se halla en esto, en ser consciente de esa relación entre el paso del tiempo y la actividad. Es como el subtítulo de <em>Elizabeth, El último baile</em>. Siempre les enseño a mis alumnos en un taller que aborden cada baile como si fuese el último. Como un soldado en la guerra, como un torero, es decir, que el peligro es lo importante. Si en el teatro, en la escena, no hay peligro, no hay riesgo, no sirve. De todos modos, la muerte siempre me ha fascinado con todo su ritual y me seduce su transformación en arte.<br /></span><br />Hace poco le oí decir que esta sociedad “es una mierda”. ¿El acto artístico, en este sentido, nos redime, nos sana, nos libera?<br /><span style="color:#333399;">Hay todo un proceso inevitable de relación con el sistema, de saber cómo es el Estado, de luchar y de desarrollar una labor material para poder sacar adelante una producción… pero, al fin y al cabo, un artista está condenado a salir a dar a conocer su arte. Las escuelas de formación muestran una gran falta de talento y se aprecian muchos ejemplos en la danza de carencia de creadores totales.</span><br /><br />¿Qué recuerdos tiene de David Bowie?<br /><span style="color:#333399;">Aquella fue una edad de oro, el momento de efervescencia creativa y, por supuesto, la historia de un gran amor, una relación de influencia mutua en lo creativo, humano y artístico. Una relación amorosa muy fuerte y fructífera para los dos que ha dejado una huella recíproca que con el tiempo se sabe muy importante, de la que somos conscientes ambos. Fueron momentos de fantasía y de libertad durante un periodo muy rico. Una pasión que debería estar presente luego en el teatro con idéntica intensidad.<br /></span><br />Las primeras críticas a esta nueva producción no fueron precisamente positivas, ¿Cree que eran justas? ¿Le faltaba rodaje al montaje? Y, en consecuencia, a estas alturas de su prolífica y densa carrera, ¿cómo valora una crítica constructiva?<br /><span style="color:#333399;">Toda crítica me afecta. Si es buena, mi expresión de alegría es total, y si es al revés pues muestro mi tristeza. Lo que se escribe en la prensa me afecta y es normal porque un artista es siempre un ser inseguro. De todos modos, no se entienden muchas de las cosas que se dijeron tras el estreno de Perelada, incluso aspectos gratuitos o comentarios extemporáneos, como ajenos a la escena. Soy consciente de que en muchas ocasiones hay cosas que no se logran, pero desde Peralada el público ha mostrado sus emociones, se ha conmovido con la producción y, sin duda, la obra ha mejorado con el paso del tiempo. Yo no formo parte de esa moda y esa escuela de directores de ópera que tratan de imponerse en todo. Existen unos límites y no me interesa esa moda u obligatoriedad de traspasar determinadas fronteras gratuitas contradiciendo la esencia de una ópera o de una música porque algunos consideran que en busca de la originalidad vale todo, y no es así.<br /></span><br />¿Por qué afirma leer sólo biografías? ¿Es un género sagrado para usted?<br /><span style="color:#333399;">Sí, es verdad y es otro reflejo de que no me interesan las ideas abstractas en sí, sino el saber conectar con el lado humano, Mi identidad la he construido a través de héroes, de mi identificación con los retratos de los demás, de Nijinski o Isadora Duncan, por ejemplo. Por ello, no suelo leer novelas ni ensayos, sino biografías. Para mí, es más importante la vida de un hombre que sus sueños de papel.<br /></span><br />¿Qué opinión le merece el teatro de hoy? ¿Cabría hablar en general de cierto aburguesamiento de la escena, de que ya no hay interés por experimentar?<br /><span style="color:#333399;">Es muy difícil integrar bajo una misma opinión, y hacer un juicio general de todas las artes. Está claro que por ejemplo, en Inglaterra, en Estados Unidos existe un mundo escénico estable, muy comercial, previsible, donde el mercado se impone. Creo que, en general, hay que devolver al teatro una de sus esencias, la de entretener, y parte de lo que hoy veo en el teatro es muy aburrido. Hay que recuperar el glamour, la belleza, la poesía y el alma. Es necesario conmover desde la escena y lo que veo no tiene magia suficiente.<br /></span><br />¿Se atrevería con una zarzuela?<br /><span style="color:#333399;">Me encanta, amo profundamente el género. Es parte esencial del arte popular y yo soy un artista popular. En los 70 se vivieron momentos de grandes inversiones en el mundo de la cultura pero yo nunca fui un artista subvencionado, era difícil de encasillar para unos y otros, para un lenguaje y para otro y, sobre todo, porque traté de dar prioridad siempre al arte popular, al contacto con el público. Y las instituciones llegaron en un momento dado a decirme de manera clara que no querían nada conmigo, que me marchara. En este sentido, la zarzuela, con su espíritu y su belleza, y su conexión con el público español me entusiasman. </span></p>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-55037388307846601822008-01-20T06:09:00.001-08:002008-12-11T01:14:26.229-08:00AQUÍ Y AHORA<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiO45iXPKb9KSh5EVu8VpwQd-C_DGzPxG4C9o0iKi0cV3EU9LgsVimuFKQJWSzzLOXxA81_DttuEDU2nfhR-yn_as57hLVZa0mUzN0LXk5FNCtYndU17EqJMrSSFJMmt7UkhWchnvCOPIvV/s1600-h/aqui+y+ahora.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157560870171356546" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiO45iXPKb9KSh5EVu8VpwQd-C_DGzPxG4C9o0iKi0cV3EU9LgsVimuFKQJWSzzLOXxA81_DttuEDU2nfhR-yn_as57hLVZa0mUzN0LXk5FNCtYndU17EqJMrSSFJMmt7UkhWchnvCOPIvV/s400/aqui+y+ahora.JPG" border="0" /></a><br /><div></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-5351128617796606082008-01-20T06:02:00.000-08:002008-12-11T01:14:26.362-08:00SANTANDER EN LA WEB 2.0: PATRIMONIO BIBLIOGRÁFICO Y PROPUESTAS<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWzcYf5l5mdmfk5L5ElNsHlSXeMgBCJceVG2hyphenhyphenR9dI3j_hn6BE3Qe_NGBgfvPzA1W_4V9IxG7ygtqZ_5iSJBxFTr2CI9M7hX4YX4kFScORmW2EcXRbV_usWM12DiS18UWuiz1wIV9ggEn_/s1600-h/BcaCervantes.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157560114257112434" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiWzcYf5l5mdmfk5L5ElNsHlSXeMgBCJceVG2hyphenhyphenR9dI3j_hn6BE3Qe_NGBgfvPzA1W_4V9IxG7ygtqZ_5iSJBxFTr2CI9M7hX4YX4kFScORmW2EcXRbV_usWM12DiS18UWuiz1wIV9ggEn_/s400/BcaCervantes.JPG" border="0" /></a><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;">Una reflexión –con posicionamiento y propuestas concretas– sobre la necesidad de ampliar los cauces de acceso a Internet y sobre las posibilidades aún sin explotar que pueden ofrecer los recursos web a la hora de poner en valor el patrimonio cultural de Santander.</span> </span><br /><br /><strong><span style="color:#333399;">por JAVIER MENÉNDEZ LLAMAZARES</span><br /></strong><br />A pesar de que la terminología se muestre reticente a reflejar el paso el tiempo, las llamadas “nuevas tecnologías” ya no son una novedad absoluta: internet opera desde 1991, y hace ya una década que su acceso y utilización se generalizaron en nuestro país. Y, como muestra de su vitalidad, asistimos actualmente al debate entablado acerca de su primera evolución, definida por O’Reilly como “Web 2.0”.<br />Básicamente, con este concepto se pretende aludir a la transición a un nuevo concepto de la red, en el que el usuario se sitúa en el eje central, no sólo como consumidor de contenidos, sino —he ahí la novedad— como proveedor de los mismos. Es, por decirlo así, un giro social, que convierte a internet en un medio y no en un fin, que concibe el entorno, el soporte informático, como una herramienta auxiliar de uso sencillo, que debe facilitar el acceso y difusión de la información y fomentar la participación del usuario. En este modelo se insertan fenómenos como los blogs o bitácoras, el periodismo ciudadano, los wikis o las novedosas licencias de derechos de autor Creative Commons. Sin embargo, dada la amplitud del campo de estudio, nos centraremos en las implicaciones que esta nueva concepción de la red puede suponer para el patrimonio bibliográfico, en el entorno concreto de Santander.<br /><br /><strong>Esfera privada, esfera pública<br /></strong>Bien sabemos que no siempre lo público y lo privado caminan acompasados; máxime, cuando tratamos de una materia en continua evolución y con una alta dependencia tanto del mercado como de la innovación científica. Por ello, en el ámbito de las tecnologías de la información, la vanguardia siempre parece corresponder a los agentes privados, que por uno u otro motivo muestran un mayor dinamismo y elasticidad para adaptarse a las novedades e, incluso, demandar continuas mejoras.<br />Desde el mundo de la empresa, la nueva “arquitectura de participación” parece asumirse sin demasiados problemas; por no extendernos, nos quedaremos con el ejemplo de la prensa local, aunque podríamos citar varios más. Hace ya unos meses que <em>El Diario Montañés</em> reestructuró su versión electrónica, pasando de una edición especular de su edición impresa —lo que podríamos considerar web 1.0— a ofrecer un nuevo espacio, lo que se conoce como “portal”, con contenidos específicos de la edición en línea, un mecanismo de participación orientado al usuario, que puede colaborar con sus comentarios y opiniones en el proceso informativo, y una estructura de bitácoras, con una novedosa concepción mixta en su autoría, pues en parte son editadas por profesionales dependientes del periódico (como “Cantabria Confidencial”, “En primer plano” o “100x65”) y en parte son ofertadas gratuitamente al lector. Al no existir entre ambas diferencias tecnológicas o estéticas, la empresa sitúa al colaborador externo al mismo nivel que al interno, lo que supone un gran espaldarazo a la filosofía participativa de los nuevos tiempos.<br />Por otro lado, si nos centramos en el usuario particular, nos encontramos con una intensa actividad de los internautas santanderinos en medios como los foros o los wikis —estructuras colaborativas de difusión del conocimiento—. Respecto a su papel en el marco bibliográfico y/o creativo, ya aportamos en el número 2 de <em>QVORVM </em>un sucinto repaso por la blogosfera cántabra, que suponemos pendiente ya de actualización, dada la enorme capacidad de renovación de este medio. Y es que es el usuario final, el internauta, quien mejor ha comprendido y asimilado la nueva concepción de la web, no sólo demandando espacios diseñados específicamente para la colaboración, sino, especialmente, participando de hecho.<br />A la esfera pública no podemos, por el momento, referirnos en los mismos términos. Frente al tradicional anquilosamiento de la administración, es cierto que se atisba un gran interés por reaccionar y abanderar este giro social, aunque los resultados aún no sean demasiado satisfactorios. Desde una perspectiva global, y más allá de electoralismos, buenas intenciones y proyectos de análisis a posteriori, la asignatura pendiente para las diferentes administraciones es, no ya el avance y asentamiento, sino el planteamiento y las primeras aproximaciones a formas de participación activa de la ciudadanía, lo que se ha dado en llamar “e-gobierno”. En un contexto más concreto, como puede ser el de nuestra ciudad, en el ámbito de la cultura y en el campo específico —por centrarnos en uno— del patrimonio bibliográfico, podemos ser muy optimistas: aunque existen carencias evidentes, o precisamente por ello, el campo de acción es inmenso.<br />De las múltiples iniciativas que podrían emprenderse, vamos a quedarnos con tres: una global, el acceso inalámbrico, y dos específicas, la biblioteca virtual y el fomento de la creación digital.<br /><br /><strong>Conexión universal<br /></strong>Lejos de entrar en cuestiones partidistas, recordaremos aquí una propuesta electoral realizada en la campaña de las pasadas elecciones municipales, en las que se ofreció la instalación de un sistema público de conexión gratuita a internet mediante una red wifi o inalámbrica. Más allá de que finalmente quedase en papel mojado, no estaría de más rescatar esta idea: ¿qué mejor modo de garantizar un acceso universal y equitativo? Si nos planteamos una internet para todos, de todos y realizada por todos, es tarea de las instituciones públicas eliminar las barreras de acceso.<br />En la actualidad, la Universidad de Cantabria y algunos municipios de la comunidad autónoma ofrecen este servicio gratuitamente. No estaría de más que el Ayuntamiento se sumase a esta iniciativa, que permitiría que, en términos de internet, se pasara de “usuarios” a “ciudadanos”. Ciudadanos con participación, y con acceso a nuevos medios y nuevas formas de entender el gobierno y la administración.<br /><br /><strong>Bibliotecas sin papel<br /></strong>A nadie escapa ya que el libro no puede ser visto como un objeto físico; la antigua distinción académica entre obra y soporte está más de actualidad que nunca, una vez que el texto se ha independizado, no ya del papel, sino de la materialidad. Formatos “doc” o “pdf” son ya algo cotidiano, tan extendido y universal, que su llegada al sistema bibliotecario es improrrogable.<br />La biblioteca virtual, que supone la digitalización de los fondos bibliográficos, por un lado, permite el acceso —deslocalizado y sin límites temporales— a la comunidad educativa y los investigadores. Por otro lado, fomenta la conservación del patrimonio material, pues no es necesario consultarlo físicamente, con lo que se evita el natural deterioro que produce el uso común.<br />La situación real es, no obstante, muy diferente. La biblioteca pública, integrada en el sistema bibliotecario español, a pesar de haber incorporado los avances tecnológicos, se limita a aplicarlos para potenciar sus servicios tradicionales, mediante catálogos en línea, páginas web descriptivas o listados de enlaces. Y se descuida el que quizá sea su fin primordial: la difusión del conocimiento. ¿Para qué han de servir las bibliotecas, sino es para acercar sus contenidos a los lectores?<br />La buena noticia es que, una vez asumida la técnica, sólo resta dotar de los medios necesarios para dar un paso adelante, y emprender la digitalización del extenso patrimonio bibliográfico para ponerlo a disposición de los ciudadanos, y que la biblioteca pase, de ser concebida únicamente como un lugar físico, a ser percibida como una “colección”, con independencia de su soporte.<br />Una muestra de cómo pueden aplicarse estos conceptos puede ser la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, un proyecto conjunto de la Universidad de Alicante y el Instituto Cervantes. Su esquema, de escasos requerimientos técnicos y costes asumibles, bien pudiera aplicarse al sistema cántabro de bibliotecas, y a los fondos de algunas fundaciones. Sí parece urgente un repertorio diacrónico que permitiera consultar en línea obras completas de los autores cántabros más destacados y, paralelamente, una muestra representativa de la creación local contemporánea, al menos.<br /><br /><strong>El controvertido papel de los premios</strong><br />Una de las formas más controvertidas con las que la administración influye en el espacio creativo es la convocatoria de certámenes y premios literarios. Sin entrar en mayores debates, sí quisiéramos apuntar que estas actividades, si bien fomentan —en cierto modo— la actividad literaria, podrían también servir de impulso para nuevas formas de creación.<br />Los géneros tradicionales comparten hoy día espacio con nuevas formas de expresión, híbridas no sólo genéricamente sino en su esencia interdisciplinar: la literatura comparte su territorio con el periodismo, el pensamiento, o incluso las artes plásticas y los medios audiovisuales. Ignorar esta realidad y centrase en la literatura canónica es cerrar los ojos a la evidencia.<br />La hiperliteratura o literatura digital necesita también de fomento, del apoyo que supone el reconocimiento público y la cobertura institucional, tanto mediante la provisión de plataformas adecuadas como mediante el establecimiento de certámenes que posibiliten su difusión. En la actualidad, apenas existen un par de premios nacionales para este tipo de literatura; ¿no puede Santander proponer el suyo, y mirar hacia el futuro?<br /><br /><strong>Tradición e innovación<br /></strong>El patrimonio es un tesoro acumulado a través de los siglos, pero no un valor inamovible. No sólo varían las formas de acceso y las demandas culturales de los ciudadanos: también evolucionan las formas de producirlo. El posicionamiento de Santander en la Web 2.0 debería vertebrarse sobre una doble estrategia, que, tras garantizar un acceso universal a la red, debería pasar por un afianzamiento de nuestras posiciones en la sociedad de la información, abriendo nuestra bibliografía al usuario, que pasa a ser considerado como ciudadano, y por un fomento de las nuevas formas de expresión que son la llave de nuestra cultura contemporánea. ¿Será capaz la ciudad y sus instituciones de acometer con éxito este nuevo reto? </div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-65860857332291253062008-01-20T05:52:00.000-08:002008-12-11T01:14:26.820-08:00ESCENOGRAFÍA: ¿PARA O CONTRA LA ÓPERA?<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgqu_2TEYdA9otuXzOtRvA57zBoe0GEze3KAhm6bY0Z_Vb9KR7bptD6DBRSA7KAuQPfI-RQ2zh3_hqrpUpsKyJKHYqEVKxmRZNT1jTDedC0g_s0O-m1fErOrAbT8Pyqmd_mMwvZ54R0lLp/s1600-h/imagen+art.+opera.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157556562319158626" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhgqu_2TEYdA9otuXzOtRvA57zBoe0GEze3KAhm6bY0Z_Vb9KR7bptD6DBRSA7KAuQPfI-RQ2zh3_hqrpUpsKyJKHYqEVKxmRZNT1jTDedC0g_s0O-m1fErOrAbT8Pyqmd_mMwvZ54R0lLp/s400/imagen+art.+opera.jpg" border="0" /></a><span style="font-size:85%;color:#333399;">La ópera, género de tradicional predilección, ha experimentado diversas dictaduras a lo largo de su historia. En este momento es el escenógrafo quien parece en posesión de la última palabra. Es conveniente reparar en que las inflexiones que se vayan imprimiendo a la ópera –al fin y al cabo propuesta eminentemente musical– pueden acabar determinando su auge como mero espectáculo o su rechazo por el público melómano. Así se ha visto en Santander.</span><br /><br /><span style="color:#333399;"><strong>por ROBERTO BLANCO<br /></strong></span><br />Cuando la ópera nace, hacia 1600, son los poetas los que la alimentan: fue, pues, invención suya. El poeta componía “fábulas en música” con ayuda del músico, y las notas musicales brotaban de las palabras como el látex de un lactario. Escribe Caccini en el prefacio de su tratado <em>Le Nuove Musiche</em> (1602): “<em>La variedad en el sentimiento consiste en el tránsito que va de un sentimiento a otro utilizando siempre los mismos medios. Las palabras y su sentido deben guiar al cantante paso a paso. Y debe observarse escrupulosamente para no representar, por así decirlo, al esposo y al viudo bajo el mismo ropaje</em>”. El compositor leía, escuchaba y obedecía, amén de ser el responsable de trocar la palabra en canto y por lo tanto de conmovernos y encantarnos, aunque fuera el poeta el que mandaba.<br />Era el siglo XVII y la época de los poetas. Después llegará la era de los cantantes: el siglo XVIII será el suyo, y no habrá rey, príncipe, cardenal o burgués que se resista a las maravillas del canto mágico. Un siglo que situó a la voz por encima del cuerpo y del alma, y que sacrificó, con la bendición de la iglesia, a docenas de muchachos con el fin de conservar sus voces celestiales: Farinelli, Senesino, Carestini, Bernacchi, Siface… Tras los tiempos de poetas y cantantes llega el momento romántico, el del compositor que, elevado al rango de sumo creador, hace, deshace e interpreta el mundo a su antojo.<br />El siglo XX comenzará bajo el reinado de los directores de orquesta, y así se hablará del <em>Falstaff </em>“de” Toscanini, no de Verdi, el <em>Fidelio</em> de Furtwängler; Strauss pertenece a Clemens Krauss y Mozart a Karajan. El maestro es más importante que la diva, mantiene en alto su batuta, es el rey del teatro, atemoriza al empresario y hechiza al público. Pero tras la Guerra, el todopoderoso director ya no es una figura intocable. Poco a poco el director de escena va ocupando su lugar. Es también un tirano, del mismo género que el director orquestal, pero ejerce su poder desde la sombra y bucea en la Historia en busca de ideas revolucionarias que le hagan destacar, aunque a ellos se deba, en gran medida, la recuperación de la atracción que el arte lírico había perdido a fuerza de atascarse en la estéril repetición de un repertorio maltrecho y a veces maltratado.<br />La mayoría de los directores de escena (socorridos por los escenógrafos, figurinistas, decoradores y diseñadores de iluminación) suelen postular que las tramas argumentales presentan poco interés, por lo que hay que dedicar más la atención al aspecto visual y al espíritu, hablándole al espectador de hoy y cuestionando la vigencia de esas intrigas amorosas ingenuas, exóticas o antiguas, o esos duelos, complots, invocaciones y plegarias. De esta manera, hoy en día lo mismo podemos ver a Eurídice recibiendo un e-mail que a Electra y Crisótemis cometiendo incesto (el sexo no plantea ya ningún problema en los escenarios), a las valquirias cabalgando en bicicleta o a un Don Giovanni heroinómano.<br />La cuestión es si todo este despliegue de imaginación consigue convencer al espectador actual de que se nos está hablando de los problemas e inquietudes de nuestro tiempo, de la tolerancia o intolerancia entre civilizaciones y grupos humanos, o de cuestiones sociales, políticas y religiosas de actualidad. El problema de fondo es que este tipo de producciones “desempolvadas” las consume fundamentalmente un público algo cansado de las producciones tradicionales, pero que conoce bien las obras (sector donde se incluyen también sus mayores detractores), mientras que en los espectadores nuevos suelen causar más desconcierto que seducción, por lo que si éstos no perseveran y si no se captan nuevos adeptos, la ópera podría morir precisamente a causa del medicamento que sirvió para revivirla.<br />No se trata entonces de administrar dosis homeopáticas ni de despertar apetitos dormidos, sino de conseguir hacer compartir una emoción artística, aunque también es legítimo desconfiar de aquellas producciones que exijan introducirse previamente en las intenciones de sus autores, porque si éstas quedan oscuras o poco patentes, desaniman al espectador impidiéndole entrar en el corazón de la obra, y entonces el trabajo se convierte en nulo e improcedente.<br />Cierto es que el trabajo del director escénico y sus aliados pertenece al ámbito creativo y no se les puede exigir neutralidad, ya que requiere invención e inspiración, pues la puesta en escena no debe contentarse sólo con servir, desencriptar e interpretar, y por lo tanto, debe elegir entre lo que conmueve, sorprende e innova y lo que no. A este respecto, no se puede condenar a priori toda puesta en escena que esté a años luz de la tradición, sino poner como condición exigible que aumente la elocuencia de la obra, que exprese su sentido para que nos resulte emocionante, conmovedora, sorprendente o revolucionaria como lo fuera en la época de su estreno. Es decir, un verdadero producto artístico y no sólo de entretenimiento y espectáculo, porque cuando la obra es de arte, nos habla de nosotros, de lo que sentimos y de lo que somos. Y alejada de los folklores de los escándalos, que no dejan de ser un pretexto y que casi nunca responden a lo único verdaderamente importante, que es revelar el sentido de la obra.<br />Habrá que desconfiar también de aquellas otras producciones concebidas más para obtener bellos fotogramas que para establecer un acuerdo estrecho y necesario entre lo visual, lo auditivo y la inteligencia del espectador, porque la puesta en escena no es solamente un arte representativo, sino también un arte del movimiento pariente del teatro y de la coreografía, e íntimamente ligado al ritmo de la música, aunque no sea necesario que se acople nota a nota con la partitura. Es decir, no se trata tanto de respetar los ritmos particulares como el de la respiración general de las escenas, su propio tempo dramático, lo que no impide que, por ejemplo, pueda haber desplazamientos rápidos con una música lenta, o a la inversa, si con ello se gana en tensión dramática. Todo esto respecto a las obras “modernas”, porque en la ópera clásica, cuando las arias suspenden la acción, las soluciones escénicas crean frecuentemente una impresión de vana agitación, acentuando la impresión de longitud en lugar de atenuarla.<br />Por todo ello debería establecerse la primacía de la comprensión de la estructura dramático-musical de una ópera sobre la lectura más o menos crítica de su argumento, generando así una puesta en escena que además tiene que contar con las inevitables relaciones entre la labor actoral y la presencia física de los intérpretes y su prestación vocal. Más aún que el exceso de desplazamientos que podrían fatigar a los cantantes, las actitudes (rígidas, o inverosímiles, o en contradicción con lo que se canta), la pertinencia del vestuario o de decorados y atrezzo, causan a veces más perjuicio de lo que pueda parecer.<br />Ejemplos de todo lo expuesto hemos podido contemplar en las dos décadas de representaciones operísticas de nuestra ciudad, y ciñéndonos a esta última, recordemos las producciones de <em>Aida</em>, el máximo exponente de cómo se hacía ópera en tiempos de nuestros abuelos, las visiones conservadoras de <em>Andrea Chénier</em> de Fourny y de <em>Simon Boccanegra</em> de Ionesco, la propuesta tradicional con alguna concesión innovadora de <em>La Traviata</em> de Zeffirelli, el dramatismo potenciado de <em>Macbeth</em> y <em>Eugene Oneguin</em> de Gian-Carlo del Monaco, la concepción poética y personal de Lindsay Kemp en su <em>Madama Butterfly</em>, los contextos intemporales creados por J.A.Gutiérrez para sus <em>Rigoletto</em> y <em>Lucia</em>, la creatividad y el movimiento que nos mostró Dmitri Bertman (<em>Lulu, Makropoulos, Norma</em>…), el desenfado de las dos primeras entregas del <em>Anillo</em> de Kuhn, o el indumento audiovisual y multimedia con que Hugo de Ana revistió a <em>Sonnambula</em> y <em>Tosca</em>.<br />Pero, no lo olvidemos, la ópera es el lugar donde, sobre todo, se canta, y las versiones escénicas sólo nos aportarán algo y triunfarán cuando hayan sido concebidas de forma comprometida.<br /></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-86191575196926196842008-01-20T05:45:00.000-08:002008-12-11T01:14:26.974-08:00AQUILES Y SU ESCUDERO<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8MF09ie8A-463Jj262XqVJxWRQNEyJTEGzXqLrtxW-sbWM-dEEO0yIs3Tig90JZzJGucPQGOvBQMTaWSGxfPMiFoFMrPTs6HUPuDQRRuAn0jOM4cBVKWCFZp5DgNm9KIH1z9smpKaIFax/s1600-h/victorial.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157555711915634002" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8MF09ie8A-463Jj262XqVJxWRQNEyJTEGzXqLrtxW-sbWM-dEEO0yIs3Tig90JZzJGucPQGOvBQMTaWSGxfPMiFoFMrPTs6HUPuDQRRuAn0jOM4cBVKWCFZp5DgNm9KIH1z9smpKaIFax/s320/victorial.jpg" border="0" /></a><span style="font-size:85%;color:#333399;">El Victorial, obra casi olvidada de Gutierre Díaz de Games, recrea las andanzas de Pero Niño, Almirante de Castilla y Conde de Buelna, singular personaje de Cantabria con rasgos de personaje caballeresco y héroe griego al mismo tiempo.</span><br /></div><div align="justify"><br /><span style="color:#333399;"><strong>por JAVIER FERNÁNDEZ RUBIO</strong><br /></span><br />Mitad caballero, mitad ladrón, almirante y pirata a la vez, intrépido, depredador y amante de las mujeres y de las formas galantes del asedio amoroso, don Pero Niño, almirante de Castilla y conde de Buelna, no sería uno más de los miles de vasallos aristócratas que toda monarquía deja tras de sí de no haber tenido a sus espaldas la figura fiel de su alférez y escribano, Gutierre Díaz de Games. Es por éste, y no tanto por su aguerrido señor, o más bien por la crónica que el primero hizo de las andanzas del segundo, <em>El Victorial</em>, por lo que hoy traemos aquí este fascinante capítulo de historia real y literaria que se gestó en un valle de Cantabria en el siglo XV y cuya aureola aventurera y literaria llega hasta estos días.<br />Si don Pero hubiera sido inglés o francés otro gallo le hubiera cantado. Habría museos y una ingente bibliografía dedicada a su existencia, incluso se hubiera hecho algún film sobre él. Sólo <em>El Victorial</em>, crónica de su existencia a caballo entre la novela de viajes y la novela de caballería, lo ha salvado del olvido.<br />Vaya por delante que don Pero era un hombre de su tiempo: es decir, rudo, caprichoso, acostumbrado a hacer de su capa un sayo. Su madre, Inés de Laso, fue nodriza de un rey, y por lo tanto su hijo fue hermano de leche del enfermizo Enrique III. A los 10 años le fue asignado un ayo que lo educó en las tareas propias de su clase. Consiguió manejar como ninguno la montura a caballo, la espada y demás instrumentos de muerte y el arte de la navegación y la emboscada. Dada su condición norteña, y de miembro de la corte castellana labró su futuro ofreciendo sus servicios al Rey, lo que técnicamente lo convertía en un corsario. Con el corso depredó las costas de Levante, las islas italianas, el Norte de África y, arriba y abajo por el Canal de La Mancha, la costa francesa e inglesa. Asoló Burdeos y Portland y al morir lo hizo convencido de haber visto desde su galera el mismísimo Londres, cosa que ni Napoleón soñó, si no fuera porque fue víctima de un engaño de sus cómitres y lo que contempló eran ciertamente los tejados de Southoumpton.<br />De todo esto trata El Victorial, que fue escrito a lo largo del primer tercio del siglo XV y que muy bien pudiera haber formado parte de la biblioteca caballeresca del ingenioso hidalgo don Quijote. A diferencia de éste, don Pero fue real; pero en consonancia con aquél, se sirvió de un fiel escudero que dio a la posteridad sus andanzas. Pero si con alguien, por más que ficticio, hubiera que compararlo no podría ser más que con Aquiles, el héroe troyano, con quien Pero Niño porfío en hazañas y destreza, de lo cual se tuvo noticia no sólo en la corte castellana, sino en la francesa, en donde causaba admiración. Fue allí, en plena Guerra de los Cien Años, porfiando con los flecheros del nada shakesperiano Enrique V, como don Pero completó su formación militar con los donaires de la naciente coquetería caballeresca. Al calor de las enseñazas de Jeannette de Bellangnes, el de Buelna alcanzó la condición de ducho guerrero en el ars amandi, de lo que fue fiel exponente a su vuelta a la macilenta y ascética corte castellana, a la que trajo botín de guerra y tesoro de la moda galante.<br />Hay en don Pero ecos quijotescos castellanos y mitológicos griegos, con su fiera estampa asaltando naves en llamas. Por semejarse fue, igual que el heleno, herido en el tendón correspondiente. Pero también es coetáneo espiritual de Garcilaso de la Vega, del que fue medio pariente y émulo en la alternancia de la pluma y la espada. De todo eso da cuenta el fiel Díaz de Games en su obra.<br /><br /><strong>El Victorial</strong></div><div align="justify"><br /></div><div align="justify">Esta obra (que puede encontrarse, por cierto, en edición de Rafael Beltrán Llavador, en Taurus) sería el único predio -quién lo pensaría allá por los albores del Renacimiento- que sobreviviría al señor de Buelna. Quedan, es cierto, una torre en el valle cántabro que le da nombre, lo que es pálido reflejo de la fortuna que llegó a amasar con sus rapacerías; y si hubiera que remembrar su tiempo habría que desplazarse a la santanderina Plaza Porticada y escarbar en su subsuelo para encontrarse con la muralla medieval que él debió de conocer, cuando desde los muelles no muy lejanos, base logística de la flota atlántica castellana, zarpaba con sus aguerridos hombres sin temerle a nada ni a nadie. Queda, está dicho, una torre, los restos “circunstaciales” de una muralla medieval y, sobre todo y por encima de todo, <em>El Victorial</em>, uno de cuyos primeros ejemplares descansa en las arcas de la Biblioteca Nacional.<br />La obra de don Gutierre se estructura en tres partes. La primera reconstruye primorosamente el linaje y los primeros años de vida de su amo, lo que hace siguiendo el patrón de los relatos míticos, en donde se presumen los rasgos futuros del héroe ya en sus primeros pasos. Primeras hazañas, así, matrimonio temprano y educación se conjugan con los detallados datos de su linaje -descendía de la casa real francesa de Anjou-, así como del contexto histórico en el que vino a un mundo en el que aún y humeaban los rescoldos de la guerra civil entre don Pedro y la casa de los Trastámara.<br />La segunda parte es mi preferida. Aquí se narran, con una evidente intención panfletaria y ánimo de dar publicidad a los hechos del héroe, las decenas de aventuras, a cual más osada y aguerrida, persiguiendo corsarios cristianos e infieles. Sus incursiones en el predio marsellés del Papa Luna o del sultán de Túnez, por no contar sus correrías por las costas del Canal de la Mancha, coaligado con la Armada francesa, conforman del cogollo de las que tal vez sean unas de las páginas de aventuras más curiosas y emocionantes que jamás se hayan escrito. Por su intención de publicitarse y explicarse recuerdan a Julio César o Jenofonte; por sus crónicas de viajes, a Marco Polo; y por su inconfundible bouquet caballeresco y un punto <em>naïf</em>, a las novelas de caballería y al propio Quijote.<br />La tercera parte es más larga en el tiempo y más desigual. Narra las últimas décadas en la vida del almirante castellano, que dedicó a acrecentar su fortuna y litigar con el rey Juan, el cual, dada la envergadura de su porfiador vasallo, no tuvo más remedio que concederle el título de conde. La campaña granadina, sus amoríos con Beatriz de Portugal y los últimos años de existencia (1443-1446) son las piezas con las que Gutierre Díaz de Games cierra su obra. Estos episodios son narrados de manera deshilvanada y como a la carrera, lo que siendo un defecto que resta unidad al conjunto, aportan vivacidad a un relato que se prolonga a lo largo de décadas y en donde los autores, al tiempo sus protagonistas, van envejeciendo y transmutándose.<br />No resulta extraño que en la sepultura de tan gran hombre tuviera continuidad el título de su fiel vasallo. Dice así: “<em>Aquí yace D. Pero Niño, Conde de Buelna, el cual, por la misericordia de Dios, fue siempre vencedor y nunca vencido por mar e por tierra</em>”. Lo cual no es mal epitafio y colofón de vida y obra de uno de los personajes históricos más fascinantes y más olvidados salidos de tierras de los cántabros.</div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-77722340892525275512008-01-20T05:38:00.000-08:002008-12-11T01:14:27.148-08:00CINCO AÑOS DE ¿MEMORIA?<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6nq-ZgyZnPg6bufxIn1ln_wkLH9hYjyY3TUr41_pdATprHgNEZBD1OKDhsCP7dT_2z-N7gPZ3Te2L9_L02CUiko_q_ltsB0CmlcunGvjiNjpKgmN6Z68LP7Z08lc5SAJstICB0ZQczC4Z/s1600-h/pepe+hierro.gif"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157553869374664002" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6nq-ZgyZnPg6bufxIn1ln_wkLH9hYjyY3TUr41_pdATprHgNEZBD1OKDhsCP7dT_2z-N7gPZ3Te2L9_L02CUiko_q_ltsB0CmlcunGvjiNjpKgmN6Z68LP7Z08lc5SAJstICB0ZQczC4Z/s320/pepe+hierro.gif" border="0" /></a><span style="color:#333399;">Recuerdo, reflexiones y balance en torno a los cinco años transcurridos desde la desaparición de José Hierro.<br /><br /><strong>por ANA RODRÍGUEZ DE LA ROBLA</strong></span><br /><br />Transcurridos cinco años desde la desaparición de José –Pepe– Hierro en el 21 de diciembre de 2002, parece que se suscita una necesidad de reflexión; reflexión que pasa inevitablemente por el recuerdo, por la memoria del poeta que nos abandonó, pero también por todo lo ocurrido –y lo no– precisamente en el trecho temporal legado por su ausencia.<br />Friedrich Nietzsche, en una de sus lapidarias y descarnadas definiciones, hablaba acerca de las frías aguas del cálculo egoísta. Expresión que ahora nos viene muy al pelo cuando miramos hacia atrás y desgranamos el maremágnum de loas y homenajes, lecturas y relecturas, reediciones de ediciones ya existentes y súbitas resurrecciones de proyectos más que viejos, entre otras muchas manifestaciones, por supuesto interesadas, en la figura de Pepe Hierro. Manifestaciones todas ellas, sin duda por pura casualidad, acontecidas en los meses inmediatamente posteriores a la desaparición del poeta, abigarradas al calor de lo reciente del suceso, y que, no sé si por desgracia o por fortuna, pero en todo caso por acción del tiempo inexorable, van resultando cada vez más espaciadas, menos numerosas, menos grandilocuentes: menos presentes, en suma. En España no se sabe –o no se quiere– mirar a largo plazo, no hay proyectos sostenidos. En España, si se supiera latín, regiría el ausoniano <em>collige, virgo, rosas</em>; pero como latín ya no se gasta, pues hay que decirlo como Nietzsche lo decía, apelando a la imagen de las frías –heladas– aguas del cálculo egoísta, o lo que es lo mismo, al agudo sentido del momento propicio, del oportunismo, capaz de anegar los propósitos más nobles –y eso cuando lo son, que por supuesto no siempre. La captura intencionada de centenarios, sesquicentenarios o pluricentenarios para avivar hechos dormidos no me parece del todo mal; cualquier argucia es buena para rescatar algo valioso del olvido. Lo que resulta triste en grado mayúsculo es que se hayan realizado esfuerzos tantos para recuperar una memoria que aún no se había perdido, a veces esgrimiendo la bandera de una amistad o un desvelo inexistentes –no me atrevo a decir que en propio beneficio–, mientras que, llegado el momento de actuar porque el reloj así lo indica, los paladines aquellos convirtiéronse en humo, en polvo, en sombra, en nada. ¿<em>Qué se fizieron</em>?<br />Así pues, cinco años después de la desgraciada partida de uno de nuestros poetas más poetas –ruego se me perdone la parcialidad– los innúmeros amigos, estudiosos, conocedores y plañideros de Pepe Hierro han ido diluyéndose poco a poco… y no queda sino un erial desolador y desolado. Las obras completas de José Hierro siguen durmiendo un sueño plácido en ese limbo que –<em>Vaticanus dixit</em>– ya no existe; no contamos con un solo estudio, extenso e intenso, a la par que riguroso, de auténtica referencia, sobre la obra del poeta; y la Fundación José Hierro en Cantabria, entendida como activo centro de aglutinación poética, documental y de estudio, es una entelequia. En tal sentido, la Fundación Gerardo Diego, afincada en nuestra ciudad en la que antaño fuera casa de Don Marcelino Menéndez Pelayo, supone el ejemplo más cercano de una institución que, animada por un espíritu que en principio pudiera y debiera ser bastante similar, se ha consagrado a conservar, difundir y ensalzar el legado del poeta que con fervor custodia. Si bien es cierto que en el caso de Hierro existe el llamado Centro para la Poesía que, ubicado en Getafe, lleva ya su nombre y es dirigido por su nieta –tras la muerte de Margarita Hierro–, no parece que ambas deban ser iniciativas excluyentes si se perfila una adecuada distribución de funciones.<br />Pero además tampoco debe soslayarse otra cuestión. Y es que, el entorno de las letras, por lo general tan solipsista, es muy dado a organizar actividades para acabar mirándose el ombligo delante de unos cuantos iniciados, olvidando un hecho sin precedentes en la historia –la historia venal, estadística– de la literatura española: que <em>Cuaderno de Nueva York</em> ha sido uno de los grandes <em>best-seller</em> de España desde su misma aparición. A pesar de que en España la poesía no se lee. Esto por fuerza significa algo, y nos pone en la pista de que estamos ante una figura que no puede dejarse apagar. Los compradores de <em>Cuaderno de Nueva York</em> no necesitaron de crípticas serenatas entonadas por supuestos expertos sobre los versos de Pepe Hierro. Quizá haya que plantearse que entre esos compradores del Cuaderno hay grandes lectores de la obra de Hierro, pero también lectores que se acercaron a Pepe por primera vez a través de ese libro y carecen de una perspectiva. Quizá haya que plantearse que la recuperación y celebración de un gran poeta –por ejemplo Pepe Hierro– puede tornarse también una labor sostenida y silenciosa, las más de las veces anónima. Pero no por ello desechable.<br />Cinco años después, en todo caso, por encima de vindicaciones o de olvidos, de lecturas o reescrituras, aquel verso del poeta, José Hierro, sigue más que nunca en pie: “<em>Dirán que he muerto, y yo no muero</em>”.</div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-49900815464592508162008-01-20T05:27:00.000-08:002008-12-11T01:14:27.256-08:00HORA CRÍTICA<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9hblXek3BlNQzJWFZWGagqHBxnas33pRuOZFNCVYLrN-5m4Rqqvg9HI4rDPz-PxtnfdpaELgp33ghuv0_VyZK75suLlgt3Xji7IsOJhzjjSGKojV4ecOA3Tm1YkSGfhG0lZ8LutVEX_9m/s1600-h/hora+cr%C3%ADtica.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5157550240127298850" style="DISPLAY: block; MARGIN: 0px auto 10px; CURSOR: hand; TEXT-ALIGN: center" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9hblXek3BlNQzJWFZWGagqHBxnas33pRuOZFNCVYLrN-5m4Rqqvg9HI4rDPz-PxtnfdpaELgp33ghuv0_VyZK75suLlgt3Xji7IsOJhzjjSGKojV4ecOA3Tm1YkSGfhG0lZ8LutVEX_9m/s400/hora+cr%C3%ADtica.JPG" border="0" /></a><br /><div></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-77893969881396886992008-01-20T05:12:00.000-08:002008-01-20T05:27:18.352-08:00RESEÑAS SOBRE NARRATIVA<div align="justify"><span style="font-size:85%;color:#333399;">Gerardo DIEGO: <em>Diario de a bordo</em>. Introducción y notas: Jacques Issorel y Anne Lacroix. Centro Cultural Generación del 27 y Fundación Gerardo Diego, Málaga, 2007.<br /></span>El Centro Cultural Generación del 27, dependiente de la Diputación de Málaga, y la Fundación Gerardo Diego han publicado, en preciosa edición y bajo el título <em>Diario de a bordo</em>, las notas inéditas que el poeta santanderino fue tomando durante el viaje que, en misión oficial patrocinada por el Ministerio de Estado del Gobierno de la República, realizó en diciembre de 1934 a Filipinas en compañía del profesor de física de la Universidad Central, Julio Palacios. Se incluyen asimismo en el volumen doce cartas inéditas que Gerardo Diego, ya por entonces consagrado poeta y catedrático de Instituto en Madrid, escribió durante la travesía a su mujer, Germaine Marin, con la que se había casado en junio de ese mismo año, y tres anexos: el informe oficial que acerca de la visita redactó el Cónsul General de España en Manila, un discurso del mismo responsable diplomático y algunas fotografías y documentos.<br />Parece ser que la invitación para participar en tal embajada cultural provino de Dámaso Alonso. Recordemos que Filipinas vivía en aquellos meses un trascendental momento histórico, en plena elaboración de la Constitución para declarar su independencia de Estados Unidos, y que, al mismo tiempo, España tenía un enorme interés en mantener allí una presencia cultural, más testimonial que otra cosa, a fin de reforzar los lazos con la antigua colonia.<br />Las notas que conforman este hasta ahora inédito <em>Diario de a bordo</em>, del que se han editado 750 ejemplares, fueron descubiertas por Elena Diego, hija del poeta, cuando ordenaba papeles y documentos de su familia.<br />La travesía, a bordo del “Karnak”, un buque mercante alemán, se inició en Génova el 1 de diciembre de 1934. Después de treinta y cinco días de viaje y varias escalas, los dos profesores españoles arriban a Manila. En Filipinas permanecerán mes y medio y pronunciarán varias conferencias en universidades e instituciones culturales sobre temas científicos (Palacios) y sobre literatura española y música (Diego), quien también ofrecería varios recitales de poesía y conciertos de piano.<br />De aquel maravilloso viaje el profesor Julio Palacios sacó apuntes para publicar un libro, <em>Filipinas, orgullo de España</em>. Un viaje por las islas de la Malasia, que vio la luz aquel mismo año de 1935. Por su parte, Gerardo Diego escribe durante la travesía unas cuantas anotaciones e impresiones en su diario, además de doce cartas a su mujer y algunos sonetos. En las anotaciones del diario, redactadas con estilo telegráfico, la mirada del poeta se centra en el paisaje, la inmensidad del océano, la fosforescencia del agua, los colores del cielo, el baile de los peces voladores, pero también en la vida en el barco, las comidas y su propia salud. Ya en tierra y en un formato diferente al del diario, el poeta describe con pasión la vegetación, los templos, el arte, la gente y sus costumbres, los sonidos, ritmos y melodías...<br />Apenas hay vuelo literario en estas efímeras anotaciones, más bien Diego se limita a observar y a reproducir, dejándose llevar por la riqueza de las experiencias, los paisajes vividos y por la ebriedad que produce en el poeta tanta belleza. Y así, confiesa: "<em>renuncio a describir porque estoy como mareado de tantas cosas</em>".<br />Sí tienen más interés las doce cartas que el poeta remitió a su mujer Germaine, de las que cinco fueron redactadas durante el viaje de ida, y que complementan las notas del diario. Aquí se nos muestra el Diego más personal, aunque siempre muy comedido en la expresión de sus sentimientos y afectos para ser un recién casado, en ese perfil de carácter impasible con el que a menudo se le ha retratado. Se nos viene a la memoria ahora otro y muy diferente diario, el <em>Diario de un poeta recién casado</em> (1917) de Juan Ramón Jiménez, obra que escribe el poeta de Moguer a raíz de un viaje a Nueva York para casarse con Zenobia Camprubí, . <br />Curiosas son las anotaciones que Gerardo Diego, a bordo del “Karnak”, hace sobre los sermones nazis en cubierta, el mitin nazi a la tripulación o las alusiones al médico hitleriano del barco. Parece presentir nuestro poeta el peligro del imparable ascenso nacionalsocialista alemán, lo que contrasta con la ausencia de referencias, tanto en las notas del <em>Diario</em> como en las cartas, a la turbulenta situación política española de aquel tiempo; no en vano, del 5 al 19 de octubre de 1934, apenas dos meses antes de la expedición a Filipinas de Diego y Palacios, había tenido lugar la Revolución de Asturias.<br />Será unos años más tarde cuando las observaciones recogidas en el <em>Diario</em> se muestren en toda su madurez y devengan en extraordinaria poesía. Lástima que no se incluyan aquí los doce magníficos sonetos que fueron escritos a raíz de este viaje y que, más tarde, pasarían a formar parte, acompañados de unas anotaciones del propio autor, de la sección tercera de Alondra de verdad, una de las obras maestras de Gerardo Diego, publicada en 1941 pero escrita a lo largo de diez años (1926-1936). Muy jugoso, por cierto, es el comentario con el que el poeta justifica estas anotaciones, destinadas a ahorrarles trabajo y posibles errores a conjeturales y futuros eruditos -nunca faltan desocupados- ... y a hacer un poco su propia edición crítica. <br />Fruto, asimismo, de la maduración de esa experiencia fue la escritura de doce artículos, publicados en revistas y periódicos españoles sobre todo de los años 40, aunque hay algunos que vieron la luz en los 70, en los que Diego ensancha la visión histórica de su misión cultural a Filipinas, rehuye lo puramente anecdótico y se deja llevar por un fervoroso impulso religioso y patriótico, muy de la época.<br />No deja, pues, de tener interés literario, cultural y sociológico la publicación de estos textos inéditos: las anotaciones diarísticas, las cartas a su mujer y los anexos (aunque el segundo de ellos, un hiperbólico e hilarante brindis, es perfectamente prescindible). La edición es muy hermosa y las notas e introducción de Issorel y Lacroix cumplen con rigor su función. Nos repetimos, pero estimamos que la inclusión de los doce sonetos, algunos de ellos escritos durante la travesía, no sólo nos habría ayudado a entender mejor algunas claves de la escritura poética de Gerardo Diego, lo que en parte se hace en la Introducción, sino también a aumentar el interés literario de este <em>Diario de a bordo</em>. </div><div align="justify"><br /><strong>por FERNANDO ABASCAL<br /></strong><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Baldomero MADRAZO FELIÚ: <em>Historias de la ciudad.</em> Santander, 2007.<br /></span>Baldomero Madrazo Feliú (Santander, 1930), licenciado en Derecho, es un caso notable dentro del panorama literario regional, ya que entre los escritores no es frecuente la persistencia en la dedicación a la novela sin contar con los supuestos avales de los premios. Con extraordinario pundonor Madrazo sigue llevando a la imprenta obras de especial interés para el lector santanderino, escritas con admirable estilo, y anuncia la preparación de otras como <em>Paripeum</em>, uno de cuyos fragmentos ya leyera en una presentación navideña de la revista <em>Vetus</em>, en la desaparecida Librería Universitaria de Santander, allá por el 2003. Hasta ahora este autor ha publicado obras como <em>Medio 12, Santander, Quién cuida las begonias, Azul Mahón</em> y la que seguramente sea la mejor novela que ha reflejado el incendio de Santander de 1941 y la vida cotidiana de aquella ciudad de la posguerra, <em>Gavias de través</em>. El problema de su producción novelística, así como estas <em>Historias de la ciudad</em> que acaba de publicar y presentar en el Ateneo de Santander, es que se trata de autoediciones. No piense el lector que estoy en contra de la autoedición, que al fin y al cabo es un camino hermoso para la completa libertad del autor; lo que ocurre es que la distribución de este tipo de obras es mucho más limitada que las publicadas con el respaldo de alguna editorial donde, además, suele haber consejeros que ayudan al escritor a pulir y mejorar aún más el texto o incluso, en ocasiones, hacer alguna necesaria revisión ortográfica. Debe de estar por el 40% el volumen de autoediciones que aparecen cada año en nuestras librerías (otro tanto deben de ser publicaciones institucionales, que Dios nos coja confesados), con lo que el caso de Madrazo no es extraño, pero es lamentable que obras tan ambiciosas, resultado del exigente trabajo que conlleva construir una novela, no reciban una mayor atención.<br />Aunque el autor avisa de que la primera parte (no hay índice y no queda muy claro hasta dónde llega) de <em>Historias de la ciudad</em> es ficticia, los veintitantos cuentos que presenta tienen un evidente trasfondo autobiográfico o lleno de claves y detalles históricos que Madrazo conoce perfectamente. Se plantea aquí, de nuevo, el constante problema entre verosimilitud y verdad de que hablara en su discurso de ingreso en la RAE Álvaro Pombo: la “novela histórica” es ficción, aunque utilice datos rigurosamente exactos y demostrables por la historiografía. En el libro de Madrazo desfilan personajes creíbles, habitualmente bien perfilados, cuya vivencia transcurre en escenarios que tienen o tuvieron mucho de real: el Muelle y la Bahía, la iglesia de Santa Lucía, la Escuela de Comercio... Historias ligadas a la vida santanderina, al fin y al cabo. Aunque Madrazo frecuenta el diálogo para desarrollar las narraciones, uno de los relatos que más me ha impresionado ha sido “Veintitrés días”, un monólogo interior donde el escritor demuestra su capacidad de introspección psicológica en torno a la angustiosa idea de la muerte. La parte más puramente autobiográfica es la titulada “Campos de Sport”, que recoge un conjunto de artículos de prensa y trata un asunto, el Racing, que el autor ya abordó en <em>Pasión inexplicable</em>. Existe en todas estas páginas, eso sí, una tenue nostalgia de los tiempos pasados, que es algo que cada cual vive como quiere y, a la vez, paradójicamente, a todos nos une en la tragedia inevitable del paso de los años.</div><div align="justify"><br /><strong>por MARIO CRESPO</strong></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-27470612543707053132008-01-18T17:01:00.000-08:002008-01-20T05:12:12.195-08:00RESEÑAS SOBRE POESÍA<div align="justify"><span style="font-size:85%;color:#333399;">María ROSAL: <em>Síntomas de la devastación</em>. (XI Premio de Poesía “Alegría”, Ayuntamiento de Santander). Algaida, Sevilla, 2007.</span><br />Con su libro Síntomas de la devastación mereció María Rosal el XI Premio de Poesía “Alegría”, vinculado a la convocatoria de certámenes literarios en memoria de José Hierro que la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Santander convoca año tras año, por decisión de un jurado integrado por Amalia Iglesias, Ana Rodríguez de La Robla, Fernando Abascal, Juan Antonio González Fuentes y Enrique Martínez.<br />Síntomas de la devastación se convierte ahora, tras su reciente publicación por la Editorial Algaida, en el último de una larga serie de libros de poesía y de premios de María Rosal (Fernán-Núñez, Córdoba, 1961), a los que hay que añadir sus trabajos de investigación literaria, sus antologías centradas en las mujeres poetas o su presencia en diferentes recopilaciones de voces líricas.<br />Enfrentarnos a la lectura analítica del libro de María Rosal supone, en primer lugar, aventurarnos en un texto cerrado, una colección de poemas breves y muy breves que transita de manera obsesiva por el territorio de la desolación. El libro acentúa su carácter orgánico a través de una estructura narrativa clásica en la que los primeros poemas anuncian la llegada del dolor (“<em>Nada hacía presagiar tanto desorden</em>”) y los últimos fragmentos incluidos en el libro proclaman el final de la oscuridad y los primeros vestigios de esperanza (“<em>Ahora / reconstruimos la soledad, el sueño, / amueblamos la náusea. Enterramos / espinas que ya florecerán</em>”). Entre ambos surcos históricos, la caída vertiginosa, imparable, certera hacia el abismo.<br />Este carácter orgánico del libro, esta necesidad de un texto coherente más que de una colección de poemas sueltos, presente en toda la producción de María Rosal y proclamado en algunas de sus poéticas como su opción creadora, supone una de las mayores virtudes del texto. De alguna manera, con golpes duros y secos, con certeras pinceladas, los poemas van trazando un paisaje cenagoso en el que el lector necesariamente se hunde paso a paso. La sima emocional viene señalada con varios rasgos estilísticos que debemos anotar en esta reseña, como la utilización del verso libre pero abriendo paso a un predominio casi absoluto de versos de arte mayor (once y doce sílabas articulan las medidas mayoritarias) apoyados en un ritmo lento, cadencioso, que se suceden provocando una especie de cantilena que elude las músicas efectistas y prefiere un ritmo no evidente, introspectivo y oscuro. De igual manera, el juego obsesivo de los campos semánticas construye señas de identidad tremendistas en las que las vísceras amputadas, los muñones, los cuerpos desnudos en la morgue, la ira, las texturas blandas y viscosas, los colores metálicos o mortecinos, las soluciones médicas, el frío, el miedo... se apropian del centro de gravedad de todos y cada uno de los poemas y llevan a María Rosal a un espacio fronterizo entre lo vivo y lo muerto, a un tiempo de duda en el que tal vez los espejos no nos reconozcan sino como fantasmas. En este sentido, el uso de la retórica resulta igualmente circular, se centra en los usos simbólicos de una realidad en la que, al fin, cada objeto, cada animal, cada tiempo se sabe parte de la sutura.<br />Y sin embargo es este mismo carácter obsesivo, circular, orgánico, el mismo que nos aporta las llaves hacia una exhumación de los surcos oscuros de nuestras almas, de nuestra impotencia ante la enfermedad, ante la muerte, el que llega en algunos momentos a saturarnos de exceso. El lenguaje bordea tantas veces el filo del Apocalipsis que no puede evitar caídas duras que matan ciertos poemas, ciertas secciones del libro. Supongo que es posible viajar al dolor sin necesidad de que los pájaros defequen sobre nuestros corazones, sin que los dientes adquieran el sabor de las aguas estancadas y los inodoros, sin que se paseen sin rumbo las hienas, los cuervos y los buitres por las densas estepas de la nada. De la misma manera, no evita Rosal el uso no precisamente acertado de ciertos lugares comunes que, de pronto, nos sorprenden como torpes salidas a la situación propuesta ( <em>“dispuesta ... / a no ser más el paño de sus lágrimas” , “Será un mal día, pero será el último” , “tu indocta afición a lo melodramático”</em>), o la incorporación de términos clínicos – tac, resonancia, ADN– o propios de la cultura urbana y popular –las referencias a la película <em>Ben-Hur</em>-. Y lo hace de manera que nos resultan chocantes y nos rompen la sacralidad simbólica de la que la poeta había ido revistiendo su texto.<br />Un libro, en fin, desigual y un tanto decepcionante en el que una reflexión más pausada nos hace percibir demasiada inmediatez emocional, demasiada implicación personal en el sentimiento narrado. De alguna manera, María Rosal, que en sus poéticas reivindica el carácter de máscara con grietas de su lírica, de ocultamiento que a veces sólo vela parcialmente la subjetividad de la poeta, ha dejado aquí fuera de control esa implicación propia en las palabras. Falta distancia, una distancia necesaria para poder universalizar las emociones y, por ello, compartirlas con quien nos lee. Y a pesar del oficio, de las imágenes vivas, de la pericia rítmica, del edificio de la desolación que se nos levanta, <em>Síntomas de la devastación</em> se queda en eso, en un síntoma del libro que pudimos habernos encontrado.<br /><br /><strong>por REGINO MATEO</strong><br /><br /><br /><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;"><em>Límites</em>. Obra poética de Fernando Abascal, Guillermo Balbona, Marián Bárcena, Marcos Díez Manrique, Maribel Garrido, Juan Antonio González Fuentes, Rosario de Gorostegui, Ana Rodríguez de La Robla, Gloria Ruiz. Imágenes de María Gorbeña. Jornadas celebradas en el Palacete del Embarcadero entre el 14 y el 16 de noviembre. Autoridad Portuaria de Santander, Santander, 2007.</span></span></div><div align="justify"><em>LÍMITES</em> fue un proyecto plural que, conjugando la música, la poesía y la fotografía, se realizó en el Palacete del Embarcadero durante los días 14, 15 y 16 de noviembre, con motivo de la celebración de su 75 Aniversario. Nueve poetas leyeron sus composiciones acompañados por la música del rabel y la guitarra flamenca. Se proyectó durante las tres sesiones una selección de fotografías de María Gorbeña sobre los “límites” de la luz reflejándose en el agua, en el mar y su corpórea fluctuación de esencia y magma. Toda esta programación se recogió en un libro-catálogo del mismo nombre –Límites–, fiel representación de unas jornadas que concitaron la presencia de un público muy interesado en comprobar cuál era el panorama actual de la poesía última que se realiza en Cantabria.<br />Límites, pues, presenta el trabajo conjugado de varios artistas elegidos por su versátil capacidad de interpretar aquellos principios conceptuales tan apreciables en los creadores contemporáneos: el lenguaje del estupor frente a los avatares vitales, la interrogación conceptual permanente y la búsqueda de referentes propios donde asilarse ante los contradictorios impulsos que asolan los mundos del arte y la cultura.<br />El Palacete del Embarcadero siempre ha acogido actividades múltiples, y esa pluralidad de funciones es fuente inspiradora para elaborar un ejercicio literario intenso y sensible. Se constata que los poetas han tomado la referencia “límite”, como sinónimo de “demarcación”: territorio o comarca, zona o término, donde ejercitar la pasión de escribir y hablar de un paisaje de sentimientos, extrayendo de él, observaciones inusitadas sobre la raíz última de la palabra. Fernando Abascal utiliza una esclarecedora mirada para verificar la gravedad y presencia de los elementos, examina el paisaje como un inserto en la membrana de la memoria (“...<em>sustancia entregada hacia lo alto, el hueso más solo…</em>”). Marián Bárcena da crédito al instinto más inmediato, cuando percibe el entorno como una llama de exquisita ternura (“<em>Aire mío que vas en la conspiración de los felices</em>”). Marcos Díez Manrique sabe utilizar el horizonte de lo específico y personal, para desbrozar los límites de propia existencia (“<em>Me despierto de golpe, los ojos como platos y una lucidez de cuchillo afilado: veo que moriré algún día...</em>”). Ana Rodríguez de la Robla, crea un arco de luz límpida sobre los signos de la oscuridad, la noche se esclarece en su significado de poema, de palabra cerrada y recóndita anatomía (“…<em>escuchar la voz del trigo y la amapola, ser la sombra del jinete que callado galopa en la memoria de los dedos.</em>..”). Maribel Fernández Garrido describe el tiempo con un temblor de símbolos epidérmicos, ajustados a la necesidad de inventariar cada uno de los espejismos que envuelven los sentidos (“<em>Empujo, me arqueo, busco hasta dónde pueden crecer mis puentes</em>”). Gloria Ruiz susurra al oído las certezas y dudas de una piel sensible, aquellas que son vívidas como nubes o presagios en el último confín de la inocencia (“<em>Así era yo y en las noches buscaba el sortilegio de la luna y me inventaba amores, incapaz como era de vivirlos</em>”). Juan Antonio González Fuentes, empecinado en observar rutas inconclusas, busca heterónimos para sobreponerse a la distancia del desafecto; meteorólogo de tiempos aciagos, pocos describen como él la prosa escéptica de lo inalcanzable (“<em>Esta luz severa, la forma conocida de un camino triste que se hace silueta y sombra en una habitación vacía</em>”). Rosario de Gorostegui evoca el mar como si fuera un cuerpo donde reconocer la añoranza, una entidad ausente que posee evocaciones de ausencias (“<em>Reconoceré tus pasos cuando el mar inunde la memoria y se aleje creyendo que te lleva..</em>.”). Guillermo Balbona ha encontrado un raro mapa emocional, ha descubierto tierras ignotas circundadas por sombras que ocultan pérdidas y tálamos (“<em>La desolación de la altura y el vértigo a la espera de una caída infinita</em>”).<br />El volumen incluye igualmente un portafolio con las imágenes de María Gorbeña. También se recogen algunas fotos que reflejan las lecturas de poemas y las intervenciones musicales de Chema Puente al rabel y voz, acompañado de la técnica hecha sabiduría en la guitarra de Ramón Fernández, cuyas actuaciones resultan un ejercicio de emoción y sinceridad. Los Poemas de García Lorca, León Felipe, Gerardo Diego y José de Rio Pick sonaron en las Jornadas con un nuevo vigor y presencia cuando fueron interpretados por estos dos artistas.<br /><br /><strong>por JESÚS ALBERTO PÉREZ-CASTAÑOS</strong></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-13706826722094968172008-01-18T16:49:00.000-08:002008-01-18T17:00:01.518-08:00RESEÑAS SOBRE ESTUDIOS<div align="justify"><span style="font-size:85%;color:#333399;">Pureza CANELO, Elena DIEGO (eds.): <em>El legado de Juan Ramón Jiménez en la poesía española contemporánea</em>. Devenir-Ensayo, Madrid, 2007.</span></div><div align="justify">Comentar unas actas puede resultar algo ciertamente embarazoso ya que no hablamos de una obra unitaria, por mucho que el tema del libro actúe de hilo conductor. Por otra parte, sería poco propio de una reseña por su extensión, y al fin de poca utilidad para el lector, realizar un recuento y crítica de todos y cada uno de los trabajos allí presentados. Por ello, teniendo en cuenta que el libro se estructura en ponencias y comunicaciones y asumiendo el riesgo de resultar un tanto parcial, comentaremos más detenidamente las primeras, al fin y al cabo, eje vertebrador de estas Jornadas de Estudio sobre «El legado de Juan Ramón Jiménez en la poesía española contemporánea» organizadas por la Fundación Gerardo Diego y el Centro Cultural de la Generación del 27 y celebradas en Santander en octubre del año pasado.<br />El apartado de ponencias lo abre Luis Bagué Quílez con un trabajo que se encuentra muy en consonancia con sus últimas publicaciones, (v.gr. <em>Poesía en pie de paz</em>, que reseñamos en el pasado número de <em>QVORVM</em>) donde analiza la acogida de la obra de Juan Ramón, su influencia, las relecturas propuestas, en definitiva, el legado, la recepción de los poetas españoles que pertenecen a las últimas dos décadas del siglo XX. Prosigue Jesús Cabezón, quien realiza, mediante un collage de referencias y citas de diversos autores, una personal biografía del autor, a la vez que intercala sencillos, pedagógicos y ciertamente tímidos comentarios críticos, sin entrar en complejidades ni en cuestiones que requieran una excesiva profundidad o erudición.<br />Juan Cobos Wilkins, creador de la Fundación Juan Ramón Jiménez y crítico literario en el diario <em>El País,</em> nos relata su experiencia de ocho años trabajando en la Casa-Museo de Zenobia y Juan Ramón en Moguer, de manera amena gracias a un estilo narrativo y ligero. Pero el plato fuerte, a mi entender, nos lo sirve Francisco Javier Díez de Revenga cuando nos revela la otra faceta del poeta, la más humana y por ello más terrible y desmitificadora, encarnada en su relación con Gerardo Diego, una relación que no calificaría de amistad precisamente. Buceando en cartas y documentos nos encontramos con un personaje displicente y malhumorado. Sirvan de ejemplo las perlas que le dedica a don Gerardo: “<em>no quiero colaborar en ningún sitio donde figure esa pandilla a la que pertenece Gerardo</em>” o la más dura “<em>De otros poetas como Gerardo Diego, por ejemplo, no hay ni que hablar, pues es solamente un aficionado</em>”. Encuentra Revenga ciertas huellas de arrepentimiento en los últimos días del poeta, que sin embargo no desvelaremos a nuestros queridos lectores (no <em>spoilers</em>).<br />Las dos siguientes ponencias exudan cierta afectación académica en detrimento de la originalidad: Juan Antonio González Fuentes analiza el lenguaje de <em>Espacio</em>, con una correcta contextualización preliminar para abordar la génesis de la obra (básicamente el papel de James Joyce), así como su posterior evolución. Juan José Lanz, con su ponencia titulada <em>El legado poético de Juan Ramón Jiménez y la modernidad</em>, realiza un extenso y moroso recorrido al más puro estilo de los manuales de historia y crítica de la literatura sobre las etapas poéticas y el análisis de las obras del autor, eso sí, con un estilo de cierta vocación poética que en ocasiones resulta un tanto farragoso: “<em>la conciencia hecha esencia, ha de venir a habitar necesariamente; el destino de la escritura [...] aparece diáfano al final de su trayecto: crear un universo a través de los nombres (en ellos) para que el dios-yo de lo absoluto conseguido habite en él</em>.”<br />La siguiente ponencia corre a cargo de Lorenzo Oliván, quien nos propone considerar la afirmación realizada por Juan Ramón Jiménez durante una entrevista con Ricardo Gullón en la que aseguraba que “<em>el simbolismo moderno en la poesía española comenzaba con su</em> Diario de un poeta recién casado”.<br />Tras el trabajo de Ada Salas, donde analiza su poema favorito de Juan Ramón, <em>Del fondo de la vida</em>, termina el apartado de ponencias con la presentada por Alberto Santamaría, quien comienza con una divagación con pretensiones de <em>épater le bourgeois</em> que no termina de cuajar, sobre la realidad y la idiotez (como esencia) para llegar a la “<em>realidad real</em>” (sic) y de este modo a Juan Ramón. En conjunto, el texto resulta pesado y engorroso por las constantes reiteraciones de la misma idea y por la introducción de palabras como inorganicidad, propias de un autor acostumbrado a licencias poéticas.<br />Finaliza el volumen con una serie de comunicaciones donde repite alguno de los ponentes. En ellas se analizan, de modo sencillo y breve, determinados aspectos de la vida y de la obra del poeta, así como su recepción. No obstante, predominan en este apartado los análisis de poemas de Juan Ramón.<br />Este libro, que recoge las actas de las Jornadas celebradas con motivo del quincuagésimo aniversario del Premio Nobel concedido a Juan Ramón Jiménez, resulta, a la postre, desigual. En contenido y en forma, pues a pesar de contar con una impresión cuidada y un elegante diseño, aparecen erratas ya desde la primera página (<em>Moger, gande</em>); tan sólo la ponencia de Bagué cuenta con bibliografía; y no es coherente con unas normas de corrección y estilo (al hablar del <em>Diario</em>, en unas ocasiones aparece recién casado y en otras reciencasado). Sin embargo resulta un libro muy recomendable para todo aquel que quiera acercarse a Juan Ramón desde otros y diferentes puntos de vista.<br /><br /><strong>por FRANCISCO LLANILLO</strong><br /><br /><span style="font-size:85%;color:#333399;">Luis RUIZ AJA: <em>La Contracultura. ¿Qué fue? ¿qué queda?</em> Mandala Eds., Madrid, 2007.<br />José RIBAS: <em>Los 70 a destajo. Ajoblanco y libertad.</em> RBA, Barcelona, 2007.</span></div><div align="justify">Antecedentes e intenciones aparte, los dos libros tienen como tema los movimientos contraculturales en Occidente, en general, es el caso de <em>La Contracultura. ¿Qué fue? ¿Qué queda?</em> de Luis Ruiz Aja, a partir de ahora Luis, y en España, si no en Cataluña, si no en Barcelona, en particular, es el interés de <em>Los 70 a destajo. Ajoblanco y libertad</em>, de José Ribas, en adelante Pepe.<br />Uno de mis yoes, que se deja sentir en la lectura de ambas obras, y en el momento de comentarlos, es el de alguien que pertenece a una generación de desperdicios utópicos, militante forzoso de un escepticismo de emergencia para salvar la cara. Espero que acepten la ironía, trufada de alguna dosis de cinismo, virtudes socráticas, sobre las que el filósofo en carne viva y sobre las piedras de las plazas públicas acabó sentando las bases de la cultura occidental, y que a mí me sirven de frágiles mecanismos de autodefensa, a la vez que de instrumentos desmitificadores.<br />La contracultura quiso ser una revolución que trastocara los valores y, por tanto, que transformara radicalmente las pautas culturales, las formas de vida individuales y las relaciones sociales vigentes en Occidente. Al margen, nunca mejor dicho, de las ideologías dominantes, las de los dos bloques económicos-militares, con sus respectivos sistemas de producción y de defensa, equilibrio inestable, Guerra Fría, que se dio por terminados a finales de noviembre de 1989, con la caída del Muro de Berlín. Fin de la dialéctica Este-Oeste y ensanchamiento imparable de la ya muy abierta brecha Norte-Sur, a la que la contracultura fue muy poco sensible. Nada sensible.<br />Tras el fracaso de las tesis del materialismo dialéctico, que no de las del histórico, en cuyo nombre se hizo una revolución proletaria donde no había proletarios, que instaló con ansias de eternidad la provisional dictadura del proletariado, y ante la evidencia de que el potencial revolucionario de los trabajadores había sido prácticamente desactivado por las artimañas del capitalismo, que se retroalimenta de sus contradicciones, ¿quiénes podrían ser los agentes de la revolución, ya que no estructural, es decir, económica, sí cultural, es decir, superestructural, revolución intelectual y existencialmente liberadora?<br />Con instrumentos de análisis marxistas y freudianos, en sus obras <em>Eros y civilización, El hombre unidimensional</em> y <em>El final de la utopía</em> -final no por imposible, sino porque, supuestamente, se daban las condiciones objetivas propicias para que se hiciera realidad la utopía de la desalienación, de la libertad-, Marcuse aventura una respuesta: los grupos marginales, sobre todo los jóvenes estudiantes, aún no atados a la sociedad con el yugo del trabajo, a quienes se les presentaba la responsabilidad de construirse un mundo a la medida de sus ideales y no debían desaprovecharla. Y así, la rebelión surgió, sobre todo, en las universidades. Una especie de rizar el rizo, una rebelión de pequeños burgueses –burguesitos- contra la burguesía reinante, que no tardaría en fagocitarlos. Total, se quedó en revuelta.<br />En España, que ya estaba lo suficientemente marginada internacionalmente, había que luchar, no sólo contra la represión, sino también, y en primera instancia, contra la opresión, mientras en el resto de Europa y en América del Norte se las tenían que ver con la sobrerepresión, descubrimiento freudiano. Caso aparte fue el de Cataluña, en especial el de Barcelona, a la sazón en puente contracultural con Ibiza, feudo hippie. La revista <em>Ajoblanco</em>, que fundó y dirigió Pepe Ribas, fue uno de los medios de difusión contracultural fundamental. Su nutrió, en parte, de otros movimientos que se esparcían por España, con sus propios medios, pero con radios de influencia más limitados, y por tanto, con menos voz, que Ajoblanco se encargó de amplificar.<br />Soy consciente de que esta descripción, por ser necesariamente breve, es también insuficiente, muy insuficiente. Abre muchos huecos que quedan sin llenar. Para llenarlos han escrito sus libros Pepe y Luis. Cada uno lo ha hecho desde una situación diferente, como no podría haber sido de otro modo, por una mera cuestión de tiempo, de edades: Luis nació en el arranque de la década que con sus recuerdos recorre Pepe en su libro.<br />Luis observa el fenómeno cultural paradójicamente conocido como Contracultura con el apasionamiento del estudioso, a la vez que con la suficiente objetividad que permite no haber estado inmerso en ella. A falta de experiencias contraculturales propias, ha investigado sobre sus propuestas, sobre sus formas de expresarlas existencialmente, sobre sus impulsos intelectuales, sobre por qué fracasó o, cuando menos, por qué se quedó lejos de hacer valer sus ideales. Y de paso cumplió con la obligación académica de escribir una tesina.<br />Pepe vivió los años 20 de su biografía en coincidencia con los 70 del siglo y los acontecimientos contraculturales que en Cataluña tuvieron más presencia y relativa mayor capacidad de actuación. Y se mojó, fundó un medio de inspiración y expresión contraculturales, la revista Ajoblanco, que aspiraba a orientar la transición por los caminos que habían abierto los movimientos que hacían el amor y no la guerra, que entre el ser y el tener, optaban por ser. Caminos a los que se les pusieron obstáculos, se llenaron de baches, hasta acabar con el indicador de carretera cortada.<br />Los libros de Luis y Pepe, pues, comparten objeto, pero no objetivo. Y esta diferencia es la que los hace complementarios. Pepe cuenta la peripecia de <em>Ajoblanco</em>, indisociable de su peripecia personal. Las cuenta de un modo prolijo, con gran profusión de nombres, encuentros y situaciones que se repiten una y otra vez, procurando en el lector una sensación de vértigo, biográfico e histórico. Entre los nombrados no faltan alusiones a los mentores de la contracultura, que la contracultura también cuenta con maestros y con modelos a seguir. Que tampoco la espontaneidad se da en estado puro. Es en el libro de Luis donde se da cumplida explicación a las alusiones de Pepe: que si Marcuse, que si lo <em>underground</em>, que si Keruac, que si los hippies, que si el anarquismo, que si las comunas, etc.<br />Puedo sugerir un método reversible para la lectura de ambos libros. Uno sucesivo: primero leer el libro de Luis de un tirón e informarse del qué, el por qué y el para qué de la contracultura; después, leer el libro de Pepe de un tirón y conocer el cómo Ajoblanco, y él mismo, quisieron ser contraculturales guiados por aquellos qués, por qués y para qués, aplicados a la realidad española, en general, y a la catalana, en particular.<br />La otra forma de lectura, simultánea: no con los dos libros, uno en cada mano, a la vez, y con un ojo en las páginas del libro de Luis y el otro en las del libro de Pepe, sino con <em>Los 70 a destajo. Ajoblanco y libertad</em> en las manos y, a la vez, para ampliar información puntual, al paso de la lectura, tener a mano <em>La contracultura. ¿Qué fue?, ¿qué queda?<br /></em>Esta segunda pregunta del título, ¿qué queda?, es una buena pregunta, o sea, una pregunta bien hecha. Y necesaria. Se dice que de la Contracultura derivó la llamada “movida madrileña”, pase de pecho que se lució ya a toro pasado, más para celebrar y ponerse a tono, que para modificar las notas de un concierto que estaban componiendo otros, con el Viejo Profesor encargado de esgrimir, para entretener, la batuta del despiste. También se dice que quedaron los movimientos ecologistas, feministas, pacifistas, homosexuales, etc. Y es verdad, como también lo es que se encontraron con su negación dialéctica; los Ministerios de Medio Ambiente, las Direcciones Generales de la Mujer, los Ministerios de Cultura, etc, con las que han de vérselas, para atajar barrabasadas, unas veces; otras veces, para entrar por el aro.<br />También se tienen a los movimientos por otra globalización como herederos de los contraculturales. Me permito cuando menos una observación. Los movimientos por otra globalización son solidarios, además de reivindicativos. Los movimientos contraculturales fueron reivindicativos, pero escasamente solidarios, más allá de una solidaridad de puertas adentro. Permítanme que justifique lo que acabo de decir con un hecho que a los españoles nos debería haber cogido, y seguir cogiéndonos muy de cerca, y que a mí, desde entonces, me toca muy por dentro, y es por esto por lo que lo destaco, sin que sea el único. En 1975, con Ajoblanco en pleno lanzamiento, el Gobierno español hizo entrega del Sahara Occidental, con los saharauis y sus recursos dentro, a Marruecos y Mauritania, propiciando una guerra de 15 años y un exilio en campos de refugiados de 32 años, hasta el momento. <em>Los 70 a destajo. Ajoblanco y libertad</em> dedica a semejante barbaridad dos párrafos sueltos de apenas tres líneas cada uno y un pie de página, con el distanciamiento de una noticia de agencia.<br />Quizá la respuesta a qué queda de la contracultura se encuentre en las entrevistas, que se incluyen en el libro de Luis, a personajes que fueron conocidos contraculturales, y reconocidos después por sus servicios, cuando salieron de las trochas libertarias para transitar por vías con pasos de cebra, que separan, semáforos que permiten y prohíben, y stops, que detienen, que regulan la circulación democrática. Desde Luis Racionero hasta Pepa Roma, que también escribe el prólogo, pasando por Antonio Escohotado, Fernando Díaz, Fernando Sánchez Dragó y el propio Pepe, que asume el déficit de solidaridad, son entrevistados por Luis.<br />Son estas entrevistas que harían buena la consideración crítica del Premio Nobel de Literatura del año 2002, el húngaro Imre Kertész, según la cual, además del pecado original, del que el hombre es inocente, existe el pecado histórico, del que dice no saber definir muy bien, para aventurar que quizá consista en echar a perder todas las revoluciones. Y digo que la harían buena, si no fuera porque al menos una revolución no la echaron a perder quienes la hicieron, y que los demás a lo sumo sólo la han incordiado de vez en cuando: la revolución burguesa, la madrastra de todas las revoluciones. Nunca ha permitido que las cenicientas y los príncipes se encontraran, porque también puso a los príncipes a su servicio. Los cuentos son historias, pero la Historia no es un cuento.<br />En fin, por todo ello echo en falta en las obras de Luis y Pepe, con más fundamento en la de Pepe, que vivió lo que cuenta, un componente irónico, matizado con un toque de cinismo. Lo que apercibe mi lectura en <em>Los 70 a destajo. Ajoblanco y libertad</em> es que en el libro sí queda, volcada de los diarios de Pepe, toda la ingenuidad de aquel entonces. Y es que si el tratamiento que Luis le aplica a la Contracultura es el del investigador, Pepe la venera con el fervor del creyente. Lo que no sé es si eso es bueno o regular. Supongo que malo no es.<br /><br /><strong>por FERNANDO LLORENTE</strong></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-59617347729732751172008-01-18T16:43:00.000-08:002008-12-11T01:14:27.400-08:00REPERTORIO SACRO<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ1kzWzdYWAXpIM5kVLqV3GiIIvXbokcyPO2uD0mdsm6AchzBPItvM6qqv3UL8rnOi02NafdQmDDx2_cfr7zqKinJLiP8qr86368oaPf3rxkJ_TUQCu-OdphfytpGXt0Y_uwiGj6QSVkGI/s1600-h/Stabat_Mater-M_R_Saturio.JPG"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5156983136940502290" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZ1kzWzdYWAXpIM5kVLqV3GiIIvXbokcyPO2uD0mdsm6AchzBPItvM6qqv3UL8rnOi02NafdQmDDx2_cfr7zqKinJLiP8qr86368oaPf3rxkJ_TUQCu-OdphfytpGXt0Y_uwiGj6QSVkGI/s200/Stabat_Mater-M_R_Saturio.JPG" border="0" /></a><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;"><em>Stabat Mater</em> de Giovanni Battista Pergolesi y <em>Ave verum corpus</em> de Franz Xaver Sussmayr. Orquesta y Coro Europa Concentus Musicus. Director: Mariano Rodríguez Saturio. Grabación en directo (1999). Edita: Parlamento de Cantabria, Santander, 2007.</span></span><br /></div><br /><div align="justify">La vida musical de Santander de los últimos años le debe mucho a Mariano Rodríguez Saturio y a esa determinación suya por llevar adelante proyectos como “Europa Concentus Musicus”, orquesta que este año cumple los veinte y que durante este tiempo ha sido para los cántabros lo más parecido a una formación profesional estable como la que Gustavo Moral reivindicaba para nuestra comunidad en el anterior número de <em>QVORVM</em>.<br />No sé si la publicación de este disco bajo el patrocinio del Parlamento de Cantabria viene a ser celebración de ese cumpleaños, pero no sería mala idea: alcanzar los veinte años de andadura en las condiciones que a esta orquesta le ha tocado vivir se antoja casi una hazaña, una gesta que no se entiende sin la figura de Mariano Rodríguez Saturio y ese empeño rayano en lo quijotesco que comparte con quienes procuran que la música culta pinte algo en la vida de todos nosotros.<br />En todo caso, el disco es una buena muestra de su quehacer durante estas dos décadas, pues por un lado abunda en el repertorio sacro que le es tan querido y por otro reúne una obra tan conocida como el <em>Stabat Mater</em> de Giovanni Battista Pergolesi y otra absolutamente desconocida: el <em>Ave verum corpus</em> de Franz Xaver Sussmayr, quien se reservó un lugar en la historia de la música al completar el <em>Réquiem</em> de Wolfgang Amadeus Mozart.<br />El <em>Stabat Mater</em> ocupa la mayor parte del lamentablemente breve disco (42’) y en él Rodríguez Saturio cuenta con la colaboración de dos voces que le han acompañado en anteriores ocasiones y que, además de empastar a la perfección, participan plenamente de la claridad y sobriedad de la batuta: Rosana Barrena y Marina Pardo. La primera, soprano afincada en Alemania, luce un timbre limpio y un vibrato muy expresivo que confiere una apreciable dosis de patetismo a sus intervenciones, mientras que la mezzosoprano cántabra exhibe el noble instrumento conocido y admirado por todos.<br />El <em>Ave verum corpus</em> que completa el disco constituye una rareza que conoce aquí su primera plasmación discográfica; la obra, impecablemente interpretada por el coro, es breve: no llega a los tres minutos de duración, pero es tiempo suficiente para apreciar su interesante escritura y advertir que, como Ricardo Hontañón apunta en las notas, se trata de “<em>una pieza inspirada y, lógicamente, con influencias mozartianas</em>”, aunque, como precisa el crítico, sus medios expresivos y dinámicos le acercan más al espíritu romántico.<br />La edición está muy cuidada: la toma sonora respeta la acústica reverberante de la iglesia de San Miguel de Camargo y el libreto, diseñado por Javier Lezaola, incluye los textos cantados en latín y las biografías de los intérpretes en castellano, inglés y alemán, aunque se echan en falta los nombres de los componentes de la orquesta. Un gran disco.<br /><br /><strong>por DARÍO FERNÁNDEZ</strong></div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com13tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-77230554751594068772008-01-18T16:35:00.000-08:002008-12-11T01:14:27.713-08:00EL ESTILO MARLANGO<div align="justify"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0cV0gi4UdkuVKg2W_diibFIor3CKBfjyTI74nwwOlXS0vEY7Gu-tHVKr4j7ce8waPiFc0DC8KWkUJysJlCFICLg01-7Own1jshEbDT4oKw7am3Hs4uu_3faVEVGAzhyboj2NHQeGOFcDV/s1600-h/marlango_-_the_electrical_morning.jpg"><img id="BLOGGER_PHOTO_ID_5156980976571952386" style="FLOAT: left; MARGIN: 0px 10px 10px 0px; CURSOR: hand" alt="" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh0cV0gi4UdkuVKg2W_diibFIor3CKBfjyTI74nwwOlXS0vEY7Gu-tHVKr4j7ce8waPiFc0DC8KWkUJysJlCFICLg01-7Own1jshEbDT4oKw7am3Hs4uu_3faVEVGAzhyboj2NHQeGOFcDV/s200/marlango_-_the_electrical_morning.jpg" border="0" /></a><span style="font-size:85%;color:#333399;">MARLANGO: <em>The electrical morning</em>. Voz: Leonor Watling; teclados, Alejandro Pelayo; trompeta, Oscar Ybarra; batería, Gonzalo Maestre; guitarra, Vicent Huma; bajo, Manuel Bagüés. Grabado en los estudios Musicland (Girona) y Track (Madrid), Universal, 2007.</span><br /></div><div align="justify"></div><div align="justify"><br /></div><div align="justify">Si el primer disco de un grupo suele ser una muestra de sus influencias, el tercero supone alcanzar su propio estilo. En este sentido, Marlango ha conseguido con este trabajo la difícil tarea de no parecerse a nadie sin necesidad de repetirse. Producido por el propio Alejandro Pelayo, las canciones se han vestido de nuevos sonidos y arreglos, evitando las modernas tecnologías en favor de viejos instrumentos de la primera revolución electrónica, como las Ondas Martenot o el Minimoog, dando al conjunto una atmósfera luminosa, a veces fría e inquietante, otras esperanzadora, pero siempre bella, fiel reflejo de ese espíritu del alba en el que se cruzan dos mundos: la noche y las primeras luces del día.<br />Con indudable buen gusto, la voz de Leonor flota y se agita libremente sobre ese paisaje sonoro desde el pop más refinado (<em>Every now is past</em>) al cabaret más canalla (<em>Dance, dance, dance</em>, con Miguel Bosé como maestro de ceremonias), pasando por guiños al rock de carretera (<em>Shout</em>), cargada de emotividad, alegría, dudas o ironía, según lo pidan las letras. Trece canciones influenciadas por la estancia de la banda en Berlín y reflejo de una generación ya en la treintena, que se plantea si ha conseguido sus sueños, un sucedáneo o, simplemente, algo distinto a lo que podían imaginar, pero aceptándolo con esperanza .<br />Destacable el tema que sirve de single, <em>Hold me tight</em> (cantada junto a Jorge Drexler), el potente <em>Walking in Soho, Who is me</em>, íntima y delicada, o <em>Shiny fish</em>, grabada el último día de sesión a la luz de las velas y acompañada sólo por el piano. Se agradece la aportación de otros colaboradores menos conocidos por el gran público, pero igualmente de lujo como Ricardo Moreno, Suso Saíz y Pablo Novoa.<br />Por último, como hoy en día el lanzamiento de un disco no se limita a la colección de canciones recogidas en un CD, conviene asomarse a las páginas que el grupo mantiene: <a href="http://www.marlango.net/">http://www.marlango.net/</a> y <a href="http://www.myspace.com/marlango">www.myspace.com/marlango</a>, de donde es posible descargar una canción extra no incluida en el disco.</div><div align="justify"><strong><span style="color:#ffffff;">.</span></strong></div><div align="justify"><strong>por DAVID BUSTAMANTE ALONSO</strong> </div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-4654877596728856200.post-43334550025272813422008-01-18T16:32:00.000-08:002008-01-20T07:18:05.624-08:00MÚSICA FRESCA<div align="justify"><span style="color:#333399;"><span style="font-size:85%;">Jóvenes intérpretes en la Fundación Botín<br /></span><br /><strong>por REGINO MATEO<br /></strong></span><br />La presencia de las hermanas Lucía y Almudena Díez Pérez en la Fundación Marcelino Botín el pasado 19 de noviembre, con un programa clásico y atractivo integrado por las <em>Siete variaciones sobre un tema de La Flauta Mágica</em> de Beethoven, la preciosa <em>Sonata Arpeggione</em> de Schubert, la <em>Sonata para violonchelo y piano</em> de Debussy y los arreglos que realizara Maurice Marechal para la misma combinación instrumental de las <em>Canciones españolas</em> de Manuel de Falla, supuso la continuidad de un ciclo de música de cámara que viene suponiendo no sólo un oasis de placer para los aficionados a la música sino casi la única oportunidad de los nuevos valores interpretativos (cántabros o no) para ofrecer su trabajo en esta ciudad que un día llegamos a llamar “Atenas del Norte”.<br />Me refiero, claro está, al Ciclo de Jóvenes Intérpretes que, junto a los ciclos temáticos con que la Fundación nos regala año tras año, se han venido asentando como la casi única programación estable de música de cámara con continuidad, calidad y criterio. Hubo un tiempo en el que hablar de cultura en Santander era centrarse en tres grandes áreas: música, pintura y poesía. La música hoy ha prácticamente desaparecido por razones que nos obligarían a un análisis largo que prefiero posponer para mejor ocasión (aunque escribo estas líneas un 22 de noviembre, festividad de Santa Cecilia, una patrona de la música cuyo nombre es –según doctrina de la propia Iglesia Católica- fruto de la tradición piadosa y no de la realidad histórica: una santa que no existió para una ciudad donde la música apenas existe).<br />Queda por confirmar el camino del ciclo de música abierto por la Concejalía de Cultura en los dos últimos años, al que faltan aún definición y rodaje. Y reconocer el trabajo de la Asociación de Amigos del Festival, un tanto diluida en los últimos tiempos pero que sigue optando por un repertorio clásico con intérpretes de primera magnitud.<br />Pero quieren ser estas líneas más que otra cosa un acto de gratitud al trabajo de la Fundación Botín. En este sentido, y en lo que a los jóvenes intérpretes se refiere, habría que recordar que este espacio musical es en la práctica el único con el que nuestros jóvenes músicos cuentan para expresar sus inquietudes, para comunicar sus avances en el duro y áspero camino de la formación musical, para enfrentarse al juicio del público y la crítica, para absorber el siempre cálido premio del aplauso.<br />No deja de ser paradójico que ahora que nuestros dos conservatorios han consolidado su oferta docente, que cada vez más cántabras y cántabros encuentran su vocación profesional en la interpretación musical y apuestan por formación superior y especializada en los mejores centros internacionales, que contamos con un largo listado de intérpretes de calidad en la casi totalidad de las opciones instrumentales, sigamos sin contar con una Orquesta de Cantabra (hay dinero al parecer para convertir toda Cantabria en un museo de no sabemos muy bien qué pero museo al fin, pero no para generar otras infraestructuras culturales), sin contar con ciclos estables de música, sin contar en muchos casos con medios básicos para la realización de conciertos y desatendiendo tanto los aspectos didácticos (¿esperamos que los nuevos aficionados a la música surjan por generación espontánea o es que preferimos que no surjan?) como los aspectos digamos esencialistas de la música (abominamos de la música de cámara por “poco comercial” y nos limitamos a programar música-espectáculo centrada en la ópera y el repertorio sinfónico más convencional).<br />Es por eso que, hoy que los dedos no me han dejado escribir una crítica de concierto y se me han marchado por otros derroteros, quiero evocar dos fuertes sensaciones. La primera y fundamental, el placer de encontrarnos de nuevo con el gran repertorio tratado con emoción y sensibilidad por dos intérpretes nacidas en Madrid pero santanderinas de formación. Un excelente para la labor de las Lucía Díez Pérez y Almudena Díez Pérez. La segunda, la gratitud profunda a la Fundación Botín por su generosa apuesta a favor de la Música, así, con mayúscula. Ojalá esa música verdadera sonara también en programas que cuentan con muchos más medios pero desde luego con mucha menos voluntad.</div>Revista de Cultura QVORVMhttp://www.blogger.com/profile/10879325844175943122noreply@blogger.com0